A TUMBA ABIERTA

Tocando la música de otros. LOS MEJORES DISCOS DE VERSIONES (Bloque 1)

2012-01-27T16:46:00.000-08:00

Tocando, sí, pero también rindiendo, homenajeando, tributando y reconociendo influencias y gustos musicales de cada grupo; y porqué no decirlo, en muchos casos jodiendo las canciones originales. Pero bueno. Cuando se respeta y, se es sincero, con el trabajo de los que se suponen son tus compositores y grupos favoritos, debería estar claro el propósito de cada uno. A mi entender, eso es lo que tienen de interés los discos de versiones: El saber de donde se viene. La curiosidad, la rareza, la sorpresa, la decepción..., eso viene después. ¿Pueden los temas originales ser mejorados? Dificil, a no ser uno Jimi Hendrix (a "All along the watchtower" me remito). Aunque pienso que no se trata de eso. En todo caso aquí tenéis un inicial primer bloque de discos de versiones para elegir y discutir. Divertidos y originales, son muy del gusto de esta casa tumbera... Y para todos los públicos y edades, además.

RAMONES: "Acid Eaters" (1993).

Joey y sus secuaces dejan bien clarito cuales son sus gustos e influencias musicales en esta recopilación llena de chispa y clase. Psicodélia, pop, garage... Los de Queens pasan por la batidora ramoniana temazos ajenos de ayer y de hoy -y tan variados- como "Can't seem to make you mine"(The Seeds), "7 and 7 is" (Love), "Substitute"(The Who) o "Somebody to love"(Jefferson Airplane la hizo famosa pero el tema lo compuso Darby Slick un folker de los 60). Ni que decir que se 'apoderan' de los originales hasta hacerlos practicamente suyos. Una delicia de manufactura impecable. Imprescindible en cualquier estantería de discos de versiones que se precie.

JOAN JETT: "The Hit List" (1990)

Después de disolverse The Runaways y de reinar en las listas durante los 80's con hits tan esenciales como "I love rock&roll" o "Bad Reputation", Joan Jett encara los 90 con este discazo bajo el brazo. Con su fuerza característica la guitarrista nacida en Filadelfia revisa desde el "Have you ever seen the rain" de la Creedence hasta el "Dirty deeds done dirt cheap" de AC/DC, pasando por "Tush" de ZZtop, "Love me two times" de los Doors o el "Celluloid heroes" de los ingleses The Kinks. Mujer atractiva y músico fascinante Joan logra que los temas suenen como si los hubiese compuesto ella misma. Todo bendecido por la labor de Kenny Laguna en una elegante producción. Recopilación obligada en cualquier fiesta rockera que presuma de bailoteo.

POISON IDEA: "Pajama Party" (1992)

Si por algo me enloquecen los de Portland son por sus reminiscencias al rock&roll clásico y fiestero de toda la vida. Entre tanto hardcore metalizado de punk se puede apreciar tal escuela. Desde clásicos de Elvis Presley (suenan "Jailhouse rock" y "Lawdy mis Clawdy") a himnos proto-punk de MC5 ("el disco arranca con "Kick out the jams") o New York Dolls (demoledora "Vietnamese baby"), pasando por los seminales Damned ("New Rose"), hasta terminar con las sorpresivas y apoteósicas "The harder they come" del jamaicano Jimmy Cliff, y la instrumental "Green Onions" del genial Booker T & The MG's. Para flipar.

LEMMY, SLIM JIM, & DANNY B: "Íden" (2000)

Tambien conocido por el título de "Lemmy & Friends" el trabajo del veterano trio (conocido posteriormente como The Head Cat) resultó en su día una agradable -y exótica- propuesta de relumbrón para todo buscador de tesoros. Menuda. Aquí estaban el lider de Motorhead, el batera "fantasma" de Stray Cats, y el caliente guitarrista rockabilly Danny B (Lonesone Spurs, The Rockast) vistiendo lentejuelas para la ocasión. Todo temas enraízados en los 50's. Lemmy poniendo su carrasposa voz al servício de composiciones de Johnny Cash, Elvis, Eddie Cochram, Buddy Holly, Jimmy Reed... Visto el currículum del trio uno se esperaba un disco con mucho más ritmo y vigorosidad, digámos que sorprende el 'respeto' con el que se toman las composiciones originales. Con más marchita hubiese sido un trabajo mucho más reseñable. Así todo, el 'espíritu de Las Vegas' que reboza todo el disco lo combierte en curiosidad imprescindible.

GUNS & ROSES: "Spaghetti incident" (1993)

En su día el disco de versiones de Axl, Izzy, y el resto de melenudos millonarios componentes de Guns&Roses descolocó a más de uno. Si los fans teenagers, al igual que los 'aseados' heavys, esperaban una lista de viejos hits de éxito que pudieran reconocer, los angelinos se desmarcaron con una elección de temas underground de mucho cuidado. Ninguno se acerca ni de paso a la grandeza de los originales, pero se agradecen. La selección sirvió para que, un servidor, se interesase por los músicos originales y grandes canciones que por aquel entónces desconocía: Stooges ("Raw Power"), Fear ("I dont care about you"), Johnny Thunders ("I Can't put your hands around a memory"), Misfits ("Attitude"), Nazareth ("Hair the dog"), T Rex ("Buick Makane") y sobretodo el sublime e impedecedero tema de Dead Boys "Ain't not fun".

MISFITS: "Project 1950" (2004)

No sería de reseñar si no fuera porque los Misfits son uno de los grupos de cabezera de A Tumba Abierta (con Glenn Danzig mucho mejor). No salió bien el esperimento, pero aplaudímos la osadía. Como su título indica, nos encontramos ante un disco de versiones fifties. Suenan (aceleradísimos) una preciosa "This magic moment" de Doc Pomus (en su momento también versioneada por gente como Lou Reed o The Drifters); "Drean Lover", un tema de Bobby Darin compuesto en 1959; la baladita "Donna", de Ritchie Valens; la exitosa "Great Balls of Fire" del diablillo de Jerry Lee Lewis; no podía faltar la halloweeniana "Monster Mash" de Bobby Pickett, o la original de Del-Shannon "Latest Flame", además de un honky-tonk de Taylor Swifts and The Dupress de título "You Belong to me".

AQUÍ LO DEJAMOS. EL PRÓXIMO MES TENDRÉIS OTRA REMESA PARA COMPLETAR LA DOCENA.

JOHNNY OTIS, ETTA JAMES, Y HUBERT SUMLIN. ADIOS DE GOLPE A TRES LEYENDAS DEL RHYTHMN & BLUES

2012-01-24T13:10:00.000-08:00

De una tacada el Gran Pájaro Negro reclamó para sí el alma de tres de los más grandes iconos de la música popular estadounidense que todavía quedaban por partir al más allá. El 4 de Diciembre pasado fallecía en Nueva Jersey a la edad de 80 años el inimitable bluesman de Chicago Hubert Sumlin. Guitarrista de la banda del enorme, en todos los sentidos, -y temído- Howlin' Wolf, no pudo superar un cáncer de pulmón detectado en 2002. Ahí quedan sus impresionantes grabaciones para Chess Records como testimónio de su espíritu y de su grandeza licántropa. Muchos blanquitos fueron declarados admiradores de sus vertiginosas 'líneas de sierra': Keith Richards, Eric Clapton, Levon Helm (The Band) o David Johansen (N.Y.Dolls), por citar unos pocos; pero mucho me temo que la masa silenciosa -y moderna- descubra algún día el sonido abrupto de su guitarra. Recientemente la revista Rolling Stone lo situó en el puesto 42 de los mejores guitarristas de todos los tiempos. Al menos todavía queda algún justo critério en el mundo y hay quien reconoce los méritos del bueno de Hubert Sumlin. Valgan estas líneas para mostrar nuestro más sentido pésame a semejante pérdida; y a la gran familia del rock&roll. Otro fenómeno que nos abandonó en este inicio de año fue Johnny Otis (1921-2012), padrino del rhythm and blues. Músico (pianista, vibrafonista, percusionista y cantante) y productor, miembro del Salón de la Fama del Rock&Roll desde 1994, fundó su propia banda en 1945 alcanzando un sonado éxito en la época de las big bands. En la década de los cincuenta, Johnny Otis grabaría su tema más popular, "Willie and the Hand Jive"(versioneado hasta la saciedad; Eric Clapton lo hizo en 1974) y descubriría desde su Club en Los Angeles a talentos de la música estadounidense como Little Richard, Jackie Wilson y, sobretodo, a Etta James, para quien produjo su primer gran éxito, "Roll with me, Henry". Curiosamente, la legendaria y volcánica emperatriz del soul le seguiría a la tumba días después. Semana triste y dolorosa para todo aquel que ame la música popular del siglo XX. Cómo explicar semejante faena: Quien escuchara alguna vez la proteica voz -saturada de heroína y alcohol- de Etta James, en canciones como All I Could do was cry, por ejemplo, quedaría marcado a fuego para el resto de sus días. No hace falta decir que la historia del Rock&Roll ha perdido a una de sus grandes voces raciales (con permiso de Aretha). Esté donde esté, en el infierno o en el jardín del Edén, su fantasma la estará liando parda; de fiesta con Billie Holiday, Bessie Smith, Johnny Otis, Muddy Waters o Bo Diddley, compañeros de armas. Tocarán soul, blues añejo, jazz estándar, doo-wop, rock, o funk, y se reirán de los vivos. Ya en su recta final, suena a chiste de mal gusto, que Beyoncé, y su pop sucedáneo e inofensivo, contaminara las ultimas líneas de la biografía de una voz de leyenda, pues hubo quien escucharía por vez primera el nombre de Jamesetta Hawkins cuando la Beyo(ta) perpretó su personaje en la película Cadillac Records (2008). Estoy pinchando el apoteósico At Last para rendirle el homenaje que se merece. Duerme en paz, alteza.

NOVELA GRÁFICA: "AULLIDO". Moloch más vivo que nunca.

2012-01-21T17:27:00.000-08:00

"Vi las mejores mentes de mi generación destruidas por la locura, hambrientas histéricas desnudas, arrastrándose por las calles de los negros al amanecer en busca de un colérico pinchazo..."

Howl (1956), como bien sabrán la obra maestra novelada de Allen Gingsber que sacudió conciencias y creó escuela, fue recientemente llevada al cine en forma de curioso biopic dirigido por Rob Epstein y protagonizado de manera más que satisfactoria por el (bio)actor James Franco (Howl, 2010). Como accesorio a tan volcánico poema de los beats (y de la literatura en general) aparece ahora en formato novela gráfica para traer al presente todo aquel mundo fantástico, brote de pesadilla urbana, difuso, colorido, abstracto y, tan contemporáneo, salido de la mente de su autor. Moloch es hoy más real que nunca. Romper tabúes y machacar cerebros -y verbos- no es obsceno, es un deber. Lou Reed, Richard Hell, Sonic Youth y demás neoyorquinos de aguja y pluma así lo entendieron. Aullido (Sexto Piso), rapsodia visceral de cuidada edición (en tapa dura) llena de dibujos animados e impactantes versos, ilustrada por el polifacético Eric Drooker, un artista callejero que pegaba carteles llamativos en lámparas y postes (cuenta el dibujante que el mismísimo Ginsberg le conoció al arrancar de las farolas y paredes del Lower East Side, para coleccionarlos, los carteles que él dibujaba) y que hoy figura como uno de los artistas contemporáneos más valorados, es toda una delicia. Séas de la generación que séas.

MUJERES ATÓMICAS: YVETTE VICKERS

2012-01-18T15:22:00.000-08:00

La bella y afrodisiaca starllette Yvette Vickers (1928-2011) fue recientemente, más noticia, por la forma de morirse (tras encontrar una vecina su cuerpo en descomposición ¡tras más de un año muerta!) que por lo encantadora que llegó a ser en vida. Ya olvidada y desatendida, contaba 82 años. Atrás habían quedado sus días de gloria como actriz de Serie B, conejita playboy y saltadora de obstáculos varios. Su final fue carne de tabloide sensacionalista, carroña para los más carroñeros. Así de grato es Hollywood, para que engañarnos. Nosotros, los que reconocemos y sabemos apreciar el talento 'extraterrestre' cuando lo tenemos enfrente, nos rendímos ante mujeres de semejante guisa. Hechas de otra pasta. Peligrosas... -Por el peligro que representaban para la masculinidad engominada de la época-. Hembras decididas. Independientes (estamos hablando de buscarse la vida currando, mientras los hombres libran la Segunda Guerra Mundial). Pero como bien silba aquella canción "..it's a long way to the top, if you wanna rock&roll ...", es de suponer que nuestra perla de Kansas City (al igual que muchas otras y heróicas 'reinas del grito' pioneras) chupase muchas pollas ricachonas antes de obtener un primer papel de relevancia en una película de Holywood (papeles sin acreditar en Sunset Blvd.(50), The Sound of Fury (50), El Recluta (57) y, a saber qué títulos más, fueron un comienzo). Y esa oportunidad le llegaría dentro del cine fanta-científico de los 50. Un glorioso título de culto de la serie B titulado ATTACK OF THE FITY FOOT WOMAN (Nathan Juran, 1958) de la que formó parte (años después, en 1993, otra atómica, Daryl Hannah, protagonizaría un insulso remake a todo color). Los amantes del gigantismo y de la estructura genética nunca olvidarémos aquellos 50 kilates. El impulso le duraría poco más; Attack of the giant Leeches (El ataque de las sanguijuelas gigantes. Liz Walker,1959) sería su última aparición en celuloide estelar de autocine. El final ya lo conocen. Ganarse el pan el seriales de tv. y de ahí a la momificación. Una lástima. Pero lo atómico no se desvanece así como así, amigos míos. El recuerdo de Yvette tumbada en el sofá rodeada de vinilos dormirá conmigo hasta el fin de mis días.

CINEROCK: "WHAT WE DO IS SECRET". Revisando a Darby Crash y el punk angelino.

2012-01-15T00:02:00.000-08:00

La vida dentro de un círculo.

Los amantes del mejor y más primitivo punk rock (y de los biopics, sobre todo aquellos que se acuerdan de los 'perdedores') estamos de enorabuena. Personalmente, acabo de descubrir otra de esas golosinas qué, aunque sabes que te van a joder los dientes, cuando te faltan, acabas por echarlas de menos. Quizá no sean todo lo artísticas o respetuosas con la historia del biografilmado que deberían ser, pero films como la reciente The Runaways, o esta, anterior en su estreno, sobre el grupo The Germs y la vida de su lider Darby Crash, merecen ser contadas (aunque solo estén al alcance de unos pocos afortunados; bien por falta de medios, apoyo, ignorancia o lo que sea). Esperando más retratos cinematográficos de colosales figuras del rock que todavía aspiran a que se ruede una película sobre su vida (Iggy Pop, Bowie, Joey Ramone, Thunders.. y decenas de ellos más) uno no deja de sorprenderse de la existencia de una cinta como Lo que hacemos es secreto (What we do is secret, 2008). Hay que agradecerle al tal Rodger Grossman, director de la misma, el que se haya interesado por tan singular artista, un tipo tan 'desconocido' como DC. Sin duda se sabrá conocedor de la importancia que tuvo este personaje en la historia del punk rock angelino de mediados/finales de los 70, y la influencia de éste en posteriores músicos y grupos que rondaron a su alrededor (Nirvana, Circle Jerks, Blag Flag...; léanse mejor el libro "Tenemos la bomba de neutrones", y entérense bien). Ni Darby Crash es Jim Morrison, ni The Germs son The Doors, pero en esencia, todo es rock and roll y, esta cinta, así lo intenta demostrar. Excesos, dolor, peligro, caos, frenesí, disturbios, distracción, decadencia, filosofía, autodestrucción, desenfado, lucha, drogas duras y... ¡círculos!. Además de un puñado de grandes canciones y buenas letras para compartir. Emotivo final sonando el temazo Five Years de su querido Bowie mientras Darby se suicida, al tiempo que en la tele dan la noticia del asesinato de John Lennon.

LECTURA CANALLA: EL HIELO (de Vladimir Sorokin)

2012-01-12T17:00:00.000-08:00

Que prohíban (y quemen públicamente) libros de alguien, es una buena señal. El escritor Vladimir Sorokin es polémico, porque es muy bueno en su trabajo. A este ruso no le agrada la infecta corrupción que corre por las venas de la vieja/nueva Rusia (un reflejo del mundo en general) y sus novelas son su forma de rebelarse y remover conciencias. El presente está muy mal y el futuro no es nada alentador. Sorokin lo sabe y nos lo refriega en la cara. Liberado de cualquier cliché y atadura el ruso escribe como quien dispara. Frases cortas y afiladas, como fogonazos. A los que le guste la literatura anfetamínica de Philip K. Dick, estará en la onda con este tío. Con El Hielo (2001), el rubio escritor de aspecto vikingo, tachado de pornógrafo, deconstruye a martillazos una narración que el lector deberá ir montando a modo de puzzle. Estamos ante una novela brutal que corta la respiración. En su interior: una aterradora historia de martillos helados fabricados con restos del extraño meteorito de Tungunska, teorías siniestras de renacimiento, búsquedas de corazones que hablan, un misterioso grupo de 'destripadores' y... mucha mala uva. Otra fábula macabra y corrosiva del literato ruso más importante de la actualidad en la que sumergirse y gozar. ¡No te calles nunca Sorokin!

POR UN PUÑADO DE RICOS DOCUMENTALES

2012-01-09T15:42:00.000-08:00

TWIST (1992). Canadá. Ron Mann. - Chubby Checker, DeeDee Sharp, Fas Domino, Buddy Holly, Little Richard, Mama Lu Parks, Frankie Avalon, Elvis Presley, Joe Fusco... Mueve tus caderas a golpe de hula hoop con esta banda sonora fifteen. Rarísimo material de archivo, hilarantes imágenes, entrevistas, bandas en directo, cultura basura y celebración del baile en tiempos en que mover la cintura era considerado poco menos que degenerado... Cuanto han sufrido los papás de clase media/alta blanca estadounidense al ver como sus hijos se empapaban y apropiaban de la cultura negra del rhythm&blues. Esta es la crónica de la evolución del rock and roll bailado. Una delicia. Dirige Ron Mann, un director de documentales afín a esta casa (recuerden "Comic Books", "Tales of the Rat Fink...). (Si lo desean pueden encontrarlo en la web Patiodebutacas.org).

THE WILD, WILD WORLD OF JAYNE MANSFIELD (1968)

Si no recordáis como estaban de buenas y macizas nuestras madres, tías y madrinas en tiempos del blanco y negro, visionad este dulce documento. Siéntense y deléitense con la atómica Jayne Mansfield, una Marilyn de serie B recauchutada y excitante que nos llevará de excursión por Europa en un tour imposible de olvidar. Nos paseará por clubs de alterne parisinos, verémos starlettes y espectáculos de striptease de relumbrón, practicará topless con un grupo de chicas sin pudor alguno, participará en un curioso concurso de belleza solo para transexuales y, por si fuera poco, nos deslumbrará con un descarado desnudo integral que funde el hielo. Lo más duro llega al final, cuando recordamos el trágico final de nuestra diva en un accidente en el que murió decapitada.

HATED. GG Allin & the Murder Junkies (1994). - Que quede claro: defecar en el escenario y comer tus própias heces, no es punk, es enfermizo. Pagar una entrada para ver como un junkie en pelotas se desmaya antes de subir a tocar, no es punk, es un espectáculo de mierda. Lo que sí es punk, es poder darle al tío (o a la estrella) una andanada de ostias por haberte fastidiado el bolo. Las cosas como son. Puede que todavía alguien se asuste con personajes así, pero lo que hacía GG ya lo practicaba el marqués de Sade mucho antes de que este punk de pacotilla naciera. La música (por llamarlo de alguna manera) poco tiene que ver en este caso. ¿Se merece el protagonista ser el eje central de un film? Discútanlo ustedes mismos. Mientras, pasarán un buen rato partiéndose el culo de risa con la fauna urbana de freaks, psicóticos y bizarros personajes del submundo neoyorquino que pululan por la cinta. Puto sueño americano.

KEROUAC, THE MOVIE (John Antonelli, 1985)

Que se puede decir del gran gurú de aquella generación de 'perdedores', los Beat, que no se haya dicho ya... Pues que cualquier información es poca. Este documental de Kerouac (a falta de un futurible biopic sobre su persona) funciona como complemento ideal para otro ya recomendado en esta casa, el premiado "the Source". Las historias y escritos subversivos de Ginsberg, Burroughs, Cassady y demás pandilla de ideólogos Beat son de visión y lectura obligada para todo rebelde tumbero que se precie. El actor Peter Coyote (Lunas de Hiel) ejerce como narrador de esta estupenda cinta. Esto es Historia, amigos.

THE SACRED TRIANGLE (Alec Lindsell, 2011)

El genio de David Bowie, el carisma de Iggy Pop, la brillantez de Lou Reed. Joder, ¿Quién se puede resistir? Existe un reciente libro sobre el trio, "Your pretty face in going to hell", pero este documento supera lo imaginable. Tres bastardos en su época más chunga y creativa (71-73), influenciándose musicalmente y metiéndose mano para mayor disfrute del rock and roll. Informativo y juicioso, con fotografías y canciones en directo de un paganismo irrepetible este documental ya figura entre los mejores del género. Estamos de suerte. No nos podemos quejar de la gran cantidad y, calidad, que están teniendo los documentales musicales del nuevo siglo. Que dure.

AUSTRALIA BRUTAL: STORM WARNING.

2012-01-05T17:31:00.000-08:00

Sobrevivir en el páramo.

Storm warning (Aviso de tormenta, 2007. Jamie Blanks) da la talla. Y lo hace dentro del slasher un subgénero saturado de manera escandalosa en los últimos tiempos. El film australiano destaca de entre tanta basura filmica porque se toma en serio el prestigio del género. No irrumpe con nada que no hayamos visto antes, pero digamos que aporta frescura. Aunque no goza de grandes interpretaciones (son decentes sin más), los movimientos de cámara, la fotografía, y la atmósfera que envuelve el film (y su historia) son dignos de elogio. Personalmente el entorno donde ruedan la película: el culo del mundo, Australia, es un lugar por el que siento fascinación, así que es un añadido más. En este caso son los salvajes páramos y pantanos de norte del país, en los que abundan inséctos como puños, donde se van a perder nuestra pareja de protagonistas. Se resguardarán de la tormenta en una granja que parece desabitada (ambientada hasta el más mínimo detalle), hecho que agradará tanto a la garrula familia de sádicos asesinos dueña de la mísma, como a los aficionados a este tipo de cintas. Estos últimos no se sentirán defraudados. No alcanzará nunca el nivel de su paisana Wolf Creek, pero es un título más que añadir a la jugosa representación que el cine de horror de las antípodas descarga de manera reciente (Dying Breed, Rogue, Acolytes...)

DE MUJER A ESCORIA: "REVENGE MOVIES". El sabor de la venganza

2012-01-02T15:02:00.000-08:00

'Mujer violada, picha cortada'...

Dado el reciente alumbramiento de nuevos títulos dentro del subgénero Rape & Revenge -películas a caballo entre el thriller y el cine de horror popularizadas durante los años setenta en EE.UU. (que aparecieron como consecuencia de muchos factores: paro, quiebra de los servicios sociales, aumento de pobreza y delincuencia...)- hemos decidido hacer balance y repasar las que, en ATumbaAbierta, creémos son las más logradas y originales de toda esta nueva hornada. Antaño fueron las 'populares' La Última casa a la izquierda (The Last house on the left, 1972), de Wes Craven, Act of Vengance (Bob Kelljan, 1974) o Lápiz de labios (Lipstick. Lamont Johnson, 1976) las que provocaron encendidos y controvertidos debates (además de naúseas, sobretodo en los espectadores más 'politicamente correctos') dado lo enfermo y depravado de algunas de sus secuencias. No obstante hay quienes ven en estas cintas mucho más que simple exploitation. Nosotros, por ejemplo, creémos que esta clase de cintas invitan a la reflexión. La estructura, en tres actos, de este tipo de cine es extremadamente sencilla: una mujer es violada, torturada y dada por muerta por sus agresores; la pava sobrevive y se recupera milagrosamente; la protagonista persigue y mata a todos los cabrones violadores. Ahora bien, en estos recientes títulos que a continuación resaltamos todo alcanza un nuevo matiz: son mucho más violentos, más sangrientos y hay mucha más rabia. No se los pierdan. I SPIT ON YOUR GRAVE (USA. 2010).- Estamos ante una cinta de altura. Valiente, dura y, sobretodo bien rodada (inolvidable el suave travelling final hacia el rostro de Jennifer, sentada entre una maraña de ramas secas, con la mirada perdida, esbozando una leve sonrisa...) Yo escupo en tu tumba (¡fabuloso título!) del director Steven R. Monroe (un tipo a seguir desde ahora) es un poderoso remake -con más o menos fidelidad al argumento original- de otro título clave del género: La violencia del sexo (I Spit on your grave. Mer Zarchi, 1978), cinta que en su día suscitó una enorme polémica. Polémica que, por otro lado y, como demuestra Monroe, todavía sigue muy viva...(al jaleo de su estreno en el Fantasía Festival de Montreal me remito). Vuelta a la liberación, a la culpa, a la justicia, al castigo, al crimen, al sadismo... a los aspectos más deshumanizados de la venganza... Regreso a las solitarias y remotas cabañas del Sur... y a las pandillas de rednecks (recuerden Deliverance). Escalofriante y brutal. Cine en estado puro. RED, WHITE & BLUE (2010).- De Simon Rumley. El director inglés ya había sido el responsable de una cinta tan malsana y perturbadora como "The living and the dead (2006)". Ahora vuelve a la carga con esta atípica revenge movie salvaje y visceral logrando inquietarnos como mandan los cánones del género... y más. Si te gustan las atmósferas desapacibles, el cine white trash de Rob Zombie (música e imagen), el tufo outsider e independiente y, las tramas que conectan con lo más bajo y miserable de la naturaleza humana golpeándonos fuerte en la entrepierna... amén del cine jodido (para bien) Red, White & Blue no te defraudará. Con un guión ejemplar sacudiendo un virulento despliegue de violencia (a veces explícita, otras deliciosamente turbadora) poco más se puede añadir. Mención especial para el actor londinense Noah Taylor el Travis de nuevo cuño de esta insólita maravilla filmica. De nueve sobre diez. Pocas veces he visto tanta fuerza (invisible) en una película ¿Estoy loco? Puede. Con historias así, como para no estarlo.

JERRY HARVEY. EL HOMBRE QUE CULTURIZÓ HOLLYWOOD

2011-12-30T16:53:00.000-08:00

Estamos ante otro de esos personajes peculiares y deslumbrantes, poco conocidos para el gran público, cuyos actos y decisiones todavía perduran en la memoria de quienes en algún momento de sus vidas tuvieron la suerte de cruzarse con él. Si disfrutaron con las desventuras (documentadas) de 'individuos varios de serie B', tales como John Holmes, Rodney Bingenheimer, Larry Levenson... y demás chusqueros del underground norteamericano (Robert Evans sería el rey) sin duda quedarán atrapados por la leyenda de un tipo como JERRY HARVEY (Los Angeles, 1949-1988), el que fuera director de programación del canal alternativo por cable ZChannel. Si los telespectadores norteamericanos visionaron por vez primera películas que de ninguna otra forma hubiesen podido ver en el salón de su casa ¡y sin cortes publicitarios! fue grácias a este hombre. Un loco genial. Jerry fue la tabla de salvación para mucha gente. Él les abrió la puerta de 'la entrada a la jungla'. Comenzó emitiendo en el radio de Los Angeles (¡en según qué barrios no se cogía la señal!) pero poco a poco iría educando al resto del país. Corría el año 1974, y la cosa fue todo un fenómeno. Todavía no existían los videoclubs, y mucha gente que no tenía televisor (por que odiaban la programación) comenzó a pedir instalaciones. Fue además un negocio redondo para muchos: dando trabajo a técnicos, electricistas, críticos de cine, periodistas, kioskeros... Desde aficionados, cinéfilos, directores (Robert Altman..), y futuros realizadores de cine (Tarantino o Jarmusch entre éllos), todos resaltarían la importancia e innovación que supuso el asunto. Grácias a los pases televisivos de films elegidos por el propio Jerry la gente joven descubriría el talento de directores olvidados como Peckinpah o Monte Hellman (de los cuales Jerry se hizo muy amigo, incluso colaboró con ellos en alguna de sus películas en la producción y en los guiones). Todos hablan de la inteligencia de este señor (graduado en UCLA) y de lo mucho que amaba el cine, todo tipo de cine, inclusive las malas películas. Tal vez una de sus intenciones fuera menterse en el negocio tan solo para llegar a conocer a sus ídolos, quien sabe. Sus compañías por aquella época iban desde outsiders como Warren Oates a estrellas como Jack Nicholson o James Woods. A principios de los 80 todo diós en L.A. conocía a Jerry Harvey. Por lo tanto, si éste, decidía programar durante un mes entero, películas, documentales, entrevistas o lo que fuera, sobre un director desconocido, como por ejemplo, Stuart Cooper ("Overlord"), pues todos tan contentos. Claro que había un hueco para todo un cine más allá de la maestría de Kurosawa, Kubrick, Nicholas Ray, Samuel Fuller, Melville, Clouzot ... Y Jerry lo sabía. En medio de ciclos televisivos dedicados a la obra clásica de los grandes directores de ayer y de hoy de los cinco continentes, el bueno de Jerry era capaz de ofrecer un menú de géneros y películas de cualquier condición y calidad. Desde cine ruso (Tarkovsky arrasó), nouvelle vague francesa, free cinema inglés, cine sudamericano (Jodorowsky, of course), cine mudo, cine experimental, underground, de terror, westerns, cine yakuza japonés... pasando por fantásticos films de ciencia ficción de serie B, blaxploitations y toda clase de gamberradas y películas de culto, aclamadas o no, el ZChannel culturizaba a las masas. Tal fue su tesón, que se dice que Jerry salvó de la quema una película vilipendiada como "Las Puertas del Cielo" pasándola repetidas veces por su programa después de que hubiera sido retirada de la cartelera de los cines; algo que Cimino sin duda agradecería el resto de su vida. Hasta el punk angelino le debe pleitesía al atreverse a emitir en TV cintas como "The Decline of western civilization" (Penélope Spheeris); aunque solo fuese un pase, antes de prohibir las autoridades una segunda o tercera prevista emisión. Así era Jerry. En lo que respeta a su vida personal Jerry tenía un lado oscuro que lo atormentaba (su querida hermana se había suicidado) y pocos podían imaginar el trágico destino que le esperaba (le pegó un tiro a su esposa y luego se lo pegó él). Quién sabe lo que pasó por su mente aquel sábado en su casa de Westwood, pero los que lo conocieron bien, sus amigos, saben que su leyenda no debió morir con él aquella fatídica noche. Otro suceso de sangre más en la crónica negra hollywoodiense. Para una información más nutrida descubran el magnífico documental sobre su persona titulado "ZCHANNEL. A Magnificent Obsession (2004)", rodado por Xan Cassavettes, un orgulloso hijo de su padre. No se arrepentirán.

ROCKPALAST: A quién madruga... el Rock le ayuda

2011-12-27T15:08:00.000-08:00

Los rockeros cerca de los cuarenta (tumberos 'pre-internet') que conocieron y disfrutaron los inicios del Canal + allá por finales de los 90, sabrán de que hablo. Imagínense el inmenso placer que suponía la ingesta del mejor rock'n'roll en directo un sábado noche hasta altas horas de la madrugada. Sí amigos, existía una cadena de T.V. alemana que programaba por satélite (por el canal WDR) la 'música del Diablo' a toda Europa y que además tenía un gusto exquisito a la hora de elegir a sus invitados (y todavía exíste, lo que pasa que los músicos ya no son los mismos). Recuerdo allá por el 98 babear frente al televisor, visionando por vez primera grupos como Hellacopters, Turbonegro, Monster Magnet, Gluecifer y demás bandas que irrumpían con fuerza brutal por aquel entonces. Rock a granel. Un servidor no había visto/conocido cosa igual, aquello era la gloria. Años más tarde (ya sin el plus, pero recién conectado a las ilimitadas ofertas de la red) se me ocurrió buscar la palabra 'ROCKPALAST' en la mula y... ¡voalá! Un universo de arqueológicos conciertos y músicos de relumbrón aparecieron en mi videoteca como por arte de mágia. Regreso en vídeo al pasado. Todo el que había sido alguien en el mundo del blues, punk, funk, reggae, psicodélia, metal y demás bifurcaciones del rock, habían aparecido por las tablas del 'Palacio del Rock' alemán (algunos en más de una ocasión). El programa arrancó un lejano 4/10/1974 con un bolo de la Electric Light Orchesta en un estudio que la cadena tenía en Hamburgo (aunque sería desde el WDR-Studio de Köln donde el Rockpalast retransmitiría casi todos sus vivos de ahí en adelante), y lo que vendría después, sería la lista de conciertos en vivo más impresionante vista en cualquier programa de televisión (editarían DVDs de los mísmos con una calidad de imagen y sonido impagables), ni ahora ni nunca. Ni que decir que las bandas estaban en su mejor momento: Lynyrd Skynyrd (1974), Johnny Winter, ZZTop (80), Rory Gallagher (77/79), The Kinks, Ten Years Afther, Cheap Treat (79), Steve Ray Vaughman, Ted Nugent (76), Ian Dury, Santana, Stiff Little Fingers (80), The Buzzcocks (81), Grateful Dead (81), Nils Lofgrem (76), Taj Majal (78), Nina Hagen (78), Dr. Feelgood (80), Tom Petty, Van Morrison, Thin Lizzy, Tom Waits, The Who, Goldem¡n Earring, Little Feat, Meat Loaf, Elvis Costello, Eric Burdon, Jack Bruce, The Jam, Patti Smith (79), Mink de Ville, The Undertones... ¡Menuda enciclopedia musical! ¡La Gran Ganga del Tumbero! No lo dúdes, seguro que entre tanto 'Festival Bizarro' encontrarás a tu banda favorita.... Si és que te gusta el rock.

ANDRÉ STANDER. El Dilinger sudafricano.

2011-12-25T15:12:00.000-08:00

André Stander (1946-1984) es capitán de policía en Johannesburgo durante los años 70. Pero no es un madero cualquiera: escucha a los Stooges, es inteligente, y aunque proviene de buena familia (su padre es un militar de prisiones retirado) ama la libertad, no cree en el sistema y encima siente simpatía por los negros. Con estas credenciales, y en Sudáfrica, estaba claro que tendría poco futuro en el departamento de policía. Comenzó a robar bancos, tal vez, por remordimiento (en una revuelta en el ghetto mató a un muchacho) o por placer (se divertía volviendo al lugar del robo a investigar como poli poco después de asaltarlo; incluso atracó el mismo banco dos veces el mismo día), hasta que lo pilláron sus própios compañeros con las manos en la masa. Había cometido 20 atracos. Si antes de su captura la opinión pública ya le consideraba un héroe, fue tras escaparse de prisión con un compinche que conoció dentro (¡luego volvería para liberar a otro colega!) y atracar otros 26 bancos en 6 meses, cuando el nombre de André Stander y su banda (la"banda de Stander", como le llamó la prensa) alcanzó la leyenda. Ya era el más famoso y audaz atracador de bancos de toda Sudáfrica (el resto del continente incluído). Carne de biopic. De estas y del resto de fechorías, andanzas y calamidades de su historia podrán ustedes dar buena cuenta en STANDER (2003). Un film de bajo presupuesto co-producido entre Canadá, Alemania y Sudáfrica, y dirigido por la directora canadiense Bronwen Hughes, que pese a su modesta apariencia cumple con creces su cometido de entretener y, de paso, divulgar. Está protagonizado por el actor estadounidense Tom Jane (el de la serie de la HBO "Hung"); pero no son las interpretaciones lo más reseñable de esta aceptable película (biopic televisivo, diría yo) sino la sorprendente historia de un hombre que nació en un lugar equivocado y en una época compleja.

EL RINCÓN DEL PINCHA: "BLOODBROTHERS" (The Dictators)

2011-12-22T16:43:00.000-08:00

Los Dictadores son y serán siempre el arma secreta de Nueva York. El gran timo del R&R es que a un grupazo como este nunca se les reconocerá su gran contribución como banda precursora y pieza clave del Punk-Rock neoyorquino. Con su tercer trabajo "Bloodbrothers (1978)", lo dejan claro. Un album que mereció haberse aupado a lo más alto de las listas, pero claro, desgraciadamente no fue así. Las masas nunca sabrán lo que se han perdido. Su audacia (y peculiar sentido del humor) a la hora de componer auténticos himnos y riffs descaradamente pegadizos e inmediatos en un género maltratado hasta el hastío queda patente en este disco. Andy Shernoff (cerebro y líder en la sombra, amén de uno de los mejores compositores norteamericanos vivo) y sus camaradas y hermanos de sangre grabaron en directo un disco que desprende adrenalina y frescura atemporal a raudales. Perfecto para entrar a cañón un sábado noche. Abren de manera gloriosa con el expeditivo "Faster and Louder", con cameo de Springsteen incluído. Le suceden macarradas clásicas del calibre de "Baby let's tiwst", "Stay with me", la nihilista "No Tomorrow",o la cachonda y absorbente "Minnesota Strip". Temazos revisitados una y mil veces por infinidad de bandas rockeras de los cinco continentes. Y para versión la que se marcan los Dictators con el "Slow death" de los Flamin' Groovies, tema que cierra de manera atroz el viaje sin retorno de este impedecedero pedazo de disco. El insigne vocalista Dick Manitoba aporta su toque chulesco para que el resultado sea aún más sangrante. Y qué decir de Ross the Boss... un desgarrado guitarrista que nos apabulla una y otra vez con sus grandiosos y genuinos riffs marca de la casa. Todos juntos (Scott Kempner y J.P. Patterson inclusive) conforman una base ritmica perfectamente engrasada. Una banda que todavía anda por ahí, haciendo lo que más les gusta, sin rendir cuentas a nadie, hasta el fin de sus días. Pero Bloodbrothers... Sencillamente es un trabajo irrepetible.

OBITUARIOS: Cine y Cómic

2011-12-19T18:28:00.000-08:00

Para unos el inglés Ken Russell (1927-2011) es un aburrido director que se masturbaba con la cámara saltándose la narración cinematográfica por los aires, con hambre de escándalo, decidido a convertir la experiencia en el cine en un efecto de cortocircuito, de electroshock; lo que se dice un buscador de escándalos, con un ego y unos gustos cuando menos enfermizos. Otros lo ven como un precursor, un protagonista que revolucionó el lenguaje visual del cine (y del rock), y mencionan films como Los Demonios (1971), El Mesías Salvaje (1972), Mujeres Enamoradas (1970) o Valentino (1977) para reafirmarlo. Pienso que ambos grupos llevan su parte de razón. Particularmente no me atrae en demasía su cine; tal vez destacaría "La Pasión de China Blue" (Crimes of Passion, 1984) de entre toda su extraña filmografía, pero respetámos que un director tan desequilibrado, voraz y, si se quiere, coyuntural como Russell guste a los cinéfilos. Sin embargo el motivo por el cual en AtumbaAbierta reseñamos su pérdida es debido a que su nombre quedará ligado a uno de los films más lisérgicos, y especiales de los últimos 30 años. Nos referimos a TOMMY (1975). Con The Who como maestros de ceremonias, compartiendo todo el delirante metrage al lado de un supersónico casting de 'rock'n'roll strars' como Tina Turner, Eric Clapton, Oliver Reed, Jack Nicholson, Elton John... Solo por deleitarnos con semejante experiencia catártica descanse en paz Mr. Russell. Se lo tiene merecido. JERRY ROBINSON (Nueva Jersey, 1922- New York- 2011). El ilustrador que dio vida al supervillano Joker. Como en este ciberfanzine cochambroso pensamos que los malvados son sencillamente más interesantes que los héroes de turno, la pérdida del creador del archienemigo de Batman es un golpe muy duro. Tras diversos litigios y polémicas finalmente los historiadores sentenciaron que Jerry Robinson, ayudante de Bob Kane, pasaría a la Historia como el padre de tan legendario personaje. En el caso de otra de sus creaciones, Robin, el adolescente que acompañaba al hombre murciélago en sus aventuras, el padrinazgo es indiscutible. Al Cesar lo que és del Cesar. Secundario sí, pero de lujo. Descanse en paz.

ROD SERLING: RELATOS DESDE OTRA DIMENSIÓN.

2011-12-17T16:59:00.000-08:00

(Posiblemente) La mejor serie de T.V. del pasado milenio.

Sumergirse de lleno en la placentera lectura de cualquier relato firmado por el guionista de "El Planeta de los Simios", uno de los títulos clave del cine de ciencia ficción, es siempre un motivo de placer. Un portal, un trasvase, a nuevas dimensiones. "¿Donde se ha metido todo el mundo?" es un mágico ejemplo de éllo. Pero hay más: "A Tiro de Piedra", "La Fiebre", "Cláusula de Rescisión", "Dingle el fuerte", "El Solitario", "Los Monstruos están en Maple Street", etc. etc. Un universo de relatos fantásticos donde hay lugar para el suspense, la pesadilla, el terror, la maravilla, el humor, el desasosiego e incluso el amor. Todo, y siempre, bajo un denominador común: la Fantasía. Rod Serling (1924-1975) pasará a la historia gracias a sus ingeniosos e inquietantes argumentos, que quedaron grabados a fuego en la memoria de generaciones de espectadores de todo el mundo a raíz de la emisión de la serie THE TWILIGHT ZONE (La Dimensión Desconocida) escrita y presentada por él mismo, y que cambiaría para siempre la historia de la televisión (el 2 de Oct. del 59 se estrenó en la cadena CBS el episodio piloto). No es de extrañar que fuese considerado como uno de los artífices de la llamada "Era Dorada" de la TV americana. El génio de Syracuse (New York), boxeador y paracaidista del ejército antes de dedicarse a la escritura, es hoy un personaje clave en el mundo de la Sci-Fi, un auténtico clásico. La influencia de este pionero, como se ha visto con el paso del tiempo, en la pequeña y gran pantalla, incluso en el cómic, ha sido y és incuestionable. Gente como Spielberg, Joe Dante, Stephen King..., amén de programas como Amazing Stories, Tales From The Crypt..., la relación es amplia y diversa. Posteriormente también crearía otra mítica serie de historias fantásticas, "Night Gallery" (Galería Nocturna). En otros campos fuera de la sci-fi contribuyó con guiones para telefilmes como "Patterns" o "Réquiem por un peso pesado", y películas como "Siete Días de Mayo"(John Frankenheimer, 1964) o el ya citado clásico dirigido por Franklin J. Schaffner. Un crack.

AQUELLAS MARAVILLOSAS SERIES: "ESPACIO 1999"

2011-12-14T17:31:00.000-08:00

La Luna sigue en su sitio.

Hablar de Espacio 1999 es referirse a uno de los fiascos económicos más desastrosos de la historia de la ciencia ficción y también a una de las series más kitchs, emblemáticas y entrañables de la década de los 70. La serie creada por el matrimonio Gerry y Silvia Anderson (conocidos por otra psicodélica saga: U.F.O.) se emitió de 1975 a 1978. Tuvo 48 episódios de sesenta minutos, repartidos en dos temporadas de modesta acogida. La historia de esta aventura interestelar es sencilla; en 1999, un accidente en la Luna arranca el satélite de su órbita y lo lanza al espacio con una colonia de trescientas personas, habitantes de la Base Lunar Alfa. En su vertiginoso vagar por la galaxia, el personal de la base deberá hacer frente a lo desconocido: extraterrestres, extrañas inteligencias, nuevos mundos y otras dimensiones. Un planteamiento cientificamente insostenible. Desde Asimov a los aficionados al género, todos protestaron indignados. En la segunda temporada la productora introdujo -con calzador- una justificación más realista al hecho de que la Luna saliese despedida a semejante velocidad, con la introducción de un campo distorsionador que permitía saltar a la Luna de un lugar a otro (!!); y todo para calmar a las masas. Pero ya era demasiado tarde para convencer a los sectores más críticos de la sci-fi. Parece ser que todas estas dificultades contribuyeron decisivamente a la ruptura sentimental de sus creadores, Gerry y Silvia (Además de llevarles a la bancarrota, tardando Gerry varios años en recuperarse economicamente para embarcarse en nuevos proyectos). Los norteamericanos, acostumbrados a series de acción tipo Star Trek, acogieron con frialdad la primera temporada de una serie de aventuras que precisamente carecía de eso, de aventuras. Los argumentos de esa primera tanda de episódios adolecían de una falta de ritmo y una pesadez extrema, incluso para la época. Parecían estar inspirados en lo más soporífero del cine europeo de autor. Con los años hemos de reconocer que la serie era en verdad espesa, pesimista y a veces demasiado críptica. Vista hoy día conserva ese sabor extraño de lo que pretencioso que no alcanza a hacerse comprensible ni brillante pese al esfuerzo. Le faltaba chicha. La audiencia estaba despistada con tanto oscurantismo new wave y arte 'trascendente': juegos de luces, planos inverosímiles... enturbiaban a menudo la escasa emoción de los aburridos guiones. Pese a las novedades introducidas en pos de reflotar la serie (los nuevos capítulos se volverían más aventureros, más intensos y, en suma, más entretenidos; el personajes de la atractiva Maya, una extraterrestre capaz de transformarse en cualquier ser vivo, se convertiría en uno de los iconos de la serie al sustituir al pesado del doctor Bergman,) el éxito de Espacio 1999 fue más bien escaso. Lo que no significa que entre cierto pequeño y entusiasta grupo de seguidores (entre los cuales se incluye un servidor) se convirtiera en una serie de culto. En España la serie llegó a ser incluso más famosa que Star Trek.

Águilas llamando a Base Lunar Alfa

De Espacio 1999 uno recuerda sus aires de hospital aséptico, sus computadoras llenas de luces que no servían para nada, aquellos trajes de centro médico y los peinados repollo de los tripulantes. Espacio 1999 resultaba también prolija en planetas de cartón piedra y maquetas que hoy día se nos antojan de escasa credibilidad (para que se hagan una idea, las naves espaciales de Los Aguilas de la Base Lunar parecen como los módulos espaciales de Lego o Playmobil) pero que en su día eran de lo mejorcito que uno podía visionar en una pantalla de televisión. La estética de los 70 era poderosa: aquellas largas patillas, flequillos bien poblados, peinados de clara inspiración glam; uno rememora todo aquello y descubre sin rubor que las series son hijas de su tiempo. Otra de las 'rarezas' de la serie la constituía el romance lunar, por llamarlo de alguna manera, entre la doctora Helena Russell y el capitán Koenig, interpretados por Martin Landau y Barbar Bain, matrimonio en la vida real (juntos habían participado anteriormente en la popular serie Misión imposible), lo que hace todavía más increible la poca química de la pareja en pantalla. Martin Landau es un gran actor, no cabe duda, pero sus tiempos de galán habían quedado atrás. Con todo, 1999 ya pasó y la Luna sigue inmaculadamente en su sitio. (a Eugenio Sánchez Arrate le debemos estas líneas)

PAPELES: JAMES WHALE. El padre de Frankenstein

2011-12-11T15:32:00.000-08:00

JAMES WHALE. El padre de Frankenstein.- Juan A. Pedrero Santos (Calamar Ediciones. 2011)

-Era necesaria una biografía exhaustiva (autorizada o no) que se aproximase a la sugerente obra y a la singular personalidad de James Whale. Y aquí la tenemos. Bien editado e ilustrado, el libro desgrana el ascenso y caída de gran realizador británico. Si bien su obra tocó diversos géneros como la aventura o el musical, será por su contribución al cine Fantástico (sin duda la parte más apasionada del volumen) por lo que será siempre recordado... y venerado. Clásicos impedecederos -y Universales- como El Hombre Invisible (1933), El Caserón de las Sombras (1932), El doctor Frankenstein (1931) o La Novia de Frankenstein (1935) son su mayor legado en la materia. Sentía debilidad por seres desvalidos, una querencia por hurgar las zonas oscuras del ser humano..., eso en lo que concierne al alma de su obra y de sus personajes. En cuanto a su estimulante periplo vital, incluida su homosexualidad, vivída lo más intensa y abiertamente posible de lo que permitía la época (para mayor información véan el film "Gods and Monsters", dirigida por Bill Condon), el libro da buena cuenta de ello. Como afirma Guillermo del Toro, autor del prólogo: "...En este libro encontraremos una meticulosa crónica y un inteligente análisis de la obra de un cineasta único (...) Bienvenidos a un mundo de Dioses y Monstruos (...)". Para que no lo olviden.

CULT MOVIES: Un par de exquisitos thrillers psicológicos

2011-12-07T15:59:00.000-08:00

LOVE OBJECT (2003). D.:Robert Parigi

Asombroso film de horror psicológico que no pasó desapercibida para la pequeña colonia de adeptos bizarros seguidores del cine fantástico más raro y perturbador. La cinta abarca varios géneros: desde el drama, el romance, el thriller o el suspense, pero al final no deja de ser una agudísima reflexión sobre las relaciones erótico-sentimentales de la pareja, y, más globalmente, acerca de la incomunicación humana. El buen trabajo tras la cámara de su semidesconocido director (curtido en series de TV como Historias de la Cripta o Sonámbulos), el estadounidense Robert Parini, resulta irreprochable (el guión también es suyo). Lo mejor es la profundidad psicológica con la que dota al personaje principal, Kennett, interpretado por un estupendo Desmond Harrington (The Hole, 2001), al que poco a poco le van aconteciendo situaciones extrañas, fenómenos inexplicables y comportamientos obsesivos filmados con temple y nada melodramáticos. La trama no es nada predecible, a diferencia de la gran mayoría de estrenos de similar catadura que inundan las carteleras cinematográficas y las máquinas expendedoras de DVDs. La relación amorosa del tímido amigo Kennett con la muy realista y perfecta muñeca inchable Nikki, y con su nueva compañera de trabajo, la más realista y preciosa Lisa, quedarán sin lugar a dudas en la retina de todo tumbero como una de las mejores historias de amor 'a tres bandas' de la Serie B. Saboréala a gusto.

AFTER LIFE (2009). D.: Agnieszka Wojtowicz-Vosloo

Otro film sorprendente y arriesgado que apuesta por dar otra vuelta de tuerca a las historias de 'vida después de la muerte' que tanto explotan los comerciantes del género en la actualidad. Para ello se ayuda de una atmósfera envolvente desde el primer minuto, que cautiva al espectador atrapándolo dentro de un guión enmarañado de falsas pistas e hipótesis engañosas. Cada uno que saque sus propias conclusiones. El resultado, para un servidor, es una delicioso thriller de terror que ya es un clásico en toda regla para todo cinemaníaco de pura cepa. El tránsito de estos fantasmas por la excelente historia creada por la escritora, cineasta y artista independiente (y muy atractiva, dicho sea de paso) Agnieszka Wojtowicz -de origen polaco pero nacionalizada estadounidense- es un elegante ejercicio de cine de suspense. Apoyado en unas magistrales interpretaciones de Christina Ricci, maravillosa como siempre (no en vano es una de las musas de esta casa), y un Liam Neeson milagrosamente recuperado como el buen actor que nunca debió de dejar de serlo. Ambos absorben la totalidad del metraje de esta admirable apuesta a contracorriente. Cine de altura. No se la pierdan.

NAZI MOVIES: PORTERO DE NOCHE

2011-12-04T17:08:00.000-08:00

Retomamos aquí nuestra colección tumbera de películas con temática nazi. Lo hacemos con un film de porno-nazi italiano. De esas que tanto nos escandalizan. Los rastreadores del cine más brutal y violento saturado de sexo que jamás se haya filmado, sin límite alguno, y que realmente hace dudar de la cordura de sus creadores, y peor aún, de nosotros mísmos; boquiabiertos espectadores, encontrarán en Portero de Noche, dirigida por Liliana Cavani en 1973, una de esas películas perversas -y engañosas- de la historia del cine. Aquella fiebre italiana por los campos de concentración del amor durante los años 70, tiene en la cinta de Cavani uno de sus títulos más relevantes (ninguno superado por la extrema "Salo, o los 120 días de Sodoma" de Pier Paolo Pasolini). Comprometida y pionera Portero de Noche agitó conciencias y provocó mucho morbo en su día (como no podía ser de otra manera dado el tema a tratar). Sobretodo por la deslumbrante interpretación de Charlotte Rampling; más allá del bien y del mal, en uno de sus papeles más recordados y aclamados por crítica y público. En la piel de una atormentada joven judía la explendorosa actriz británica borda su papel de Lucía, acompañada por un Dirk Bogarde no menos espectacular (y más ambiguo que nunca). Partiendo de una atmósfera opresiva la obra se convierte en un psicoanálisis de la tortura y el placer. Del sufrimiento y hedonismo. Del odio y el deseo. De víctimas y verdugos...

REVISANDO EL NUEVO FANTÁSTICO BRITÁNICO: "TRIANGLE" Y "CHERRY TREE LANE"

2011-11-30T00:45:00.000-08:00

En su día ya apreciamos la calidad de películas como The Children (Tom Shankland, 2008) o Eden Lake (James Watkins, 2008), reflejos del buen momento por el que está pasando el cine fantástico proveniente del Reino Unido. A continuación tenéis un par de ejemplos más de tal quehacer.

TRIANGLE (2009). Christopher Smith.

-Desde Creep (ídem, 2004), film en el que Franka Potente era perseguida por una criatura psicópata por el metro de Londres, el joven realizador inglés Christopher Smith ha dado sobradas muestras de su valía en esto del terror con films tan entretenidos como Severance (Desmembrados, 2006) o Black Death (2010), este último un notable y atípico cruce entre el clásico relato de aventuras medievales y el cine de horror. Triangle la rodó entre ambos títulos y, personalmente, pienso que es su mayor logro cinematográfico. En el cine de este director todo se envuelve dentro una falsa apariencia bajo la cual se oculta algo caótico y violento. Al igual que sucedía en Black Death, Triangle acaba siendo la crónica del proceso de descubrimiento de la oscuridad interior de un personaje aparentemente 'puro' al que las circunstancias convertirán en un auténtico 'diablo humano'. En este aspecto también guarda cierta similitud con la apabullante Vinyan (2008), en la cual, y también, un personaje femenino se niega a aceptar un hecho irreparable como es la pérdida de un hijo, detonante para que aparezca ese terror psicológico soterrado. En todo caso lo que más llama la atención en el film de Smith, además del excelente trabajo del director inglés, es la 'similitud argumental' con el film español Los Cronocrímenes (Nacho Vigalongo, 2007): Ya saben... búcles en el tiempo y demás paradojas. Lo que ocurre es que Smith logra un film mucho más completo (que no complejo) y para nuestro gusto mucho más perfecto que la ópera prima del director cántabro, sin desmerecer, sino todo lo contrario, esa pequeña rareza de la sci-fi española como fue Los Cronocrímenes. A buen seguro Smith tuvo presente el film de Vigalongo como punto de partida para esta película. El resto es un más que aceptable ejercicio de cine de terror con funestos crímenes, clones fantasmas, barcos misteriosos y triángulos sin bermudas.

CHERRY TREE LANE (2010). Paul Andrew Williams

-Paul Andrew Williams es otro de los jóvenes realizadores británicos a seguir. The Cottage (2008) era una excelente comedia negra de terror de aldea, y London to Brighton (2006) un thriller realista y durísimo. Los dos arto recomendables. Su última obra es un violento thriller de terror urbanita, tan polémico y primoroso, como en su día pudieron serlo títulos como La Naranja Mecánica, Funny Games (Michael Haneke, 1997) o en menor medida La Habitación del pánico (David Fincher, 2002). La temática está clara pues: la lacra real de los asaltos con violencia a lo más sagrado de la intimidad del hogar. Si os creíais a salvo y seguros tras el calor de vuestras moradas, bien apañados estáis. Y si no que se lo dígan a los personajes de Cherry Tree Lane, padre, madre e hijo, asaltados en su lujosa casa por una pandilla juvenil (e interracial) sin más motivo que el cobro de una deuda. Asistimos, grácias a un primoroso guión, y en apenas hora y cuarto de metraje (ejemplo de que para contar una buena historia no hace falta alargarse en demasía), a un alarde de realismo sin censura de ningún tipo, con una violencia 'moderadamente' explícita y ejemplarmente intuída (siempre que el director lo crea conveniente: el fuera de campo de la violación, por ejemplo). Por momentos llega a incomodar de tal manera que te hiela la sangre. No hay metáfora alguna en la película; salvo que no sea para recordarnos, una vez más, la estupidez humana. Lo que más 'miedo' da, es que sean unos adolescentes, y no unos ladrones, los que monten todo el percal. Para estos mimados y consentidos crios no es más que un juego. Creen estar en su derecho. Son los chicos de las nuevas generaciones. Hijos de vecino. Les dícen manzanas podrídas... Tal vez... ¿Pero por qué gusanos?

CINE CON MAYÚSCULAS: "DRIVE" (Otro film deslumbrante de Nicolas Winding Refn)

2011-11-26T14:47:00.000-08:00

Desde estas páginas defenderemos siempre esta clase de cine existencialista. Cine del desaliento. En este caso personajes solitarios al volante de una realidad sociopolítica negrísima. Driver (The Driver, Walter Hill, 1978), Vanishing Point (Richard C. Sarafian, 1971), Carretera Asfaltada En Dos Direcciones (Two-Lane Blacktop, Monte Hellman, 1071)... serían buenos ejemplos de ese 'existencialismo sobre ruedas' al que hacemos honores. Pero faltaba la película moderna sobre el tema. Un film que mirase de manera nostálgica aquel cine de los 70/80, pero desde la actualidad. Estamos de suerte. Con una honestidad digna de admiración el director danés Nicolas Winding Refn (favorito de esta casa) realiza una relectura contemporánea sobre estos films y, lo que es más importante, muy, pero que muy personal. No solo hay grandes persecuciones: rodadas sin grandes aspavientos pero cargadas de una acción ejemplarmente naturalista (atención al uso que hace del off visual), al igual que no solo hay un ejemplar uso de la violencia física, mucho más extrema y radical de lo que el metraje permitía prever (el momento del ascensor es casi gore), sino que en las bellísimas y serenas imágenes de DRIVE: un Los Angeles nocturno al que Refn rinde cariño, respeto y admiración, tanto en el empleo de la cámara, como a través de la fascinación que siente el personaje del Conductor (un sobrio Ryan Gosling, frío y calculador, con ecos lejanos del Alain Delon de El Siliencio de un Hombre de Melville) por tan gran ciudad, el danés nos narra una historia de redención, y no solo en un sentido bíblico, sino también, emocional. Cine cool. El director danés -firmante de obras tan referentes como Valhalla Rising o Pusher- se ha superado. Con Drive le llega la consagración definitiva, coronándolo desde estas páginas como uno de los grandes directores de cine del momento. Historias personales y complejas. Cine reflexivo. Redondeando todo este proceso creativo, tan admirable, con una fotografía acorde a la naturaleza del film y una banda sonora conscientemente retro-moderna. Una gozada. En un principio era Neil Marshall el encargado de sacar este proyecto adelante, pero se lo pasó al danés, y siempre le estarémos agradecidos por tal herencia. Para nuestro gusto tumbero el mejor thriller de los que hemos visto en el 2011. Desde ya un título de referencia obligada.

EL RINCÓN DEL PINCHADISCOS: DESCUBRIENDO A EDDIE HINTON

2011-11-23T12:48:00.000-08:00

Estamos ante otro de esos fabulosos compositores rock relegados al olvido más inmerecido. Al igual que Roky Erickson o Tonny Joe White (por nombrar tan solo dos de una lista interminable de músicos malditos) la figura de Eddie Hinton ha corrido una suerte de obstracismo musical. Increíble como la perra vida/industria permite que el éxito le llege a unos, y otros, de igual nivel, y en muchos casos superior, gozen de un incomprensible desinterés generalizado. Vale que algo de esto último tenga también que ver con la suerte (o con la mala suerte como en este caso), la ignorancia, el desconocimiento o la estupidez del oyente medio (podríamos añadir otras causas como las drogas pero se ha visto que éstas nunca fueron impedimento para que un rockero triunfe), si no no me explico como un guitarrista y cantante de la talla del de Alabama (Tuscaloosa, 1944-1995) pase sin pena ni gloria por la (ingrata)historia del rock. Siendo justos, y para nada exagerados, Eddie Hinton debería de estár a la misma altura de un Eric Clapton, JJ Cale, John Fogerty, Bob Seger, Nick Love, Willy Deville, Neil Young, Rod Stewart y cual famoso prefieran ustedes. Con una voz absolutamente magistral, comparable a la del mejor Otis Redding, estos alagos al bueno de Hinton están más que merecidos. Ahí están sus canciones para justificarlo. Escuchen su segundo trabajo "Letters from Mississippi (1987)" y díganme si no es una maravilla del mejor rhythm and blues, soulidificado de rock and roll, que hayan escuchado nunca. Ni un solo tema de relleno. Una joya de 25 kilates de principio a fin. Temazos como "Everybody needs love", "My searching is over", "It's All Right", "Ting-A-Ling-Ling", o el que da título al disco, tras una primera eschucha, no se olvidan facilmente. Sus letras nos hablan de carreteras polvorientas, de penurias y de redenciones, de luchas personales: vivencias de una vida lastrada por contínuos problemas con las drogas y la bebida, acentuados por cierta inestabilidad mental que precipitaron su carrera a la ruína. Acabaría sus días tirado en las aceras tocando por unos pocos centavos. Algunos amigos lograrían que volviera a componer y tocar en vivo (los imprescindibles trabajos "Cry & Moan", de 1991, y "Very Blue Highway", del 93, son de esa etapa) pero cuando estaba en pleno proceso de grabación de un nuevo album un infarto se lo llevó en casa de su madre a la temprana edad de 51 años. Atrás quedan sus primeros tiempos como músico de sesión acompañando a legendarios como Wilson Pickett, Aretha Franklin, Joe Tex, Solomon Burke, The Box Tops, Elvis Presley y tantos otros. Los enormes Drive-By Truckers dedicaron su tema "Sandwiches for the Road" al músico maldito, y corre por ahí un documental sobre su vida titulado "Dangerous Highway"(2008), el cual, al parecer, la madre no deja que se comercialice al no estar de acuerdo con la historia... o con los royalties, vaya usted a saber (los que lo han visto en su estreno en un festival de Italia hablan maravillas de la película). Desde A Tumba Abierta les invitamos a que descubran un autor crepuscular si es que de verdad sienten pasión por el rock and roll.

TE PRESENTO A JOHN MICHAEL McCARTHY, EL ULTIMO SEXPLOITER

2011-11-20T14:18:00.000-08:00

Si os gustan películas gamberras como las de David F. Friedman, John Waters o Russ Meyer, amáis el cine de muy bajo presupuesto, os vitamináis con el mejor sexploitation yanqui, el cómic underground, el punk rock garajero, la sci-fi cincuentona, y os importa una mierda hacer el ridículo y pasar por vulgares freaks ojeando nudies de sexo bravo, delincuencia juvenil y demás referencias psicotrónicas... deberíais echarle un vistazo al cine de este menda. Eso sí, lograr encontrar un film que lleve su firma va a ser algo tan difícil como dar con el Santo Grial por el morro: una taréa para arqueólogos pirados (en la mula no hay nada de nada). Adoptado de nacimiento McCarthy afirma haber nacido en Memphis, como su amado Elvis, pero lo cierto es que nació en Baldwyn, Mississippi. Su obsesión por El Rey raya lo paranóico (el lo llama "sincronía sexual") pero es su conocimiento sobre la (sub)cultura popular y la sociedad norteamericana en general, lo que nos lleva a interesarnos por la trayectoria de este director, sobretodo después de parir semejante disparate como fue Teenage Tupelo (1995). Una 'obra maestra' del cine cutre y casposo; escrita, producida, dirigida y promocionada (el tío gusta de hacer giras con sus films cual roquero del espacio exterior) por el propio John Michael, sin duda alguna uno de los alumnos más avispados del mítico Ed Wood. ¿Quién si no podría tener entre sus proyectos una historia como la que desea contar en Iggy/Ziggy, una cosa futurista basada en 2001:Una Odisea Espacial, en la que Iggy Pop es retratado como un hombre primitivo y el Ziggy Stardust de Bowie vuelve de Marte para visitarlo descubriendo un mundo de rock'n' roll? Semejante marcianada solo podía salir del chamuscado cerebro de un tipo tan divino como JMM. Su filmografía patatera (la mayor parte en formato Super-8) no sería de culto sin la presencia de una figura femenina y portentosa dispuesta a la desnudez: D'Lana Tunnell. En palabras del 'profesor' Rubén Lardín -a quien debo este reportage-: "una tipa carnosa, de expresión disgustada, aspecto de zampapollas y belleza glamourosa, a la que alguna vez he visto fotografiada por Richard Kern, y cuya mirada cándida y morbosa ya es indisociable del cine del director" (Los fans tumberos de los Oblivians la tienen inmortalizada posando para su Lp "Sympathy Sessions"). Como curiosidad el bueno de JMM hizo de extra en un pequeñísimo papel (como dibujante) en la película de Milos Forman El escándalo de Larry Flint, además de dibujar él mismo los storyboars y reinterpretar algunos de los chistes originales de la revista Hustler para que aparecieran más jugosos en pantalla (en la cinta también salían un par de starlets de su cantera, Dawn Ashcraft y Sophie Couch, como putas de compañía de Woody Harrelson). A continuación repasémos algunos de los trabajos menos destartelados de su filmografía, basura de la buena. TEENAGE TUPELO (1995. 83m) Rodada con un presupuesto de 12.ooo dólares (y tirando de Master Card), fotografiada en B/N y en color y localizada en los lugares de Memphis por los que paseó Elvis, esta estupenda nudie-cuti incluye desde un sorprendente homenaje a Los Cuatrocientos Golpes de Truffaut, inclusive la interpretación de la propia madre del director ("¿Quiéres ver a mi madre desnuda?" reza la promoción del film), hasta una impagable banda sonora ¡del mejor grupo de rock venezolano! de los 60, Los Impala. Y todo para rememorar aquellos salvajes films meyeranos como Faster Pussycat Kill, Kill! o el She Devils on Wheels de Gordon Lewis. Las pandilleras en esta ocasión son el trío atómico de las Mangaters, cultistas del teenage Topsy Turvy que vuelve al pueblo para el estreno de Trashus Traileris, un nudie-cuti (¡¡dentro de otro nudie-cuti!!) a todo color que ha protagonizado; pero al llegar descubre que el mundo de allí es en blanco y negro. D'Lana es una lugareña preñada de Johnny Two-Note, un cantante de rockabilly casposo. En conjunto tenemos una tragicomedia de sexploitation semi autobiográfica y musical... Ahí es nada. THE SORE LOSERS (1997; 98m.) Los perdedores del dolor (así se doblaba en la versión al español, que la hay) es su siguiente película tras Teenage Tupelo (vídeos para los Oblivians o Guitar Wolf fueron otros de sus trabajos, aparte de crear y dibujar el personaje de cómic Cadavera). Interpretado por Jack Oblivian, como no, músico componente de los seminales Oblivians, en el papel de un delincuente juvenil que llega del espacio exterior. El argumento no podía ser de lo más delirante. Hay más sexo, más coches, más violencia, más efectos especiales y mucho más ritmo que en todo lo que había rodado hasta la fecha (75.000 dólares tienen la culpa). La música es uno de sus atractivos, un ingrediente clave. La banda sonora está editada por el majestuoso sello californiano Sympathy for the Record Industry e incluye joyas de '68 Comeback, Guitar Wolf (el trio de componentes de la banda de garage-trash japonesa interpretan a los hombres de negro en el film) Jeff Evans y, por supuesto, sus/nuestros querídos Oblivans. Papelito además para e veterano David Friedman, el primero en 25 años. Memorable la escena en la que Blackie (al llegar a la Tierra es lo primero que hace) entra en una tienda a comprar un ejemplar de Weird Science, y cuando el vendedor le comunica que el gobierno retiró todos los números hace tiempo, éste no puede evitar asfixiarle con un ejemplar de Odio, la obra maestra de Peter Bagge. Así de chiflado es el singular universo de este cineasta americano sin parangón. Siempre perdiendo. Pero sin desfallecer. Posteriormente rodaría la apocalíptica SUPERSTARLET A.D. (2000), un cruce entre Regreso al planeta de los simios y Beyond the "Valium" of the Dolls. Su última 'chatarrada' es un film que todavía no he tenído la gloria de visionar: CIGARETTE GIRLS (2009), en lo que pretende ser la superpelícula por excelencia del pieza de Memphis. Tanto Ovni, tanta chica mala, tanto rock'n'roll, tanto troglodita y tanta carallada espero que os haya abierto el apetito (sexo-lúdico-canábico fermentado con birra), igual que a un servidor cuando escuchó por vez primera el nombre y desventuras de John Michael McCarthy. Todo un personaje.

In Memoriam... LLORANDO A JOE FRAZIER Y CHARLES NAPIER

2011-11-17T15:59:00.000-08:00

Demasiado feo, demasiado fuerte, demasiado formal. El único Somokin Joe ha colgado los guantes para siempre. Adiós al perdón para Alí, a uno de los odios más furibundos de la historia del deporte: a hombres que tenían algo que cantarnos. Respeto y admiración eterna hacia aquellos mitológicos 'combates del siglo'. Campeones de barrios pobres. Campeones del barro. Mofándose a golpes de la vida. Adios a los pesos pesados que comían corazones. Adiós a Manila, al viejo Garden neoyorquino. Adiós a Vietnam. Adiós a los remordimientos. Adiós al carisma, al vejado glamour. Recuerdos del capo Frank Costello, de Sinatra. No más apretones de manos entre perdedores bajo brumas de humo blanco. Las puertas de la muerte finalmente se abrieron para Joe Frazier. Nos espera en el lado oscuro de la Luna: Donde solo los dioses descansan en paz. El pasado 5 de octubre a los 75 años fallecía el actor norteamericano CHARLES NAPIER. Los más cinemaníacos lo recordarán saltando a la fama (es un decir) tras sus colaboraciones con el tristemente añorado Russ Meyer en Supervixens y Cherry, Harry & Rachel!; potentes artefactos calentorros que perdurarán en nuestra memoria tumbera por siempre jamás. Aquellos papeles secundarios ''especializándose'' en personajes de militar y de tipo duro en los que sacaba a relucir su inimitable sonrisa enrabietada son ya patrimonio del mejor, y más divertido, cine americano. Hasta la vista hermano.

DIRIGE E. ELIAS MERHIGE. Cineasta a tumba abierta

2011-11-15T16:58:00.000-08:00

LA SOMBRA DEL VAMPIRO (The Shadow of Vampire, 2000). El extraño y atrayente realizador neoyorquino E. Elias Merhige -autor curtido en el cine experimental (Cfr. Begotten, 1990)- apuesta por un producto a contracorriente, agradable de ver, por eso nos gusta en esta casa. Su camara actúa como una cazadora de almas/vidas de las personas, digámos que vampiriza a sus personajes, un efecto vampírico que le viene como anillo al dedo a la hora de manufacturar este insólito film sobre la vida y obra del actor alemán Maximilian Schreck, protagonista del famoso film mudo de F.W. Murnau, Nosferatu (1922), personaje al que la leyenda sitúa como un auténtico chupasangres. Bajo esta apasionante premisa, y de la mano de dos grandes actores que contribuyen a la solidez del producto como son John Malkovich (Murnau), y sobre todo, Williem Dafoe (Scherck), Merhige se vale de ideas ajenas y ya planteadas en anteriores ocasiones (es imposible no acordarse de Michael Powel y su Fotógrafo del Pánico, o del Arrebato de Iván Zulueta) para facturar una película llena de buenos momentos cinematográficos, bellas imágenes (la escena en la que el vampiro vuelve a ver la luz del sol en los fotogramas del film que ruedan, es un ejemplo de ello), y una elegante gracia soterrada, producto de 'jugar' con excéntricos personajes reales: como cuando Schreck se niega a relacionarse con el resto del equipo de reparto alegando que es un fanático del método Stanislauski (sic.), por citar alguno de esos impagables momentos. Una película que nunca termina de ser un film de terror (ni lo pretende) puesto que Merhige se pasa por el forro muchas de las convenciones del género para deleitarnos con lo que muchos creémos una pequeña obra maestra, un título de culto entre los amantes del cine dentro del cine. Añadir que un inesperado Nicolas Cage figura como coproducor de la mísma, asesorado eso sí, por el experto español Luciano Berriatúa. SOSPECHOSO CERO (Suspect Zero, 2004). El poco prolífico director neoyorquino firma de nuevo un curioso film. Esta vez se trata de un thriller parasicológico estimable, pero al igual que sucediera con La Sombra del Vampiro no consigue el más mínimo reconocimiento ni del publico ni de la crítica. Suspect Zero no es un film redondo: lagunas de guión, situaciones en las que los personajes aparecen de la nada..., y ni mucho menos alcanza el nivel de su anterior film (su próximo trabajo sería un corto de animación titulado Din of Celestial Birds, dejando claro que lo suyo es experimentar), pero entretiene, que es lo que importa en este caso, y para nada se merece la mala fortuna de la que disfrutó. Cuenta además con un actor de la envergadura de Ben Kingsley (Sexy Beast, 2000) y un Aaron Eckhart más que aceptable, completando el reparto la siempre adorable actriz canadiense Carrie-Anne Moss (Memento, 2000), una mujer por la que sentimos verdadera atracción en esta casa. Merhige vuelve a tomar prestado premisas y argucias argumentales de otros films del mismo género (salta a la vista que títulos como Seven o El Silencio de los corderos están presentes en mente de todos, por otro lado, como lo están influenciadas el 99% de peliculas hechas a posteriori sobre temática psycho-killer) para fundirlos con su peculiar estilo de 'maníaco de la camara' (esos planos imposibles del revés...) y firmar otro título maldito, raro e incomprendido. Los que gusten de asesinos en serie, del psicoanálisis freudiano, de conspiraciones gubernamentales, armas parasicológicas y viajes astrales de serie B sin lugar a dudas Sospechoso Cero colmará sus expectativas.

LOS NIKIS: 'LOS RAMONES DE ALGETE'

2011-11-12T17:39:00.000-08:00

Airbag, Los Vegetales, Shock Treatment, Los Zodiacs... son de esos otros buenos grupos españoles que representan la quintaesencia del teen punk made in spain. Un género (ninguneado por muchos) que parece tan fácil y a la vez tan dificil de hacer bien. Bandas con semejantes planteamientos: temas cortos, rápidos y de mensajes sencillos, son legión en el mundo entero. Pero si hay un grupo al que se le puede considerar como los Ramones 'de algún sitio', con todas las de la ley, estos serían sin duda Los Nikis. No en vano cuando se habla estos reyes del punk-pop patrio se les suele denominar como "Los Ramones de Algete". Y no defraudan, créanme. A entusiasmo, derroche, talento, ingenio y sentido del humor no les gana mucha gente. En perfecto castellano sin tener que recurrir a giros extranjerizantes ni entonadas tan caracteristicas de la gran mayoría de grupitos pop-rock hispanos, los Nikis brillaban gracias a la pasmosa calidad de sus letras. En una época de la que muchos ahora reniegan, los madrileños Nikis crearon leyenda (insufribles impersonators surgidos tras su aparición tratarían de imitarlos). Canciones como "Silvia Sobrini", "Salvaje Pasión", "10 Años en Sing-Sing", "Sangre en el Museo de Cera", "La Naranja no es Mecánica", "Venganza", "El Imperio Contraataca" y tantas otras tonadillas son clásicos de su excelente repertorio. Para los santones del fundamentalismo rock, aquellos que todavía piensan que los Nikis fueron un grupo-de-cachondeo, quiero emplazarles a discutir tal equívoco con cualquier afortunado que tuviese la suerte de verlos en vivo. Orgullo de ser un Niki. Los Ernestos y Silvias te dirán que se pasaban todo el rato saltando y coreando las canciones a gritos. Los fans peregrinaban llenando autocares y trenes especiales hacia Caminos o Rockola... Madrid is burning!!. Imprescindibles, esa es la palabra. Sus primeras grabaciones son ahora inencontrables, pasto de oportunistas tenderos desaprensivos. Pero ya que en analógico está dificil la cosa, esta recopilación en CD, LOS NIKIS: Mi Chica Se Ha Ido a Benidorm, puede ser un buen comienzo para que el público que desconozca las bonanzas de estos cuatro pelandruscas caiga rendido de inmediato a sus pies. En todo caso siempre es buen momento para reivindicar a grupos como los Nikis. Y un privilegio. ¡¡ Que siga la fiesta!!

PAPEL: "Morir a los 27" (Joseph Gelinek)

2011-11-09T16:59:00.000-08:00

Joseph Gelinek es un seudónimo. Desconozco el nombre real del escritor español que presenta así sus novelas, pero poco importa. El caso que La Décima Sinfonía, El Violín del Diablo, y esta tercera entrega de la saga, protagonizadas todas por el curioso detective Raúl Perdomo, se devoran solas. La más tumbera, por adentrarse su trama en un mundo que conocémos: el del rock, es esta última "Morir a los 27" (Plaza Janés). Llena de información real extraída de la historia del rock, con referencias a un sin fin de personajes: mánagers, músicos, promotores, artistas...(hasta se incluye el mismísimo Mark David Chapman, asesino de John Lennon), esta copiosa novela saciará los paladares más mitómanos. Su objetivo: divertir y entretener. Y tras leer sus 500 amenas páginas, vaya si lo consigue. En un acto que se agradece Gelinek acabará recomendándonos un buen puñado de canciones adecuadas para, hacer aún más disfrutable, la lectura de esta novela. Ni decir que dista mucho de ser una obra maestra, pero ni falta que hace.

-LOS HÉROES OLVIDADOS Y BIZARROS DEL LA I.P.C. BRITÁNICA

2011-11-05T10:32:00.000-07:00

HISTORIAS GRÁFICAS PARA ADULTOS... ... Aunque personalmente fue de crío cuando me lancé de bruces en el fantástico mundo de dicha lectura. Tragábamos de todo. Bendita inocencia, bendita ignorancia. Por supuesto estaba el universo Marvel: en dósis semanales que nos proporcionaba la barcelonesa Ediciones Vértice, pero sería un error relegar al olvido materiales radioactivos que llegaron poco antes que los tebéos de Stan Lee y Cía. a nuestros kioscos. Viñetas de procedencia británica, en blanco y negro, que convivieron con los superhéroes norteamericanos del momento. El que suscribe los conseguía en lotes de tres, rebajados de precio, 'encubiertos' entre otros cómics más 'famosos'. Tras un primer vistazo y una lógica adaptación al personaje de turno, las increibles aventuras de tan bizarros héroes: violentos y extraños, que aseguraban carcajadas y diversión por un tubo por muy estrafalarios que pudieran parecer, quedarían grabadas a fuego en las neurónas atrofiadas de un mocoso como yo. Dibujados de manera tenebrosa por el gran Jesús Blasco, hijo putativo del pulp (y si no pregúntenle al mítico Alan Moore por tal grandeza), todavía está por inventar la droga que supere el 'colocón' de semejantes filigranas gráficas: Hablamos de una garra eléctrica que dotaba de invisibilidad a su propietario; un robot gigante con aspecto de gorila sembrando la destrucción; un amuleto inca que dota de indestructibilidad a su dueño; un narcisista de orejas puntiagudas que pretende ser el amo mundial del crimen; ventrículos en lucha contra el mal; robots orgullosos de su condición de alma de metal contra dinosaurios... Como olvidar los triposos e imposibles diálogos entre pulpos gigantes y cangrejos de ultramar, piernas que atacan el mundo de los umbranos y demás delirantes y descaradas caricaturas que basculan de lo rutinario a lo extravagante y exótico. Raros, bizarros, extrafalarios... Tebéos de evasión pop, honestos, que tienen en cuenta lo inesperado. Esa el la esencia de la IPC británica. Valgan estas líneas para rendir merecido tributo a Zarpa de Acero (quizás el más recordado por el lector español), The Spider, Mytek el Poderoso, Kelly ''Ojo Mágico'', Los Hermanos Wild, Max Audaz, Dollman, el Robot Archie, y demás olvidados superhéroes olvidados.

ED HALLIGAN, UN HÉROE ANDA SUELTO.

2011-11-02T00:07:00.000-07:00

Ed Halligan (Steve Tom) is the man!! O estoy loco o este tipo es lo más refrescante y descacharrante del humor televisivo de la última década. Lo mejor de Funny or Die (HBO), disparatado programa de humor con sketches estilo Monty Python a la americana, pero sin la bendita gracia de aquellos, son sin lugar a dudas las apariciones surrealistas/pesimistas del pirado y veterano actor rodeado de guapas secretarias y desproticando sobre lo jodido de su profesión y lo duro de su existencia. Un puñetero crack. Sus pasotas presentaciones al principio y al final de cada episódio, en lo que dura la primera temporada, van de menos a más. A medida que nuestro showman se va calentando, a la vez que soltándose (:su nerviosismo/pasotismo es un acierto que bien puede ser premeditado), nos regalará soberbios momentos de 'humor inteligente', que a pesar de su corta brevedad, resultarán inolvidables (:De coqueteos y miraditas cómplices pasará a seducir a las jovencitas azafatas que aparecen en segundo plano...). Su look a lo Leslie Nielsen con aires de Superagente 86, y el decorado sci-fi-pop: sixtie y cool a más no poder, darán lustre y realzarán todavía más la figura de un personaje que ya forma parte del imaginario colectivo de este ciberfanzine carrasposo y gamberro.

"PUSHER". LA TRILOGÍA QUE LLEGÓ DEL FRÍO

2011-10-28T15:57:00.000-07:00

PUSHER (1996), PUSHER II: WHIT BLOOD ON MY HANDS (2004) y PUSHER III: I'M THE ANGEL OF DEATH (2005), todas escritas y dirigidas por Nicolas Winding Refn, conforman la trilogía danesa de acción por excelencia. Hoy están consideradas, sobre todo la primera, como lo mejor del cine independiente europeo de los ultimos años. Con este trabajo consigue un título de culto en todo el globo. La nerviosa, y narcotizada, cámara de Refn persigue casi en exclusiva al personaje de Frank, un drug dealer de los suburbios de Copenhague, a través de su rutina diaria de ventas y chanchullos. Dura, implacable, violenta, tensa y dramática obra la que nos sirve en frío el director danés. Sin concesiones. El compinche de Frank en la primera, Tonny, pasa a convertirse en el personaje central de la segunda parte. De nuevo un film duro y sorprendente, cerrando el círculo con el personaje de Milo, el barón de la droga serbia, en la última entrega de esta tan genial, como polémica, trilogía de culto. Gangsters viciosos, padres mafiosos, hijos drogadictos, toxicómanos anónimos, madres prostitutas, deudas, ajuste de cuentas, rehabilitaciones, inmigración, desesperación, paro, traición, lealtad... Un áspero retrato de la Dinamarca que no conocemos. El visionado de la serie deja una imborrable huella en el espectador, Una mancha de sangre pegada al cemento.

ADIÓS A BARRY FEINSTEIN, EL FOTÓGRAFO DE LA EDAD DORADA DEL ROCK

2011-10-25T16:15:00.000-07:00

Murió en la ciudad de Nueva York a los 80 años. Según la biografía recogida en su propia web, este señor ilustró más de 500 portadas de discos. Entre las más destacadas podemos encontrar las de Bob Dylan The Times They Are a-Changin', el precioso retrato que le hizo a Janis Joplin para ilustrar su álbum Pearl (1971), justo un día antes de la muerte de la cantante, o aquella que le hizo a George Harrison rodeado de gnomos para su disco en solitario All Things Must Pass (1970) tras la llorada separación de los Beatles. Famosos y estrellas del rock de la década de los sesenta posaron para su cámara Nikon inmortalizándolos para toda la eternidad. Así ocurrió con Mr. Zimmerman. Eran otros tiempos y los músicos eran mucho más adcesibles con los fotógrafos con los que simpatizaban. BARRY FEINSTEIN (1930-2011) se convertiría en el fotógrafo particular de Bob Dylan en 1966, acompañándolo en aquella crucial y tumultuosa gira europea que marcaría un antes y un después en la música del génio de Minnesota. El resto es historia. Había que estar allí "en el lugar preciso en el momento correcto", y Feeinstein bien que estuvo. Antes de interesarse por la generación pop y convertirse en historiador del rock, había sido un bohémio en busca de aventura. Orientó su lente hacia el Hollywood más rebelde, y estrellas del celuloide como Marlon Brando (a quien plasmó en una marcha por los derechos civiles), Judy Garland, Barbara Streisand, Marlene Dietrich (desconsolada en el entierro de Gary Cooper) o el gran Steve McQueen (en su vólido de carreras) quedarían retratadas en encuadres e instantáneas llenos de alma y estilo. Se distanciaría del rock ("¿qué haces después de haber acompañado a Dylan durante aquellos años?") y un brutal accidente -fue atropellado por un conductor ébrio- le retiraría en 1993. Entre los muchos seguidores del fotógrafo se encuentra el mismísimo Martin Scorsese, que incluiría instantáneas suyas para el dylaniano documental No Direction Home y el más reciente Living in the Material World sobre la vida de George Harrison. Dejó exposiciones, libros y un archivo fotográfico crepuscular. Descanse en paz.

EXHAUSTED: JOHN HOLMES, THE REAL STORY

2011-10-22T17:34:00.000-07:00

EXHAUSTED: JOHN C. HOLMES, THE REAL STORY (Julia St. Vincent, 1981). El auténtico mito del cine triple X. 35 centímetros de carne bruta cabalgando más de 14.000 mujeres en no menos de 2200 ignotas pelis guarras. En los buenos tiempos ganaba 3.000 dólares por día de trabajo. Tanta pasta, tanta fiesta, tanta droga dura, tantas corridas y tantos asustos súcios (se dice que participó en un cuádruple asesinato con drogas de por medio por el que pasó en prisión una temporada; además de agonizar y arrastrarse currando en pornos gays...) durante las dos décadas que duró su explendor como actor (en los 70 fue el puto amo), y que vivió azarosamente como un hippie en toda regla, le llevarían a contraer el sida. Una enfermedad que irremisiblemente un 13 de marzo de 1988 le llevó a la tumba (oficialmente un cáncer de cólon). Si John Holmes no hubiese existido habría que inventarlo. Como acertadamente apunta el gran Jordi Costa en su libro Mondo Bulldog, "Probablemente, el único freak secretamente envidiado por media humanidad (y deseado por la otra media)". Así era el impresionante Holmes. Semental de artillería pesada. En cuanto a títulos imortalizó al pelambreras de Johnny Wadd en una docena de pornos importantes, aguantando las embestidas de toda clase de hembras del espacio exterior: Ginger Lynn (Those young girls), Marilyn Chambers (Furor Insaciable), Seka y Lisa Deleeuw (Swedish Erotica 13)... Películas descacharrantes y llenas de desparpajo, aunque su última etapa como leyenda hardcore fue bastante patética, todo hay que decirlo. El fantástico documental que tenemos entre manos -sobre una leyenda y un fenómeno cultural tan rico y complejo- es un bien cultural de su tiempo. Exhausted... es una cinta de visión obligada (como lo son otros documentales que ya repasamos en estas páginas sobre el mismo tema: Inside Deep Throat, Porn Star,American Swing...). Otro que al igual que nosotros quedaría fascinado con este trabajo sería el gran Paul Thomas Anderson. El director de Pozos de Ambición (There will be blood, 2007) rodó su primer corto amateur, The Dirk Diggler Story (88), tomando como referencia este delicioso trabajo de la directora norteamericana Julia St. Vinncent. Posteriormente retomaría el tema en esa obra maestra del séptimo arte que fue Boogie Nights. Un film dulce, tierno y jodidamente sincero. El universo coralino pornográfico de toda aquella irrepetible generación X quedaría bien homenajeado con ese film. Y sabído es que el personaje que interpreta de manera impecable Mark Wahlber estaba inspirado cariñosamente en el 'monstruoso' John Holmes. Así pues, el visionado de Boogie Nights es un complemento perfecto para acompañar este suculento documental sobre el legendario y superdotado actor. Los buenos aficionados al cine X jamás le olvidaremos.

EL RINCON DEL PINCHADISCOS: JAMES GANG

2011-10-19T16:22:00.000-07:00

Sus tres primeros discos, hasta la huída de lider y guitarrista Joe Walsh, son lo más notable de esta superbanda de Cleveland, Ohio. Tendrían posteriores buenos guitarristas como Tommy Bolin (más tarde miembro de los Purple) o Glenn Schwartz, y por supuesto grabarían algún disco más que digno ("Bang" de 1973, con Bolin en la banda por ejemplo) pero para nuestro gusto un tipo tan carismático como Walsh resultaría insustituible (posteriormente formaría The Eagles, pero ya es otra historia). Menuda voz y menuda actitud tenía el bueno de Walsh para el rock and roll, amén de tocar la guitarra como los dioses. Con Dale Peters al bajo y Joe Fox a la batería formaban un trio poderoso. "Yer' Album (69)", "James Gang Rides Again (70)" y "Thirds (71)" son verdaderos petardazos de southern rock setentero enlatados en vinilos de 180 gramos. Temazos como Walk Away (menudo estribillo!! se me pone la piel de gallina) o Funk #49 lograron cierto éxito comercial en su día, pero James Gang nunca serían el típico grupo para las masas. Los que gusten de Lynyrd Sdynyrd, The Guess Who y sonídos similares apreciarán sin duda la música de estos tres melenudos vaqueros. Una banda a descubrir... Para quien no lo haya hecho ya.

PECKINPAH DOCUMENTADO

2011-10-17T14:06:00.000-07:00

James Coburn, Warren Oates, David Warner, Strother Martin, Jason Robards, Kris Kristofferson, Ernest Borgine, Edmond O'Brien, R. G. Armstrong... todos tienen en común, además de ser grandísimos actores, ser fieles y puteados amigos del rebelde por antonomasia del hollywood americano: el único e inigualable director de cine SAM PECKINPAH. A muerte con todo lo que lleve la cicatriz peckinpah. Cine y vida en estado puro. De ahí que enterarnos de la existencia de un documental como PASSION AND POETRY. THE BALLAD OF SAM PECKINPAH (2005), dirigido por el hijo de Don Siegel, Mike Siegel (una familia a la que Sam estubo siempre muy unido, no en parte con Don se inició y aprendió el oficio), nos llene de satisfacción. Ya habíamos visto el fenomenal documental incluído en los extras del DVD de la sobrecogedora Grupo Salvaje, pero este otro monumental viene a aportar nuevos datos, anécdotas y locuras sobre la vida y obras de nuestro director favorito. Se me pone la carne de gallina. Escuchar por boca de un enardecido R. G. Armstrong (el alguacil que tiene preso a Billy en Pat Garrett & Billy the Kid, para que se sitúen), o de un todavía enorme y resplandeciente Ernest Borgine las correrías y desventuras al lado del director de La Balada de Cable Hodge, no tiene precio. Indispensable su visionado (como indispensable es volver a repasar toda su obra cada poco tiempo). Dos horas de cinta que hará las delícias de todo tumbero que se precie. Un repaso crepuscular al universo personal y artístico de un HOMBRE de los que ya quedan muy poquitos.

DAVID BOWIE EN EL CINE

2011-10-13T08:24:00.000-07:00

Tras Gene Simmons e Iggy Pop le llega el turno a otro rockero de relumbrón que hizo sus pinitos en el cine. Puestos a repasar a los más carismáticos músicos que han dado el salto de los vinilos al celulóide no podía faltar el camaleónico David Bowie. En su faceta de actor el londinense es uno de los pocos que han recibido algunos alagos de la crítica, amén de ser uno de los músicos más solicitados para rodar. En su filmografía destacan algunos de los films más raros que se han hecho en los 70 y 80, que a continuación repasaremos. En cuanto a la importancia de su nombre en la historia del rock nadie pone en duda que el señor Ziggy Stardust ejerció de lanzadera espacial para la música del Siglo XXI. Su influencia en el glam, punk, mod, pop, disco... no hay más que oirla. No vamos a descubrir ahora al Bowie músico, no es nuestra intención. En cuanto a sus interpretaciones para la gran pantalla aquí va la lista de títulos que merece la pena reseñar: -EL HOMBRE QUE CAYÓ A LA TIERRA (The Man Who Fell To Earth, 1976). Nicolas Roeg (Amenaza en la sombra, Walkabout) demostró con su nerviosa forma de hacer cine que no solo era un director adelantado a su tiempo, sino también a su público. Esta película está narrada de forma entrecortada, con saltos temporales y de guión que no se explican, visualmente estimulante, todavía hoy sigue siendo incomprendida. David Lynch (Mulholland Drive, 2001) y Christopher Nolan (Memento, 2000) tomarían buena nota de esta película. Al principio pensaron en Peter O'Toole para el papel del alienígena Thomas Jerome Newton pero finalmente eligirían a Bowie, una figura pop de talla mundial, como el actor principal que encarnaría al andrógino extraterrestre que llega a nuestro planeta en busca de agua para su mundo moribundo. Instalado en la gran ciudad se hace inmensamente rico al introducir nuevas tecnologías que desconocíamos. Pero su misión fracasa. El vulnerable alienígena cae víctima de vicios mundanos (se 'engancha' al alcohol) y es perseguido por los humanos para sacarle sus conocimentos. Un ultracomplejo cuento de ciencia ficción con mensaje (adaptado de la novela homónima de Walter Tevis) del que Bowie sale bien parado pese a su inexperiencia como actor. -FELIZ NAVIDAD, MR. LAWRENCE (Merry Christmas, Mr. Lawrence, 1983). Tras aparecer brevemente en la estimable junkiemovie Yo, Cristina F (Uli Edel, 1981), Bowie consigue otro papel de envergadura a las órdenes del director japonés Nagisa Oshima (El imperio de los sentidos). El film es una adaptación de los relatos de Sir lauren Van der Post "Una semilla de sombra" y "La semilla y el sembrador", y decir que es el film más occidental de su director. El choque de mentalidades antagónicas que surgen en un campo de concentración en la isla de Java en 1942 se verán agravadas con la aparición del comandante Celliers (David Bowie) al que el jefe del campo, el capitán Yonnoi, toma un aprecio inusual rayando lo homófilo. En tan ventajosas circunstancias de guión -a la bisexualidad de nuestro rockero/actor me remito- no es de extrañar que Bowie lograra la que tal vez sea su mejor actuacción para el cine. En según que círculos está considerada una obra de culto, y no solo para fans de Bowie. Nosotros la vemos como un buena película sobre un tema que nos encanta, el subgénero bélico de 'campos de prisioneros' o 'campos de concentración'. -EL ANSIA (THE HUNGER, 1983). El encargado de rodar este largo 'videoclip' fue Tony Scott. Me gustó Amor a Quemarropa (Tarantino influyó) pero es un director que practica un cine que nada tiene que ver con el que hace su hermano mayor Ridley. Si por algo es referencia este film es por que en su día resultó 'cambiar' la estética del mito vampírico, adaptándola a los tiempos modernos y consiguiendo un novedoso y sofisticado look para sus chupasangres protagonistas. Por esta vez Bowie aparca su androginismo para morder el cuello de dos hembras de rechupón. John (Bowie) y Miriam (Catherine Deneuve) viven en el Nueva York del SXX alimentandose de la sangre de las personas que seducen en sus correrías nocturnas de qualité para mantenerse joven. Los problemas llegan cuando John, un vampiro de una raza menos perfecta que Miriam, comienza a envejecer y acuden a una doctora (Susan Sarandon) que experimenta con el rejuvenecimiento. Se mezclan aquí simbología egipcia, trajes de Emilio Tucci, sadismo y amor espiritual en un mejunje que mantiene divididos a unos, que la ven como una obra de culto, y otros, como un servidor, que la ven como un sucedáneo esteticista de los films vampíricos. Dentro del Laberinto(1986), de la que ya hemos hablado con motivo de Jim Henson, Encadenadamente Tuya (1992), una comedia que co-protagoniza con la siempre encantadora Rosanna Arquette, y sus pequeñas aportaciones para Twin Peaks, el diario de Laura Palmer (1992), Basquiat (1996), Zoolander (2001) o El Truco Final (2006,(Foto) continuarían dándonos la oportunidad de seguir gozando, aunque solo fuese con cuentagotas, del Bowie actor. Su carrera en el cine, de más a menos, parece ser que corrió paralela a su éxito y declive musical. Atrás quedaron los papeles protagonistas y los números uno. Hoy no es noticia. Pero creo que todavía está por llegar (soñar no cuesta nada) su gran papel en el mundo del cine. Solo falta un valiente director que le ofrezca un papel a su medida... Y éste bien podría llegar en una película en la que David Bowie se interpretase a sí mismo, grande e imponente.

¡MI NOMBRE ES PHOOLAN DEVI, CABRONES!

2011-10-10T14:55:00.000-07:00

BANDIT QUEEN (1994). Sorprendente película biográfica de origen hindú financiada por los ingleses de Channel Four. Polémica, censurada y prohibida por el gobierno de la India debido a sus desnudos, sexo y violencia; que los tiene. Pero sin duda alguna lo que más debió de molestar a los censores del film es la verdadera denuncia sobre las desigualdades del sistema de castas que existe, todavía hoy, en su sociedad. Lucha de clases. Y es que enfrentamientos a lo largo de la historia entre hombres de castas superiores (los Behmar Thakur del film) y gente de castas inferiores (los Bandidos y los aldeanos de Uttar Pradesh en este caso) los ha habido siempre y desgraciadamente siempre los habrá. Por no hablar de violaciones, misoginia, machismo, hambruna, guerras y fundamentalismos religiosos tan de moda por estas y aquellas latitudes, que dificultan todavía más los derechos y la vida de aquellas gentes. Niños y mujeres, expuestos a todo tipo de brutalidades, son los que sufren en mayor medida. Pero no nos pongámos a llorar señores. Es triste sí, pero mientras existan valientes mujeres como la venerable Phoolan Devi de nuestra historia algunos cabrones tendrán su merecido. De vez en cuando salen hombres o mujeres así. Zapata, el Che... Seguro que Devi no tenía conocimiento de éstos y otros personajes libertarios de la Historia antes de que las circunstancias la convirtieran en la más famosa y temida bandolera de la India, pero llevaba sus genes. Algunos (los de castas superiores, claro) la consideran terrorista, valgame Diós. Pero no opinan lo mismo los más de 10.000 seguidores que la aclamaban como una heroína nacional en el momento de entregarse, bajo sus propias condiciones, a las autoridades competentes tras algo más de cinco años evitando su captura y luchando por la libertad en las áridas montañas de su tierra. De ahí que Phoolan Devi y su grito desesperado de lucha y liberación sean un ejemplo para todos (los de casta inferior, claro está), y que películas como Bandit Queen nos parezcan tan necesarias. Decir que la Reina Bandido todavía sigue presa -la acción del film se desarrolla entre los años 70 y 80-, y que fue allí, durante el cautiverio, donde escribió sus diarios "Goddess of the Flowers. The Bandit Queen", los supuestos eventos y hechos reales en los que se basa la película. Añadir que la falta de medios, poca profesionalidad de los actores y carencias en la dirección, por otro lado lógicas en una industria que por aquel entónces empezaba a aflorar, no empañan para nada el visionado de un film más que notable. Una de sus virtudes es que durante muchos momentos llega a recordar a aquel spaghetti western de Damiano Damiani titulado "Yo soy la revolución", y eso ya es un buen principio...

LINA ROMAY. SOLO SE VISTE SI LO EXIGE EL GUIÓN

2011-10-06T08:57:00.000-07:00

Aquella chica de las bragas transparentes. Linda Lovelace en versión española. Un bicho raro. Una auténtica especie en vías de extinción. Toda élla uno de los casos más delirantes de nuestra cinemateca. Con todos ustedes: la epopéyica LINA ROMAY. Unída sentimentalmente al Tío Jess. Otro de los artistas más singulares e inclasificables, no solo de nuestro cine, sino del planeta. Santo y seña de la caspa nacional y máximo exponente de la auténtica generación X castiza. Lina fue musa y compañera inseparable del director, asegurandose un lugar en sus películas hasta el día de hoy (El sádico de Notre-Dame, Sola ante el Terror, El hundimiento de la Casa Usher, Los Depredadores de la noche... fueron algunos de esos innumerables títulos juntos). De las entrañas de ambos se ha deglutido todo el cine de alto voltage parido en este país desde los años 70: Softcore (chicas perseguidas por la selva, mujeres en prisión, trata de blancas, perversión, fetichismo, voyeurismo...), porno duro, destape, dobles versiones... Castigando al personal (o sea, al espectador medio) sin piedad. Aliviado éste, por la calidad de sus excelencias amatorias y sus números lésbicos, en los que era toda una estrella (Ajita Wilson lo corrobora). Rosa María Almirall (Barcelona, 1954), nuestra Lina Romay, es toda una hormigonera sexual: Su morbosa boca chupona, su trasero 'rubensiano', su golfo erotismo... Puro placer verla en acción. La pasión que despiertan en todo el mundo títulos como Una rajita para dos (1983) Confesiones íntimas de una exhibicionista, film que élla misma dirigió, Apocalipsis Sexual, o la emblemática El fontanero, su mujer y otras cosas de meter, estos dos últimos bajo las ordenes del maestro Carlos Aured, es un fenómeno digno de estudio. LINAMANÍA... Sus películas son hoy cotizadas piezas de coleccionista, reivindicados hasta la saciedad en páginas de mundanos fanzines casposos y cochambrosos como este. Desde Australia le tributan libros exquisitos que para sí quisieran reputados directores y actrices del séptimo arte, mientras en su patria ni diós se acuerda de élla. El sexo despegó en este jodido país y salió de las catacumbas y de la marginalidad más absoluta gracias a Lina y un puñado de mujeres intrépidas como élla. Chicas que como solían decir: 'Solo se vestían si lo exigía el guión'. Estas pioneras lo hicieron lo que mejor sabían. Actuaron y se exhibieron en películas imposibles, dirigidas por cineastas de dotes imposibles. Pícaros directores que filmaban films descacharrantes y bizarros que mezclaban el terror casposo y el picante gratuito. Macumbas sexuales, cine exploitation, descerebrados policiacos, pornos de cachondos y gamberros muy divertidos... En definitiva las correrías cinematográficas más sexys, raras y viciosas de toda la filmografía cañí. Gracias Lina... En nombre de todos los tumberos que hemos tenído el placer de caer rendidos ante tus deslumbrantes y rollizas carnes. Pues tú eres historia viva de nuestro cine, y así serás recordada.

ADIÓS A TÍA BARBARA. (EN LA MUERTE DE FRANCES BAY)

2011-10-03T15:57:00.000-07:00

R.I.P.: FRANCES BAY (Mannville, Canadá, 1919; California, 2011). Los lynchianos, carpenterianos, wildereros, en definitiva, todo cinemaníaco tumbero que creciera mamando videoclubs en los 80 y principios de los 90, debería recordar con cariño a esta extraordinaria actriz de reparto canadiense que recientemente acaba de dejarnos. Como olvidarnos de su magnética presencia en films tan esenciales como Aquí, un amigo (81), Los Timadores (Stephen Fears, 98), Terciopelo Azul (86), en la que interpretaba a tía Barbara, repitiendo con Lynch en Corazón Salvaje (90) y el adaptación cinematográfica de esa serie de culto llamada Twin Peaks: "El Diario de Laura Palmer"(92). Otro papel singular e interesante resultaría de su colaboración con el maestro del terror John Carpenter, en uno de sus mejores trabajos: En La Boca del Miedo (94). En este film Frances interpreta el desasosegante papel de la recepcionista de la pensión, y decir que aquella excéntrica y dulce ancianita, a la que recordábamos con el madero en las manos en la nombrada serie de TV, en manos de Carpenter pasó a transformarse en pura pesadumbre de terror. Otros títulos menores, pero reseñables, de su extensa filmografía serían Mujer Blanca, Soltera Busca (Barbet Schroeder, 1992) y Nómadas (Nomads, 1986), este último un thriller sobrenatural interpretado por el guaperas de Pierce Brosnan y uno de los primeros y menos conocidos films de John McTiernan (Jungla de Cristal, Predator). Al contrario que muchos otros actores y actrices, Frances siempre tuvo claro donde estaba su sitio. En TV nos brindó esporádicas apariciones en series tan emblemáticas de la pequeña pantalla como Fama, Cheers, Canción Triste de Hill Street, Alff, Las Chicas de Oro, Se ha escrito un crimen, y tantas otras. Su trabajo, y el valor de todos estos títulos, contribuyen a recordarla como se merece. Descanse en paz, apacible y encantadora abuelita catódica.

DOCUMENTALES: CIUDADES LEGENDARIAS DEL PECADO

2011-10-01T18:16:00.000-07:00

París, Berlín y Shangai ¡Qué historias más lirondas, óigan! Menudos años que nos hemos perdido. En los albores del siglo XX estas tres ciudades se convirtieron en lugares legendarios. En ellas bullían el arte, la cultura y la vida misma, avivadas por una tolerancia que permitió prosperar al erotismo, la permisividad y el pecado... Así nos presentan este jugoso ducumental de tres partes. Un capítulo para cada promiscua urbe. Me río yo de Malcolm McLaren y sus punks de escaparate. Si creen ustedes que lo saben todo sobre sus bisabuelos (por no hablar del sexo, el vício, la perversión, las drogas o las juergas..) esperen a ver este educativo documento. Visto lo bien que se lo pasaban en los años 20 aquellos ricos, mafiosos, timadores, putas, camellos, los artistas, los sin patria, los homosexuales, los frikis, los cineastas, los vividores y demás buenas gentes del pasado (...pues los menos favorecidos, o séa, los pobres o los sin suerte, lo tendrán jodido siempre) a uno le entran ganas de vender su alma al diablo por una máquina del tiempo. Pasar una noche en el mítico barrio parisino Montparnasse y caer seducido por los encantos eróticos de KiKi, conocer de primera mano como pervertía Claire Waldorf a los berlineses de entre guerras y de paso comprar los servicios de la explosiva hembra de ébano Josephine Baker.... Hay tantos personajes e historias dignas de mención (Man Ray, Cole Porter, Marlene Dietrich...), tanta brasa en este documental, que allá ustedes amigos tumberos si se lo pierden.

EL RINCÓN DEL PINCHA: TUFF DARTS, 'TELONEROS' OLVIDADOS DEL CBGB.

2011-09-28T00:01:00.000-07:00

Si te gusta el viejo bamboleo de los Stones, el Lou Reed etapa collar de cuero, los pegadizos acordes de Johnny Thunders y sus New York Dolls, y todavía piensas que no puede haber nada que te sorprenda de todo aquel mítico y maravilloso sonido punk-rock tan simple facturado a mitad de los 70 en la efervescente escena neoyorquina surgida del mítico CBGB... prueba con los Darts. Te dejarán alucinado. Hace poco topé por casualidad con esta obra de arte, y nada más escuchar las primeras notas residuales de canciones como "All for the love of R&R", "Fun City" o "Your love is like a Nuclear Waste", se me puso dura. Sin duda alguna los Darts son el secreto mejor guardado de toda aquella movida. Rock&Roll sin pretensiones. Petardazos de dos acordes, de los de toda la vida. Estribillos pegadizos y sencillos. Letras de sincero descontento que hablan sobre perdedores, amores despechados, juergas... y el fantasma de la peligrosa e hipnótica noche neoyorquina planeando y respirando sobre cada una de estas historias que aullan tan pegajosas canciones. Y lo más importante: Todo con mucha diversión. Visto todas esas fantásticas bandas y músicos que han salido de la factoría CBGB y que a su manera han escrito la Historia Oculta(No Contada) del Rock (Dolls, Dead Boys, Television, Richard Hell, Heartbreakers...), uno no entiende que un grupo como TUFF DARTS y su disco homónimo (Sire Records, 1978) no tuviesen más relevancia de la que han tenído. Otro de los grandes misterios del Rock. ¿Mala suerte? Solo decir que semejante repertorio de hits rockeros no tienen nada que envidiar a cualquier otra composición punk-rock que sonase cualquier noche sobre las tablas del viciado ambiente cebegebero. Escúchen el disco y ya me contarán. Como bien dícen en uno de sus temas, lo suyo es amor por el rock and roll. Y yo me lo creo. Como anécdota decir que el gran Robert Gordon fue el primer vocalista de los Dardos, aunque sería con la llegada de Tommy Frenzy cuando nos brindarían este clásico de leyenda. Un único disco, sí. Pero que discazo, óigan...

TE PRESENTO A... GARY SHERMAN: EL CINEASTA ENTERRADO.

2011-09-24T00:27:00.000-07:00

Siguiendo con el repaso a olvidados cineastas de lo fantástico que allá por tiempos del vetusto VHS reinaban en las polvorientas estanterías de cualquier videoclub fétido que se preciara, sería un error monumental no mentar a uno de los directores de culto del género: Gary Sherman (Chicago, Illinois, 1945). El hombre cuenta con cuatro apreciables películas, por lo menos. Pero al final le pasaría igual que al título del film que lo encumbró como tal director de culto: MUERTOS Y ENTERRADOS (Dead and buried, 1981), ya que hoy son pocos los que se acuerdan de su nombre. La cinta es una gran película de temática zombie, con mad doctors incluidos, que en su momento supuso un soplo de aire fresco (recordémos que eran los tiempos del terror y psycho-killers para adolescentes y un film como éste rompía todos los esquemas). El guión era obra de los mismos responsables que escribieron la aclamadísima Alien. Una pequeña joya del género, que más allá de una película de terror propiamente dicha, profundiza como pocas en todo lo referente a la estética del horror, y que termina con una de las conclusiones/moralejas más sarcásticas, pesimistas e impresionantes de toda la historia del cine de terror. El film, y su final, encierran una macabra y retorcida mala leche. Anteriormente Gary Sherman había debutado tras la cámara con un documental sobre ¡¡Bo Diddley!! (The Legend of Bo Diddley, 1966), el cual, y muy desgraciadamente, no he tenido el placer de videar. Su primer largo antes del citado Dead and Buried, fue otra interesante cinta de terror: SUBHUMANOS (DEATH LINE, 1972); también conocida entre nosotros como La Línea de la Muerte, o por su otro título en inglés RawMeat. Financiada y rodada en Gran Bretaña, hecho que puede explicar el parentesco estético-visual que el filme pueda tener con ciertos films tardíos de la Hammer, la película cuenta con la presencia del magnífico actor inglés Donald Pleasence, en el papel del inspector Colhaun de Scotland Yard, además de brindarnos una fugaz aparición el gran Christopher Lee. En la historia del film, que funciona como parábola de la realidad social que atravesaba la Inglaterra de aquel entónces, Sherman nos propone un viaje a las catacumbas del metro londinense. Nos introduce en los subsuelos. Allí habitan los famélicos descendientes de una gente habandonada a su suerte durante las excavaciones del complejo de túneles construidos a finales del siglo XIX. Imagínense como podrían haber sobrevivido... Podríamos encajar pues, este título, en la lista de films con temática canibal de la que tanto gustamos en esta casa (link). Otro interesante trabajo en la carrera fílmica del de Chicago lleva por título LA JAURÍA DEL VICIO (Vice Squad, 1982). Es una movie de patrullas y brigadas anti-corrupción de las que tanto gustan a los americanos y en la que no faltan los sádicos asesinos, las prostitutas indefensas y toda la acción y violencia de la que hacían gala aquellos polvorientos films ochenteros. El relativo éxito (en medida de lo que se gastó) que tuvo con algunos de sus films menores como "Se Busca Vivo o Muerto" (Wanted: Dead or Alive, 1987) -de la que ya hablamos con motivo de aquel reportage sobre 'Gene Simmons en el cine'- le hizo aspirar a cotas más altas. Alturas éstas, como Poltergeits III, de las que no saldría bien parado. O por lo menos, no representan al mejor Sherman que conocemos y apreciamos los amantes chalados del fantástico. ¿Qué hace hoy? Pues ni idea. Buscaría acomodo en la televisión, eso sin duda. Algunos de sus añejos guiones todavía tienen acomodo en el cine de terror actual de bajo presupuesto, sin ir más lejos: "La Mansión del pánico"(The Golow, 2002). Pero ya no es lo mismo. Gary Sherman no será ni el primer ni el último artesano director desplazado por la industria y los nuevos tiempos, pero valgan estas míseras líneas para recordar su aportación, si bien no tan abundante en cuanto a títulos, sí más que digna en cuanto a ideas, propuestas e intenciones.

DISCOGRANDE: HOT TUNA, "STEADY AS SHE GOES".

2011-09-20T17:55:00.000-07:00

¡QUÉ SE JODAN LOS ATEOS!... Un disco como Steady as she goes (Red House, 2011) nos enganchó a la primera. Igual que pasó cuando escuchamos por primera vez Derek & The Dominos, JJ Cale, Warren Zevon... y demás bluesrockers de postín. Los que están al loro de todo ya tendrían conocimiento de una banda como Hot Tuna. Nosotros, no. Grácias al Ruta 66 (la mejor revista musical en habla hispana) los hemos descubierto recientemente. Y qué placer, oígan. Ni idea teníamos de que la pareja formada por Jorma Kaukonen y Jack Casady (un bajista al que pocos pueden hacer sombra) emprendieran esta aventura tras la disolución de los míticos Jefferson Airplane. Por lo tanto estamos ante unos pioneros del rock americano. Hablamos de músicos de primer orden. Gente que lleva casi cuatro décadas a rastras por la carretera (aunque lancen este discazo tras 20 años de 'silencio') y a los que evidentemente no se les ha olvidado emocionarnos después de tantos años. Y es que Hot Tuna noquéan por KO desde el primer surco: "Angel of Darkness" es una maravilla de tema, desde ya, historia viva del rock. Imposible no quedar prendado del disco ante semejante inicio. Regreso al pasado. Regreso a las grandes bandas de funk-rock rocoso setentero, educadas en la psicodelia de ácidos blues acústicos y eléctricos. No entiendo muy bien eso del termino 'americana', cuando en realidad lo que estamos escuchando es rock americano de toda la vida. Y este disco, para un servidor, ya está entre los grandes discos del rock americano de siempre (y con una gran portada, como debe de ser). Al final, y lo más probable, es que será otro gran disco que pasará desapercivido. Allá los ateos... Nosotros nos alegramos de haberlo encontrado en el camino.

MONDO LIRONDO: CHAPARRÓN DE ESTRENOS CON TEMÁTICA TUMBERA.

2011-09-16T16:24:00.000-07:00

Gente de la nuestra... ¡La que se nos viene encima! Expectantes contamos los días que faltan para que directores afines a esta casa láncen sus ultimos largos cinematográficos. Mientras los cinéfilos esperan la última perogrullada del manchego Almodobar, nosotros, cinemaníacos tumberos, ansiamos que la vieja guardia de malsanos artesanos -en muchos casos vilipendiados, o cuando no, directamente olvidados (léase Abel Ferrara o William Friedkin)-, den señales de vida. Los que gusten de cine autoral a quemarropa, están de suerte. La cosa no es para menos.

-AKI KAURISMAKI: LE HAVRE (2011)

Algún día de estos analizaremos como se merece la carrera del autor finlandés. Alguien que tenga a Chaplin como maestro y esté enamorado del rock'n'roll clásico de los años 50, no puede ser mal tipo. Existe Aki Kaurismaki, y el resto del rebaño. Cine a contracorriente. Pura mágia (al menos que te guste soñar). Y ya tardaba. Tiempo pasó desde sus ultimas maravillas "Un hombre sin pasado"(2002) y "Luces al atardecer"(2006), así que no véan ustedes lo impacientes que estamos por adentrarnos en otra bonita historia llena de imágenes ensoñadoras.

-TAKASHI MIIKE: ICHIMEI (2011)

Sorprendente. Al igual que ustedes, teníamos al autor de Audition, Ichi the Killer y demás brutales gamberradas fantamafiosas, reconocido como el Scorsese japonés. Eso sí, elevado al cubo. Siempre un paso por delante. A la vanguardia del cine más bruto, bizarro y bárbaro hecho jamás. Pues bien, visto su ultimo flim (13 Assassins, 2010) y a la espera de poder ver "Ichimei"(2011), hay que reconocerle una nueva faceta, un antes y un después en su carrera. Son dos remakes de películas clásicas del cine de samurais nipón, cierto. Pero no le resta mérito alguno. Miike quiere dejar claro que él es un cineasta total. Kurosawa, Kobayashi, Hideo Gosha y demás maestros del género Chambara estarían tan orgullosos de su paisano como lo estamos los amantes del buen cine.

-ABEL FERRARA: 4:44 LATS DAY ON THE EARTH (2012)

Ya está aquí, incordiando a periodistas, productores, progres, críticos y demás jauría del circo, nuestro noctámbulo preferido. Al neoyorquino le va la marcha. A alguien capaz de rodar aquella pasada de péli que fue "Teniente Corrupto", no se le olvida facilmente. Hay que seguirle la pista allá donde vaya. Quien sabe, puede que algún día recupere algunas de las pinceladas que hicieron que gente brutta como nosotros le tengamos en tan buena estima. Su ultimo trabajo reseñable, Chelsea on the Rocks (del que ya dejamos constancia meses atrás), fue un documental, y su último largo interesante, "Un Cuento de Navidad", data del 2001. De ahí las ganas que tengo de incarle el diente a esta historia apocalíptica, que en manos del director del Bronx, no se parecerá en nada a los blockbusters de Roland Emmerich y mercenarios similares. Además corre la suerte de poder apreciar la grandeza interpretativa de Willem Dafoe. Un actor 'de los suyos', y de los nuestros. No te mueras nunca Ferrara, contamos contigo.

-ROMAN POLANSKI: UN DIOS SALVAJE (2011)

Suerte de tener al 'enano polaco' (como lo denominara Jack Nicholson) con vida. Nadie parece quererlo hoy día. Al no ser de ninguna parte, no pertenece a ningún sitio (la historia y su vida así lo demuestra). La dicha del cineasta errante. Del exiliado. Bajo arresto domiciliario, está más productivo que nunca. Todo hay que decirlo. Y nosotros tan contentos. Christoph Waltz y el gran John C. Reilly completan el pastel.

-JOHNNIE TO: LIFE WITHOUT PRINCIPLE (2011)

Al magnífico director honkonés ya os lo presenté en su momento. Filmes como Election o Exiled no tienen parangón en su género. Impecables, relucientes, sensibles... los trabajos tonianos resultan poéticas radiografías de la violencia. Gangsters trajeados que se convierten en hombres de negocios asoman en este thriller de acción, con la crisis y el descalabro económico ultraliberalista ejerciendo como el malo de la película. Sabémos que como mínimo será correcta, como toda su flimografía.

-DAVID CRONENBERG: "UN MÉTODO PELIGROSO"

Lo último que estrene el doctorado canadiense siempre será un acontecimiento. Relaciones sentimentales y profesionales entre titanes de psicoanálisis parece ser lo penúltimo. ¿Cronenberg retratando a Freud? No se engañen. El autor de La Mosca hace tiempo que dejó atrás sus delirios fantásticos para inquietarnos de otra manera mucho más realista. Su actor fetiche Viggo Mortensen, y el expléndido Michael Fassbender (Hunger, 2008), prometen divertirnos. Cronenberg nunca ha hecho una mala película, y apuesto a que nunca la hará.

-WILLIAM FRIEDKIN: "KILLER JOE"(2012)

Una película de Friedkin, como ocurrió con su anterior "Bug"(2006), por muy buena que sea, pasará desapercivida para la gran mayoría de consumidores de estrenos (si es que llega a estrenarse). Supongo que para un hombre que firmó en los 70 obras maestras de la categoría de El Exorcista o French Connection le importará una mierda si sale del ostracismo o no con cada nuevo trabajo. Su tren ya pasó. Lo que no es de recibo alguno, es ver como trata la industria (a él como a tantos otros) a alguien que ha hecho tanto por este podrido negocio. Parece un apestado. Nosotros no te olvidamos William. Has dado muestras de ofrecer algo distinto y honorable. Killer Joe parece ser un thriller negro con humor solapado. Veámos si todavía te quedan balas en la recámara, viejo zorro.

-STEVE McQUEEN: "SHAME"(2011)

Tan pronto acabamos de visionar un film como "Hunger"(2008), no dudamos en calificar a su joven director como una de las grandes promesas a seguir en un futuro. Todavía hoy al recordar semejante y estremecedor relato sobre aquel preso del IRA, se me pone la carne de gallina. Así que no es de extrañar el fervor con el que esperábamos en esta casa el siguiente paso a dar por el director y videoartista británico Steve McQueen (nada que ver con el genial actor americano de mismo nombre y apellidos; vasta con ver la oscura tonalidad de su piel para estar seguro de ello). La historia que nos viene, al igual que ocurriera en su ópera prima, gira en torno a las libertades del ser humano. Si el prota de Hunger caecía de libertad alguna, el de Shame (en ambos filmes interpretados por un asombroso Michael Fassbinder, un actor que sin duda, y con el tiempo, se convertirá en una gran estrella de cine), disfruta de élla a raudales. Mejor dicho, a gusto. Su retrato de un perturbado adicto al sexo promete distanciarse de los demás films que sobre el tema se han hecho. McQueen rema a contracorriente, así que nos esperamos una película en las antípodas del cine comercial actual. Bravo irlandés. (Si la péli es una mierda serémos los primeros en admitirlo... Aunque lo dudámos mucho)

NOVELA GRÁFICA: "ELECTRIC REQUIEM"

2011-09-13T17:02:00.000-07:00

Jimi Hendrix (Seattle, 1942-Londres, 1970), mal que le pese a B.B. King, Clapton o Pete Townsend, bien podría ser considerado el mejor guitarrista de la historia del rock. Cuarenta años después de su desaparición todavía se le echa de menos. Nadie puede discutir su talento ni su legado artístico. Pero no estámos aquí para descubrir la trascendencia musical del negro cheyene que tocaba la guitarra con los dientes. Su nombre vuelve a estar de actualidad. Y todo grácias a dos dibujantes y guionistas italianos, Mattia Colombara y Gianluca Maconi, que nos trasladan al blanco y negro del papel la biografía de este superhéroe de verdad. Como si de un album conceptual se tratara, el cómic está dividido en tres partes: nacimiento, auge y declive. Las partes más conflictivas y oscuras de su vida (la soledad, la falta de amor, una infancia dificil al cuidado de su abuela tras morir su madre de alcoholismo, etc...) digámos que no son del interés de los autores. La atmósfera que recorre las páginas del cómic/novela gráfica resulta ser muy espiritual, muy de 'alma negra', por así decirlo. Podrían tomarse la historia de otra manera, de eso no cabe duda, pero para mi gusto han acertado con la propuesta. Incluir el surrealismo en la novela es otra de las virtudes del cómic. No obstante, los autores italianos relatan y pintan en las viñetas de ELECTRIC REQUIEM (La Cúpula, 2011) hechos y caras conocidas de aquella majestuosa década de los 60: cómo se formó The Jimi Hendrix Experience, la famosa pelea con los Who en el Festival de Monterrey, ilustraciones de Mick Jagger, Brian Jones, Chas Chandler, diversas groupies y novias... Retratando con maestría y nostálgia, una época, y una figura, irrepetibles. Esta emotiva novela gráfica viene a rellenar, aunque sea un poco, el vacío existencial de un hombre y un músico que ha dejado una profunda huella en la (contra)cultura contemporánea. De lectura obligada para todo tumbero.

RAPHAËL SAADIQ: SOUL PARA BAILAR.... Y FORNICAR

2011-09-10T17:00:00.000-07:00

Alucinados quedamos al pinchar el ultimo trabajo del afroamericano Raphaël Saadiq, Stone Rollin' (CBS/Sony, 2011). Los que gusten de soul enérgico con aires sesenteros, onda Stax, Atlantic, Motown..., tienen una cita obligada con este señor. Menudo discazo ha parido el de Oakland (California, 1966). Después de todo el revival vintage que está surgiendo alrededor de la música soul nunca está de más escuchar un disco autentico y bailongo para variar. Hay una gran diferencia entre lo retro y lo clásico, y Saadiq parece saberlo. Los nostálgicos encontrarán ecos de Marvin Gaye, Ottis Redding o Stevie Wonder entre los surcos del disco. Lógico, dada la capacidad vocal y compositiva de nuestro artista y, teniendo en cuenta, que estamos ante un trabajo que en gran medida, pretende embriagarse del ambiente sonoro de los viejos vinilos de soul y R&B. Y bien que lo consigue, como se puede apreciar. Temas como la impresionante "Good Man", suenan a gloria pasada, pero además tienen el plus de sonar actuales y nuevas (ese estribillo femenino casi hip-hopero). Y es que Saadiq es un soulman del siglo XXI. Funk, soul, pop, jazz, blues... y clase para dar y tomar. Hay que agradecerle el que haya querido grabar un disco así (de sus anteriores LPs tan solo me gustan canciones sueltas). El tipico disco que no puede faltar en una fiesta que se precie (pincha "Heart Attack" o "Radio" y verás lo que és mover el esqueleto). Poniéndonos románticos, también es de esa clase de discos que podéis escuchar mientras le hacéis el amor a vuestra pareja. Nunca se sabe, incluso puede que os ayude a alcanzar el orgasmo. Por lo de pronto Stone Rollin' , que no para de sonar en nuestro giradiscos, es el disco soul del año. Y Raphaël Saadiq, nacido Charles Ray Wiggins (de quien me entero vió morir a cuatro de sus hermanos -de una familia de 14!- de forma trágica: tiroteado uno, de sobredósis otro, suicidado un tercero, y finalmente una hermana atropellada. Algo que querámos o no, de una forma u otra, marca a cualquiera), empieza a ser uno de los personajes a tener en cuenta en esta casa de aquí en adelante.

TV A LA CARTA: "THE CORNER" (La esquina)

2011-09-07T10:27:00.000-07:00

Que David Simon está considerado por méritos propios un creador de culto en la televisión está fuera de toda duda. Basta con ver el éxito (critico y comercial) de series como The Wire o Treme para refrendar lo dicho. Fascinantes y admirables seriales que llavan la inconfundible firma del gurú televisivo norteamericano. Sus personajes nos muestran cómo se sobrevive al día a día. De forma descarnada y realista sabe retratar como pocos lo dramático, por desagradable que sea. Su obra está llena de imágenes impactantes (en The Corner sobresale con descarado su tono documentalista), guiones elavoradísimos y unas interpretaciones actorales de primer orden (aquí aparecen T.K. Carter, Khandi Alexander, o el imponente Clarke Peters entre otros, gente que acompañarán de aquí en adelante cada futura obra del afamado productor). Entre otras de sus muchas virtudes (sus gustos musicales por ejemplo, a Treme me remito), y por si esto fuera poco, la calidad de su trabajo viene avalado por la profesionalidad y la garantía de la mejor cadena de TV que existe: la solemne HBO. THE CORNER (La esquina) fue su primer trabajo. Una mini-serie de seis capítulos con la que se fogueó en el medio y que acabaría por ser la precursora de la volcánica La Escucha (the Wire). En élla Simon nos habla/muestra lo que mejor conoce (no en vano se formó como periodista de sucesos de un periódico de Baltimore). En este caso, las penurias de una pareja de drogadictos y su hijo camello que malviven como pueden en las cloacas y suburbios de la ciudad más poblada del estado de Maryland. Una Baltimore que volvería a radiografiar brillantemente, y a las mil maravillas, en la mencionada The Wire (esta vez a todos los niveles). Un amargo 'blues de la esquina del yonki' que hará las delícias de los abonados a series de calidad.

EL CINE INVISIBLE: "VINYAN (2008)", LA BUSQUEDA DE LA LOCURA

2011-09-02T17:22:00.000-07:00

VINYAN es otra de esas Obras Maestras -con mayúsculas- que pasaron desapercividas por el gran público y crítica en su momento. También lo había sido (desapercivida y Obra Maestra) la ópera prima de su director, el belga Fabrice Du Welz, por título Calvaire (2004). Películas atmosféricas, desasosegantes. Maravillas malsanas que llevan a sus personajes (y a los videoespectadores) hasta lo más profundo del horror mundano. El Infierno está aquí, en la Tierra. Con VINYAN (2008) Du Welz nos propone explorar, en un particular viaje al Corazón de las Tinieblas, esas zonas oscuras y umbrales de locura que sacuden y (de)muestran la degradación del ser humano. Obras seminales como "El Señor de las Moscas" y sobretodo la parte final de "Apocalipse Now", vienen a la mente al hablar de un film como este. Films con más preguntas que respuestas. Donde el dolor, el sufrimiento o el sacrificio de sus personajes importan más que las posibles 'lagunas de guión' o escenas de acción que estan puedan tener. -Estamos ante una película apasionante y bella a más no poder. Rara y dramática. Nada que ver con el cine fantástico y de terror al uso (de ahí su anonimato y fracaso comercial). La desaparición violenta del hijo de un matrimonio y la negación de éstos para aceptar este hecho irreparable, será la escusa que utilice Du Welz para que nos adentrémos en su personal universo, mostrándonos la progresiva erosión y 'la muerte anunciada' de tal relación. Impresionantes los exteriores (filmados en Birmania). La guapísima francesa Emmanuelle Béart (Lejos del mundo) y el infra valorado Rufus Sewell (nosotros nunca nos cansaremos de alabar al protagonista de Dark City), bordan sus papeles. Resaltar el inquietante papel del actor birmano (creo) Petch Osalthanugrah, todo un descubrimiento. De ahora en adelante el cine de Fabrice Du Welz será un referente a seguir dentro del fantástico europeo. No se lo pierdan. En ATumbaAbierta ya somos incondicionales del joven talento belga.

TE PRESENTO A ... WILLIAM FRUET. CINEASTA MONTADO DEL CANADA

2011-08-30T15:41:00.000-07:00

William Fruet(1933- Lethbridge, Canadá). Sus primeros trabajos resultan hoy piezas fundamentales para entender el panorama cinematográfico canadiense de los años 70. Venía del teatro, de la idea de la contracultura y de estar comprometido con 'las películas realistas'. Así que empezó rodando dramas como "Goin Down the Road"(1970) o "Wedding in white" (1972) por los que recibiría varios premios de la Academia de cine canadiense, incluído el de mejor película, como en el caso de ésta última interpretada por el magnífico Donald Pleasance. De hacer digámos 'cine de autor', esos iniciales y seminales films dramáticos que hoy son piezas de historia del cine canadiense, Fruet pasaría a rodar una serie de thrillers (algunos cercanos al cine de terror) desoladores, violentos y originales. Deliziosa carnaza de videoclub de la que siempre estaremos orgullosos de recomendar, y por la que escribímos estas líneas. Cuando quiso forzar la máquina y aspirar a cotas mayores (cineHollywood para entendernos), el interesante -hasta esa fecha- William Fruet, acabaría como acaban la mayoría de innovadores: parodiándose a sí mismos (o a otros). Hasta mediados de los 80 este cineasta montado del Canadá facturó películas interesantes, siendo el puto Amo de las estanterías de la parte de atrás de los videoclubs antes de diluirse en la mediocridad y acabar encajando en el medio televisivo (hasta día de hoy) como le pasó a tantos otros; rodando infinidad de capítulos en series de todo tipo, sobretodo fantásticas (Babylon 5, Amazing Stories...). A continuación señalamos lo que a nuestro entender son sus mejores títulos dentro del cine fantástico y del género duro, violento e impactante que tanto nos gusta en este ciberfanzine.

FIN DE SEMANA SANGRIENTO (Death Weekend, 1977)

-Fruet deja claro que está más cerca del cine fantaterrorífico de Wes Craven que del de su compatriota David Cronemberg. No hay más que echarle un ojo a este trabajo para comprobarlo. Típico thriller violento de los años 70, de los que ya no se hacen. A medio camino entre "La Ultima Casa a la Izquierda" (72) y el "Perros de Paja" peckinpahniano. Una relación extramatrimonial en plena naturaleza dará paso a una merienda de celos, asesinatos, persecuciones, suspense, sadismo y venganza a tumba abierta. Está protagonizada por una excelente pareja de actores: la neoyorquina Brenda Vaccaro (Cowboy de Medianoche, Capricornio Uno) y el hawaiano Don Stroud (La Jungla Humana, Mamá Sangrienta).

MORDISCO MORTAL (SPASMS, 1983)

También conocida como "Muerte por espasmos" es un film más que destacable dentro del global de su filmografía. Aquí se atreve con una monster movie tropical y selvática. Una Serpiente Demonio (N'gana Simbu), guardián de las puertas del infierno, hará las delicias de los amantes a este tipo de películas. Entre tambores, maldiciones y sombras en la isla de Pintu destacan las apariciones de Peter Fonda y Oliver Reed. También aparece la actriz Kerrie Kane, hoy olvidada (Aquella belleza que pudimos ver en series de televisión tan molonas como Kun Fu o Alien Nation entre otras). Además para redondear esta estupenda producción canadiense de aventuras decir que el admirable Dick Smith se encarga de los efectos especiales.

-PERSECUCIÓN IMPLACABLE (SEARCH AND DESTROY, 1979)

Aquí se le da por la exploitation sin más. En la onda independiente y outsider del cine de Serie B de la época. El film patina en muchos aspectos (guión, actores, banda sonora... hasta en la dirección!) pero que se deja ver dado los buenos momentos de acción que tiene (el final en las cataratas del Niágara!! es de locura). Ex veteranos del Vietnam -duros, traicionados y muy mosqueados- pelearán por tí y por mí, limpiando las calles de basura. Sin duda se trata de un título de los más olvidados dentro del más bizarro cine canadiense. Otro título a mencionar, en la misma onda de 'violencia crepuscular' (a lo Peckinpah o Monte Hellman), sería "TRAPPED" (Atrapados, 1982), demostrando lo canalla e impactante que Fruet podía llegar a ser -cuando quería-.

-OJOS INDISCRETOS (BEDROOM EYES, 1984)

Un director tan capacitado como el canadiense -canibal del mejor y del peor cine de género- también patinó calamitosamente intentándolo con copias descaradas de films de éxito, como ocurrió en este caso. Bedroom Eyes es la versión canadiense de "Doble Cuerpo" de DePalma (ésta a su vez lo era de "La Ventana Indiscreta"), pero mucho más nefasta. Patina en todo: los actores están horribles, la banda sonora apesta... Pero con todo, dejó ciertos detalles (excitación sexual palpable) y alguna que otra secuencia original. Otro de esos 'films oportunistas' de los que hablamos podría ser INSECTO (Blue Monkey, 1987), lanzado tras el éxito que su paisano Cronemberg obtuvo con "La Mosca". Si bien es cierto que su obra posterior no alcanzaría nunca los niveles -ni la espectativa- que creó el cine de sus comienzos, es justo reconocer el aporte del señor Fruet al cine fantástico. Si esa huella fue pequeña o no, descúbranlo ustedes mismos. (Nota: no consigo por ningún lado uno de sus ultimos trabajos, "DOG BOYS"(La Prisión de los Perros, 1998), un título que me atrae sobremanera dado el tema a tratar y el hecho de estar protagonizado por uno de mis actores australianos favoritos: el Bryan Brown de "Consejo de Guerra")

ROCK&ROLL BÚMERAN: LAS BESTIAS DEL BOURBON

2011-08-28T18:23:00.000-07:00

Esta banda irrepetible no solo creó el mejor y más crudo sonido country swamp-blues surgído en Australia, sino de toda la historia del mundo mundial. Los vinilos de su primera etapa (el período que va de 1983 a 1990) "Axeman's Jazz", "Sour Mash" y "Black Milk" son hoy piezas de legendarias. Un auténtico lujazo. Material cañón. Si te gustan The Sonics, Cramps, MC5, Stooges..., o por otra parte el material 70's de paisanos ilustres como AC/DC o Rose Tattoo (en el que se mueve su último trabajo), y te la ponen dura la psicodelia de Neil Young y sus Crazy Horses entonces serás uno más de la pandilla de las bestias pardas del Bourbon. Los macarras -y geniales músicos- de Sydney facturan rock poderoso y candente, machacándote la sesera con sus cantares de oxidado blues de extrarradio. Los ingredientes son los que tanto exaltamos en esta casa: derroche, desenfreno, crudeza, sentimiento... Rock&Roll tocado alto, escupido fuera de control!!!. Verlos en peligroso directo, sudando alcohol etílico, sería algo así como tener una experiencia de ácido. Su regreso a la palestra -tras un 'tiempo de relax'- ocurrió en 2007 con este expléndido LITTLE ANIMALS (Bang!). Desde ya, uno de nuestros discos preferidos de todos los tiempos. Otra vuelta de tuerca a su intachable carrera musical. Canciones de odio, miserias, sobredosis, muerte, amenazas, amores podridos... impregnadas de una puñetera chulería difícil de explicar. En Julio del 2006 se meten en el estudio (Spencer P. Jones, Charlie Owen, Tex Perkins, Brian Hooper y Tony Pola) y en tres días!!! paren esta obra de arte. Trallazos de puñetazos a hostia limpia marca de la casa. Grandiosos Beast of Bourbon. El secreto mejor guardado del rock and roll.

CINE DESDE LAS ANTÍPODAS: "the LOVED ONES" (2009)

2011-08-25T18:30:00.000-07:00

LOLA, ¿POR QUÉ ESTÁS SOLA?... Prosiguiendo con nuestro particular peregrinaje a tumba abierta por el mejor cine proveniente del continente australiano nos detendrémos hoy en tierras neozelandesas con The Loved Ones (2009). La cinta es la última sorpresa de un cine (y escena musical) que nunca deja de sorprenderme. No es que el cine fantástico australiano sea mejor ni peor que el canadiense o surcoreano (por poner un ejemplo) simplemente que por esa parte del mundo tienen otra manera de explicarse. Una forma distinta de contar las cosas. Historias éstas, como en este caso, que remiten a las teenagers movies de terror tan de moda ultimamente en Hollywood. Pero The Loved Ones no es otra de esas cintas de horror adolescente del montón aunque lo parezca a simple vista. Diríase que estamos ante una grata sorpresa. Una sorprendente película. Nada de sustos gratuitos, giros de guión oportunistas, rostros y torsos lindos y siliconados... y demás lindezas que se le suponen a similares productos genéricos. En esta cinta rodada por Sean Byrne importa mucho más el retrato de los personajes (algo que siempre se echa en falta en el cine de este tipo). Y es aquí donde guarda su fuerza The Loved Ones. Porque ni el guión ni la trama son para destacar (a grandes rasgos: psicópata secuestra y tortura jovencitos). Lo que sí sé, es que esa 'simplicidad argumental' juega a su favor (habría que preguntar al director si fue intencionada o no). Ya hemos visto cientos de cosas similares y como hemos dicho lo importa aquí es la manera de contarlas, sin aspavientos, directo al meollo de la cuestión. Además suena buena música (no sé que banda suena cuando están en el coche fumando maría.. pero es bestial rock'n'roll). Mención especial para la pareja protagonista (Robin McLeavy y John Brumpton). Ellos solitos se meriendan el film (literalmente). Unos personajes sólidos que nos sumerge en situaciones espeluznantemente divertidas o macabramente tórridas (según con qué actitud te tomes su visionado). Sin concesiones. Parece que el reciclaje del género está en buenas manos ayende los mares. Si lo que le pídes a una película es que te entretenga... te gustará The Loved Ones. Hay quien ya la considera un título de culto.

MUJERES ATÓMICAS: LA HAMMERIANA ADRIENNE CORRI

2011-08-21T14:59:00.000-07:00

ADRIENNE CORRI (Glasgow, UK.; 1933). El que no sitúe a esta mujer no tiene mas que recordar la escena de la violación a la que era objeto su personaje por parte de Alex y sus drugos en la criminal "La naranja mecánica" (S. Kubrick, 1971). Esa caracterización estigmatizó a Adrienne Corri de forma indeleble, haciendo que incluso llegaran a pasar desapercividas otras interesantes creaciones suyas como la que llevó a cabo con el personaje de Therese Douvier en "La venganza de la pantera rosa" (Blake Edwards, 1978) como pink lady de mucho cuidado, o la algo más olvidada Amelia de "Doctor Zhivago (D. Lean, 1965) (con Otto Preminger participaría en "El rapto de Bunny Lake" y "Rosebud"). Pero es la Corri 'terrorífica' la que nos interesa, la Corri gitana, vikinga, marciana... que tanto nos deleitó en films de la factoría Hammer, así como en las demás correrías fantásticas en las que participó antes y después de recalar e la Casa del Terror. -Nacida y criada en los verdes pastos escoceses (aunque de origen italiano como bien sugiere su apellido) debutó en escena siendo aún adolescente. Pronto cogería experiencia en el campo del cine de horror como marciana en una de ciencia ficción, la playera Devil Girl From Mars (David Mc.Donald, 1955), en una de mad-doctors, Corridors of Blood (1958), al lado de unos pesos pesados como Karloff y Christopher Lee, o así mismo en compañía de otros monstruos del género como Peter Cushing o Rober S. Baker, actor y director respectivamente de El Club del Infierno (Hellfire Club, 1960) un film con orgías de aristócratas y acróbatas de circo. Otro logrado trabajo suyo fuera de los Estudios Hammer -concretamente en la rival Amicus- lo llevó a cabo en la simpática Casa de Locos (Madhouse; Jim Clark, 1972) al lado de los irrepetibles Vincent Price y -de nuevo- Peter Cushing. Y con esto llegamos a los tres títulos bajo nómina de la Hammer. La primera su aventura en La Reina Vikinga (The Viking Queen, 1967) dirigida por el interesante Don Chaffey, en donde interpreta a Beatrice una esclava de los sangrientos romanos de la historia. Este film está considerado como uno de los más celebres títulos de aventuras jamás rodado por la compañía inglesa (recuerden, fundada por dos hermanos españoles), y muy apreciado por erotómanos diversos, valga el caso. Luego vendría el psicotrópico western de sci-fi Luna Zero Dos (Moon Zero Two, 1969) del añorado Roy Ward Baker, una rareza (y un fiasco) de film con samurais del espacio y asteroides de cartón en la que Corri hacía el papel de la elegante astronauta Elizabeth Murphy (¡¡atención a esos trajes espaciales de colores!!). Su particular y otoñal belleza (contaba 40 espléndidos años) queda patente en su última aparición para la Hammer, El Circo de los Vampiros (Vampire Circus, 1972) de Robert Young. La péli es fruto del desaforado momento en que se encontraban los Estudios que buscaban nuevas propuestas de éxito. En este caso la idea es cuando menos sugestiva y, hasta cierto punto, original (la venganza de una vidente gitana mordida por un hombre-pantera convertido en vampiro), rodada con maneras casi teatrales, e impregnado el producto con horror de barraca de feria (espejos cóncavos y convexos, laberintos...). En medio de todo este fantástico delirio: una tropa de perversos personajes prodigio/deformes (un Hercules con pocas idéas, un enano psicópata vestido de payaso, una mujer tigre con domador sádíco por pareja...), criptas, carpas de circo, escalofríos... y hasta un líder caracterizado de tal forma que podría pasar por cualquier cantante de rock de la época en que se rodó el film, asistímos sin lugar a dudas a una de las películas de aventuras más maravillosas jamás rodadas por la factoría británica, por muy (desgraciadamente) denostado y olvidado que pueda estar. Valgan estas líneas para rendir homenage y desempolvar un film como Vampire Circus. Una obra con reminiscencias a películas inolvidables como "La isla de las almas perdidas", "La parada de los monstruos" e incluso "La mujer pantera". Además nuestra Corri tiene un papel estelar y protagoniza lo que muchos creémos és su mejor interpretación. Una atractiva Gypsy Woman vengativa que deja a las claras la más que merecida categoría de Chica-Hammer. Nunca nos cansarémos de exaltar a mujeres de este percal. Indiscutiblemente clásicas... y rebosantes de clase.

¿QUÉ HA SIDO DE SUS CARNES?: EL POLICLÍNICO DEL DR. HOLLYWOOD (Actores)

2011-08-17T15:31:00.000-07:00

Actores de mi infancia a los que he perdido el rastro. El parte médico de las que otrora fueron rimbombantes/rutilantes estrellas de mi videoclub de barrio. ¿Qué les impidió continuar en la brecha? ¿qué ha sido de sus carnes? Víven, o eso creo, pero están desaparecidos en combate. Atormentados por sabe diós que sucesos personales, hoy parecen olvidados... por no decir muertos. Hagamos memoria: JAN-MICHAEL VINCENT: Actor norteamericano (Denver, 1944), algo así como el Tom Cruise de su generación en sus días de gloria; alto, rubio, ojos azules, atlético... Hoy luciría como Sean Connery de no ser por sus días de alcohol y drogas. Su estado actual muestra los estragos de una anunciada caída en picado. En su gran interpretación para esa marivilla de film que fue El Gran Miércoles (John Milius, 1978), en el papel de antibelicista leyenda del surf local, Vincent actuó bebido todo el film (ya era alcohólico a los 18 y diez años después aparentaba 50). Uno poco podía imaginar lo que se avecinaba. Vista hoy, su papel parece premonitorio. Peleas, juícios (tres matrimonios rotos y otras tantas demandas), accidentes (a mitad de los 90 se partió tres vértebras que le dejaron un timbre de voz horripilante)..., hasta puede que padezca amnésia dado que en las entrevistas que le hacen no parece recordar hechos pasados. Con gusto me leería su biografía. No es un gran actor pero películas como "Muerde la bala", "Friamente, sin motivos personales" o la citada película de otro gran olvidado como John Milius, le recordarán como se merece. Mi sorpresa, -y lo último que supe de su persona-, fue verlo en la estupenda ópera prima de Vincent Gallo Buffalo 66 (1998). El dúo de 'Vicentes locos' juntos, debió ser la polla... MICHAEL J. FOX: ¿Nunca se han preguntado por qué no se rueda "Viaje al futuro IV", dado el gusto por rodar secuelas, precuelas y demás continuaciones de éxitos que rige en Hollywood? La respuesta es el diagnóstico clínico de la que tendría que ser su estrella principal: Parkinson (fase 10, muy chungo). Una lástima. Fox siempre ha sido el eterno adolescente. Los 80 no hubiesen sido lo mismo sin su presencia (ni mi infancia), un ejemplo de que no hay que ser gran actor para llegar al corazón de las gentes. Se hizo millonario gracias al amigo Zemeckis y sus viajes en el tiempo, pero además lució pelo en pecho como pocos. Cualquier péli suya de los 80 estaría en la lista de las más alquiladas del año. En los 90 se le vió (envejeciendo como bien pudo) en "Agárrame esos fantasmas" de Peter Jackson y en "Mars Attacks!" de Tim Burton, entre lo más reseñable. Verlo en Stuart Little acabó por matarme... RICHARD PRYOR: El ocaso de un loco de remate. Me acuerdo de Pryor cada vez que escucho de las supuestas gracias de los humoristas de hoy día. Este negro sí que era gracioso.. ¡pero es que además podía ser un estupendo actor dramático!. Ahí están las magníficas "Blue Collar"(Paul Schrader, 1978) o "Carretera Perdida"(David Lynch, 1997), su última aparición digna, para corroborarlo. Gene Wilder no levantó cabeza desde que al bigotudo de Pryor (Illinois, 1940) se le dió por acabar en 'Estado Clínico' (otro título premoritorio), juntos hacían una pareja genial y disparatada (por cierto ¿qué ha sido de Wilder?). Richard pasó de llenar el Madison Square Garden cada vez que daba un gran show a terminar tirado en la acera de cualquier calle. Así acabó el humorista y actor, arruinado, en silla de ruedas, babeando y necesitando cuidados de por vida. Y todo por su adicción a toda clase de polvos y rocas. La esclerósis múltiple que le obligó a retirarse hizo el resto. En este caso poco importa que el actor falleciese en 2005, de continuar vivo mucho me temo que no le huviese importado a nadie. Valga este momento para recordar su existencia... y el porque de su 'desaparición' tras las cámaras durante los años 90 y hasta el final de sus días. (Decir que se prepara un biopic sobre su leyenda.. Solo nos queda rezar y esperar que esté a la altura de su grandeza). LEIF GARRETT (California, 1961): Pensarán ustedes que el mundo de la farándula tuvo suerte de que tipos como Leif -guaperas estrellitas de melena angelical y más chulitos que un ocho- pasasen de fenómenos pop adolescentes para las masas.. a ser justamente olvidados o recordados como algo bizarro, pero se equivocan. Simplemente que las jovencitas/jovencitos han cambiado sus fotos de carpetas del colegio por otros guaperas igual de falsos y gilipollas. Yo lo recuerdo vagamente de cuando nuestro televisor era en blanco y negro, en aquella serie ñoña "Tres en la carretera"(75). Pero si quedó en mi subconsciente fue por aparecer en una de esas pelis que hacían las delícias de pardíllos críos de pueblo como nosotros que apenas veíamos mundo y que absorbíamos el cine adolescente americano como si fuesemos auténticas esponjas, hablo de "Skateboard" (1978) ("Rebeldes" fue otra, pero poco se le vió), film que hizo que ahorrase para un monopatín (de color amarillo), causando furor este deporte entre nosotros mucho antes de lo que lo hiziese otro film clave del género: "Al filo del Abismo"(1989). Ni decir que mi pasión juvenil de skatter terminó el día en que me robaron el monopatín, y de Garrett decir que pasó a ser otro rostro y otra bonita voz olvidada... un confuso recuerdo de mi confusa infancia. Dícen que fueron las drogas y el alcohol lo que acabó con su carrera, pero de ese cerebro poco se podía sacar. Hoy pulula con nuevo look, tiene página web, y hasta cobra por aparecer minutos en films de pacotilla... pero ya no humedece ni a una vieja. A MEDIDA QUE NOS VAYAMOS ACORDANDO DE OTRAS FIGURAS OBSOLETAS DEL CINE OCHENTERO SE LO IRÉMOS ANUNCIANDO. (ME ACABA DE VENIR EL NOMBRE DE PEE WEE HERMAN A LA MENTE, PERO MEJOR LO DEJAREMOS PARA OTRA OCASIÓN...¡pajillero!)

EL RINCÓN DEL PINCHADISCOS: "EXIT THE DRAGON" (Urge Overkill)

2011-08-14T15:15:00.000-07:00

Con este disco de Oro el trio de Chicago (Nash Kato, Eddie "King" Roester y Blackie O) confirmaron algo que desgraciadamente confunden/olvidan la gran mayoría de bandas y solistas de contrastada fama mundial: que lo comercial nunca está reñido con el arte. Urge Overkill y en concreto su Exit the Dragon (Geffen, 1995), representan la autenticidad, sinceridad, riesgo y desenfado comercial que toda banda exitosa de rock debería de poseer. Los Urge, a pesar de las circunstancias, decepciones, los sufrimientos.. y alguna que otra victoria pírrica, no se rindieron jamás a la industria, y eso es de elogiar (la canción/versión que les lanzó a la fama tras Pulp Fiction, "Girl, you'll be a woman soon", de la que hay que decir que fue un tema de puro relleno, se negaron a tocarla en directo, aunque como es lógico dado la calidad de la mísma, acabarían entrando en razón). Facturan estupendos discos comerciales ("Saturation" es otro claro ejemplo), repletos, como este Exit the Dragon, de una elegancia atemporal fuera de toda duda. Su misión siempre fue que el arte, y en este caso el rock que proponen, se impusiera a la moda y a lo comercial. Y vaya si lo lograron. Exit the Dragon (título de un film exploitation de artes marciales con falso Bruce Lee en los créditos) es un disco a la altura de su leyenda. Porque Urge Overkill, pese a quien pese, son leyenda viva del rock. Y esto lo podrán testimoniar aquellos que hayan tenido el privilegio de verles sobre las tablas de un escenario. Los que no, aún estáis a tiempo. Tras 16 años de sequía llegan con nuevo disco bajo el brazo, Rock'n'Roll Submarine (2011), y descargarán sus torpedos de retro-rock atemporal en el la 2ª edición del festival TURBOROCK (Santander/Benidorm, 2-3 de Septiembre). A buen seguro descargarán material del Exit, lógico, teniendo en cuenta que es su mejor trabajo y a día de hoy todavía suena (y sonará) fresco y rockero. Catorce surcos divinos, donde ninguna canción sobresale sobre otra: Hoy me gusta The Break, mañana te diré que The Mistake, Somebody else's body me erizará la piel cada vez que la escuche, Last Night/Tomorrow siempre me animará y así sucesivamente, porque no hay un solo tema de relleno y es uno de esos discos apropiados para pinchar de principio a fin. Un auténtico discazo de ROCK, que suena a gloria (chapó a la producción). Canciones vibrantes y bellas, y al mismo tiempo oscuras, que cambiarán tu estado de ánimo como sólo los grandes discos de rock and roll pueden hacer. Yo no entiendo la vida sin canciones como View of the rain, ¿y tú?.

AMER (2009). UN FILM DESCONCERTANTE

2011-08-11T14:29:00.000-07:00

GIALLO SENSIBLE

Insólita, sorprendente, o fascinante, son algunos de los calificativos que desprende el visionado de una cinta como Amer (Helene Cattet y Bruno Forzani, 2009). Inédita en nuestros cines, la película franco-belga es una propuesta que va más allá del cine fantástico, del cine de horror, del cine experimental y lo que ustedes quieran. Amer es una experiencia totalmente desconcertante. Historia subjectiva -una vida en 3 actos temporales desarrollada dentro de la cabeza de un solo personaje- donde la paranoia, la ansiedad, el deseo sexual, el erotismo, la mutilación, la muerte y lo hipnótico se relacionan entre sí como fragmentos de una realidad por veces fantástica y alucinatoria. Podríamos estar hablando de un giallo sensible, un poema simbólico o simplemente de un film metafísico, pero cualquier racionalidad o intento de comprensión de Amer quedaría mejor para el debate de críticos y cinéfilos de pro. No le demos más vueltas, Amer figura desde ya como una agradable anomalía dentro del cine actual (y no solo fantástico), como en su día lo fueron las películas de David Lynch ("Cabeza Borradora" por nombrar solo una). Además puede verse como una reformulación del género giallo italiano, radical eso sí, como en su momento lo fueron los films de Dario Argento, Bava y cía. en los cuales se inspira (los trucos narrativos o la excitante sexualidad, para más señas). Lo dicho, si desean contemplar algo diferente no duden en dejarse llevar por las hipnóticas imágenes de esta rara maravilla de película.

SESIÓN B: SWORDKILL, EL SAMURAI RESUCITADO

2011-08-09T15:37:00.000-07:00

EL HOMBRE DE HIELO ("SWORDKILL"/"GHOST WARRIOR"; J. Larry Carroll, 1986). No es tan buena como "Sol Rojo" o "El Reto del Samurai" (anteriormente comentadas en este cochambroso fanzine), ni mucho menos es comparable a la estupenda "Yakuza", títulos que al igual que El Hombre de Hielo (también conocida como "Swordkill" o "Ghost Warrior") tienen a samurais con katana corroteando por sus historias y guiones, siempre en una época más o menos actual. Unos personajes claramente (e historicamente) desubicados. En éstas, claro está, aparecen con mayor o menor acierto las artes marciales, la venganza, la acción, y demás tópicos que se le suponen a esta clase de películas, pero también se nos presentan como una buena oportunidad para hablarnos de los códigos del guerrero, del choque de culturas (oriente/occidente), de antiguas tradiciones, amor por la naturaleza, o del honor otrora perdido en el tiempo. Por eso me interesan esta clase de películas (que tubieron su punto álgido a finales de los 70 y mediados de los 80), y por eso me atreví a visionar esta cinta, abiertamente un título con intenso olor al mejor y más mediocre cine de Serie B. Saciada mi curiosidad, he de decir que Swordkill fracasa en todos los argumentos y propuestas anteriormente citados. Bien fuese por una pobre producción, a cargo del incansable Charles Band (ocasionalmente también realizador), esta historia con humos de ciencia ficción (la surrealista resucitación de un guerrero samurai del S. XVI congelado en el hielo en un experimento de lo más inverosímil, lo que lo lleva a emparentarse/compararse con el film "Iceman" estrenado un par de años antes, aquel en el que un joven Timothy Hutton se las veía con un neanderthal también resucitado), el poco ofício de su director, los textos de pacotilla o la insípida interpretación de sus actores (tan solo un hierático Hiroshi Fujioka se salva de la quema), lo cierto es que esta cinta de "acción futurista" no resultó ser todo lo bueno que anunciaba su original y, a la postre, malograda propuesta. Pero hasta un film fallído puede tener sus virtudes (de no ser así no estaría escribiendo estas líneas), y las de Swordkill radican en la desfachatez y el indiscutible delirio, muy de cómic, que late en todo su imaginario argumental (no deja de ser deudora de las películas de monstruos, como Frankenstein, pues también nuestro héroe milenario es 'creado' por un cientifico loco y será perseguido por ser lo que és). Escenas como en la que el mortífero samurai tras siglos de hibernación contempla estupefacto en la T.V. un video del grupo heavy WASP (mientras ejecutan su temazo "Tormentor"), redime hasta cierto punto el visionado de una cinta como El hombre de hielo (a la que ni tan siquiera han puesto un título acertado en nuestro país, pues lo lógico hubiese sido titularla "El Samurai del Hielo", creo yo). Otro punto a su favor está en su corto metraje (en el mejor sentido), apenas hora y cuarto de vetusto cine cutre de videoclub del que tan alegremente solían brindarnos en la década de los 80. Para curiosos y amantes del género espadachín nipón fusionado con occidente.

PEQUEÑO CATÁLOGO PORTÁTIL DEL MEJOR FANTÁSTICO ITALIANO

2011-08-06T17:51:00.000-07:00

SEIS MUJERES PARA EL ASESINO (SEI DONNE PER L'ASSASSINO. Mario Bava, 1964). Seguimos citando más títulos emblemáticos del cine de horror italiano. El que fuera el octavo film del llorado Bava, no sólo es uno de las obras más notables de la filmografía del autor de Diabolik, sino de toda la historia del cine fantástico italiano. Plagiado hasta la saciedad, sobre todo por el polémico Dario Argento, Seis Mujeres Para El Asesino posee una de las tramas más pesadillescas, con asesino, más aterradoras y a la vez más sencillas, que uno recuerda. La atmósfera en la que nos sumerge Bava es de una irrealidad casi indescriptible (decorados malsanos, clima opresivo...). La forma de cada nuevo asesinato y su metodología (el garfio de una vieja armadura, el contacto de un metal al rojo vivo..), y los escenarios en los que acontecen (un salón de alta costura, una tienda de antigüedades...), funcionan como lo mejor del film además de reforzar una historia ya de por sí sofisticada. Estrenada un año después de Las 3 caras del miedo, y un año antes de sentar cátedra en la sci-fi más gótica con Terror en el Espacio, Mario Bava deja claro que a mediados de los 60 pasaba por un gran momento creativo. ¿Violencia?, la justa y de la buena (eso quiere decir nada gratuita). ¿Mujeres?, a tutti pleni y bravísimas (Ariana Gorini, Lea L'ander, Mary Arden...). No se la pierdan. EL DIOS DE LA MUERTE ASESINA OTRA VEZ (L'ETRUSCO UCCIDE ANCORA. Armando Crispino, 1971). I.: Samantha Edgar, Nadja Tiller y Alex Cord. - Profanaciones de tumbas, arqueólogos de pacotilla, ritos etruscos y oleada de crímenes. El alpino Armando Crispino, autor de otro giallo de culto como es ¡Tensión! (Macchie solari, 1975), tan extraña como a la vez recomendable película, realiza con El Diós de la muerte... un film de misterio, derivado de la mecánica del nuevo giallo impulsado por Argento, alcanzando en su momento cierto éxito artistico y comercial. Pisamos terrenos nada conformistas y el cine de género italiano sabe proporcionarnos las dósis de terror, morbo y extrañeza que le hace tan singular. Películas personales e innovadoras. Como muestra un botón. Decir que gracias a las mutilaciones de la censura no aparece un solo desnudo en el film, eso sí, tiene todos los tópicos del género con final inesperado claro esta. No alcanza un nivel desmesurado, pero se disfruta con gusto. LA MONTAÑA DEL DIOS CANÍBAL (LA MONTAGNA DEL DIO CANNIBALE. Sergio Martino, 1978). - El realizador romano Sergio Martino (1938) está consagrado como el ejemplo de director todoterreno, capaz de torear cualquier género. Aquí se desenvuelve con soltura en una cinta de aventuras de horror con tintes gore. El film tiene momentos de gran crudeza visual, no escatima en violencia (esta vez sí gratuita), está rodado con cierta holgura de medios (pese a lo que cabría de esperar) y resalta el protagonismo de una pareja extranjera de cierto renombre: la maciza y guapetona Ursula Andress, y el segundón de lujo Stacy Keach ("Fat City" y "Los Nuevos Centuriones" son sus grandes papeles para el cine, pero es más conocido por su papel del detective Mike Hammer). La historia gira en torno a la búsqueda que emprende el personaje de Ursula para encontrar a su esposo, desaparecido en pleno corazón de la jungla de Nueva Guinea. Abundantes momentos de sexo (placentero) y escenas de desnudos (por un tubo) para un film que deja un buen sabor de boca.

OBITUARIOS: "Solo una cosa más..." HA MUERTO PETER FALK

2011-08-04T16:45:00.000-07:00

Noticiero reseso: El pasado 23 de junio nos abandonó para siempre Colombo (sufría alzhéimer). Pero sería injusto recordar al actor con un ojo de cristal, solamente por su entrañable personaje tele-detectivesco. Peter Falk, el actor estadounidense (New York, 1927- L.A., 2011) de sangre húngara, checa y polaca, daría vida a otros personajes inolvidables del mundo del cine: fue candidato al Oscar en 1960 por su interpretación del gánsgter Abe Reles en El sindicato del crimen; nos regaló momentos míticos como abuelo sabiondo en la estupenda La Princesa prometida (Rob Reiner, 1987); fue dirigido por cineastas independientes que sentarían cátedra, como su gran amigo John Cassavetes (Una mujer bajo la influencia, Maridos, Un hombre en apuros...) o el alemán Win Wenders (en El cielo sobre Berlín Frank se parodiaba a sí mismo apareciendo como Colombo, también partizipó en ¡Tan lejos, Tan cerca!). Ante todo un gran actor de teatro, Frank nos dejó muestras de su capacidad para la comedia en películas como Un cadáver a los postres, La carrera del siglo (Blake Edwards, 1965), El mundo está loco, loco, loco (Stanley Kramer, 1963) y demás correrías por las que se dejase caer. Un singular y fascinante actor de reparto 'de los de antes', que tuvo su reconocimiento en el medio televisivo, pero al que nunca se le concedió la importancia que en verdad merecía su contribución al cine de pantalla grande. Veanlo ustedes sin gabardina alguna en cualquier film al lado de Cassavetes, dando réplica a Ben Gazzara o Gena Rowlands, y ya me dirán. Descanse en paz.

JEANNE SILVER. PORNO-STAR BIZARRA

2011-08-03T17:42:00.000-07:00

ACROTOMOFILIA: dícese del fetichismo por los miembros amputados (por el muñón exactamente). Se denomina 'amelotatismo' cuando tal deformación es un defecto de nacimiento (tal es el caso de Jeanne que nació con un pie deforme, aunque algunos aseguran que la causa fue un accidente). Es bastante poco probable que la Silver supiera de la existencia de estas perversiones cuando petó a la puerta del teatro de los hermanos Mitchell en San Francisco en busca de un papel en una peli porno. De piedra se debieron quedar los hermanos directores cuando Jeanne se quitó la pierna ortopédica y dejó al descubierto el secreto de lo que sería su (efímero) éxito: un largo y afilado muñón en forma de falo por debajo de su pierna izquierda. Encontrarse de niña en una situación semejante, y más siendo tan guapa como la americana, con las contínuas operaciones a las que fue sometida y las estabilidades emocionales tocadas, no es fácil de llevar, eso seguro. Pero parece ser que a Jeanne Silver, al menos en un principio, eso no le frenó (y eso que dijo que con 12 años fue violada por una pandilla de negros a la salida de un cumpleaños). En su adolescencia acabó con sus huesos en la trena tras robos, peleas y altercados con la poli. Enseguida encontró trabajo en bares de striptease ¡como bailarina! antes de mudarse a la costa este. A trabajar la calle, como no. Minusválida y cachonda, la pizpireta amputada debuta en Waterpower(1977), dedicada al alegre mundo de los enemas. La mezcla de lavativas y muñones fálicos debió resultar tan excitante que Jeanne obtuvo un papel protagonista en su siguiente film: LONG JEANNE SILVER (Alex de Renzy, 1977), su obra cumbre. Refiriendose a sus atributos, en un momento de la película dice: "la Madre Naturaleza me ha dotado con una polla más grande que la de John Holmes", y no mentía la conejita. En su versión integra la peli incluía tríos, números lésbicos y hasta un dúo con un tipo que presta su culo para una penetración hasta la rodilla. Sus performances no tardarían en convertirla en ídolo del underground, un muñón-falo tan famoso como los Belial o Chang y Eng. Siempre para que explotase su "especialidad" a Jeanne le llegaron ofertas de todo tipo, desde el porno al cine de terror ( William Lustig le ofreció un papel en The Violation of Claudia). Pero amigos, las cosas no fueron tan fáciles: escenas censuradas una y otra vez; su trabajo constatemente denostado; nadie la trataba como una actriz porno, sino como a un freak... Intentaría evitar enseñar el muñón en alguna película, y pocos años despues se retiraba de la industria. Lamentablemente el mundo no estaba preparado para una persona tan compleja, mental y fisicamente, y la carrera de Jeanne Silver (1956-... ) fue dando tumbos - o trompicones- entre juicios por obscenidad, pornos inmundos, orgías con Jamie Gillis y Harry Reems, videos sadomaso y escándalos varios. Nunca se volvería a saber de élla. Su vida es demasiado escabrosa como para convertirse en una película al estilo "Boogie Nights" y por eso queremos acordarnos de la inocente, y brutal al mismo tiempo, Jeanne Long Silver. Actriz XXX y una mujer especial.

DROGAS Y LITERATURA. Leer nunca fue tan adictivo

2011-07-31T16:51:00.000-07:00

Si nos ceñímos a la literatura, se sabe que desde el principio de los tiempos los llamados escritores se han valido de diferentes sustancias tóxicas para experimentar en lo que podemos llamar 'búsqueda del arte'. Todo vale para poner tu cerebro a funcionar: éter, mandrágora, nuez moscada, stramonium, absenta, peyote, ayahuasca, amapola, bourbon, micropuntos, cogollos y setas psicotrópicas... El 'buen colocón' tiene premio. Hagamos un breve repaso (de lo contrario sería una lista interminable) a los nombres más ilustres de la literatura intoxicada, aquellos famosos escritores estimulados por las sustancias químicas más insalubles. - ALCOHÓLICOS DE SUPERMERCADO:

El maestro Edgar Allan Poe sería un buen estereotipo de borracho lúgubre.
James Joyce seguro charlaba con Ulises de los beneficios del vino blanco.
París sí que era una Fiesta. Nadie mejor que el suicida y genial Ernest Hemingway para representar al borrachuzo intrépido y heróico (el común anti-héroe).
William Faulkner exorzisaba sus demonios en borracheras legendarias y envidiables.
F. Scott Fitzgerald, el bon vivant de la botella.
El borracho pendenciero: Charles Bukowski. Sabe diós que bebería meados de gato si éstos estuviesen dentro de una botella de cerveza. Grande Hank. Este trago va por tí.
Dylan Thomas, capaz de tragarse dieciocho whiskys uno tras otro en una sucia habitación del neoyorquino hotel Chelsea.
Oscar Wilde. El tercer ojo en la mente del poeta que escribió El Retrato de Dorian Gray bien podría haber estado influenciado por chupitos de "hada verde"(entre otros líquidos). La absenta fue la musa de otros viejos conocidos escritores del siglo XVIII y XIX (Victor Hugo, Rimbaud...). A grandes males, grandes remedios.
Norman Mailer, Anne Sexton, Sinclair Lewis, Jack London, James Baldwin, Brendan Behan, Capote, John Steimbeck ... fueron otros de los innumerables, estupendos y legendarios escritores que gustaban de empinar el codo (Nota: los abajo citados también bebían, faltaría más.)

- RESINAS Y OTRAS FINAS HIERBAS:

William Shakespeare se drogaba habitualmente con cánabis, o eso cuentan los antropólogos. Ahora entiendo a qué se refería cuando aquello de "mi reino por un caballo..."
Quien también se dedicaban a fumar hachís fueron Arthur Rimbaud y Charles Baudelaire, que se pasaban el canuto el uno al otro en sus reuniones parisinas (la pipa de opio también). Este último dejó impresa su psicoactividad en sus Paraisos Artificiales (Las Flores del Mal abriría el camino).
Uno de los novelistas americanos más celebrados de la actualidad, Thomas Pynchon, también se lía porros (cómo para no hacerlo!, con lo ricos que están); como lo hacían Jack Kerouac (mezclándolo con benzedrina y alcohol), Burroughs, que aunque lo suyo era el jako, usaba la maría para corregir textos y tantos otros pícaros como Hunter S. Thompson que dejarían a Shakespeare en un simple aprendiz.

- COCAÍNA, ANFETAMÍNA, MESCALÍNA... y demás VITAMINA(S)

Stephen King fue durante una buena temporada el gran cliente que todo trapichero de farla desearía tener. Su inspiración (nunca mejor dicho) y el escandaloso ritmo de trabajo que imprimió a su máquina de escribir durante los 80, no serían lo mismo sin la gasolina super proveniente de la selva colombiana. Tan ciego iba de polvo blanco que olvidó haber escrito uno de sus libros.
Robert Louis Stevenson relató el esencial El Extraño caso del doctor Jekyll y el señor Hyde encocado hasta las cejas, y en un periquete.
Ken Kesey vislumbró Alguien voló sobre el nido del cuco bajo el efecto de la mescalina (ácidos y hachís alternaban sus 'otros viajes'), Al igual que Antonin Artaud y otros ilustres, gustaba de este pequeño cactus; el peyote tradicionalmente se consumía por vía oral, masticado o en infusiones.
Otro que gustaba de tener la conciencia alterada por la mescalina (con otras sustancias eufóricas como las anfetaminas) fue Jean-Paul Sartre. En La Náusea encontramos evidencias de que no pasaría un control antidopaje.
Tennessee Williams. El escritor de La noche de la Iguana también fue otro de los grandes aficionados a tragar anfetas y demás productos barbitúricos embotados.

TRIPIS, ÁCIDOS Y DEMÁS PASTILLAS CHUNGAS

A Phillip K. Dick -el gurú de la Sci-fic más paranóica- no le recetaban pastillas para la tós, a él le iba la semoxidrina. Anfetas que engullía en la cuarta dimensión. El tío era un pasote, con un 'coco' extraterrestre.
Allen Ginsberg. La lectura extrasensorial de su seminal obra "Aullido", además de maravillosa, ya es suficiente droga en sí misma. No me van los viajes de LSD pero sí los escritores bajo su efecto.
Con Aldous Huxley más de lo mismo. El autor de Un mundo feliz tenía experiencia en 'paraísos artificiales', y la mística y lo parapsicológico de su anárquica prosa no se la enseñaron en Oxford.

EN TRANCE DE OPIO

Samuel Taylor Coleridge escribió puesto de caballo su poema Kubila Kahn. No sería ni el primer ni el último artista de las letras que clavaría una aguja hipodérmica en su cuerpo para iluminarse.
La camarilla de Lord Byron, importante poeta romanticista (muerto de malaria en 1824) que montaba unos fiestones de cuidado, también es conocida por su adicción a la heroína. Mary Shelley, que creó el mito Frankenstein tras una noche opiácea, o el malvado John W. Polidori, que en 1821 se suicidaría con cianuro (¡el colocón definitivo!), eran todos coleguillas de trabajo. A buen seguro que le 'pillaban' al mismo camello victoriano.
Thomas de Quincey deja claro en Confesiones, que un chute de morfina sigue siendo el rey de los subidones.
Otra "Mujercita" como Louisa May Alcott (1832-1888) también jugueteó con la flor de loto, mandrágora o conocida planta dormidera.
Gregory Corso fue otro de los grandes poetas norteamericanos de todos los tiempos, al que siguen sin reconocerle lo suficiente. De todo el grupo de la beat generation era el que más gustaba de fumar esa sustancia ancestral.
Jean Cocteau es otro de los famosos fumadores de amapola dormidera. El gran dramaturgo (entre otras muchas facetas en las que sobresale) francés reconoció su adicción a esta diabólica droga en 1929.
El neoyorquino Jim Carroll no podía faltar a la cita. De su trágica pérdida -y de sus adicciones- ya nos hicimos eco en su día. Además de escritor junkie era un rockero en toda regla. Tuvo un buen maestro en su paisano Burroughs (como tantos otros aspirantes a poetas de N.Y. -Lou Reed p.ej.-) nuestro siguiente y último invitado de la lista de drogoliteratura.
William S. Burroughs. Otro escritor tumbero al que todo el mundo sitúa por encima del resto cuando de escritores heroinómanos y drogadictos hablamos. Y se merece tal trono: por longevidad, tesón y productividad. Si alguien tenía el secreto de la dósis justa en el momento preciso, ese era él. Pillín...

Y PARA TERMINAR, TODA UNA FARMACIA AMBULANTE: HUNTER S. THOMPSON (link)

El gran búfalo rumiante las probó todas, eso seguro. Miedo y asco para quien intente seguir su ritmo. El periodista y escritor gonzo era a las drogas lo que el monstruo Triki a las galletas. Al final todavía le quedaban algunas neuronas para pegarse un tiro (figurado y literalmente).
Y hasta aquí nuestro particular viaje por el mundo de las letras y las drogas. No olviden mineralizarse y vitaminalizarse también. (y léanse un libro ¡coño!)

KILLING BONO (Nick Hamm, 2011). Biopic cafre de "serie B"

2011-07-29T16:04:00.000-07:00

U2 tienen grandes canciones (me quedo con la versión que hacen de la dylaniana "All Allong the watchtower") y no seré yo desde aquí quien reste mérito alguno a su música, aunque personalmente no me atraigan en absoluto. Pero esta no es una peli sobre el grupo irlandés ni sobre su lider Bono (decir que los fans del cantante no saldrán desilusionados con el retrato de su ídolo), y aunque lo fuese, no me huviese echado atrás su visionado, ya que estamos hablando de una producción británica y hoy en día el cine proveniente de las islas es de alta calidad, además si prometen rock and roll en su guión (en una época en que la música británica reinaba en el mundo)... Y menuda sorpresa me topé. De entrada no tenía ni idea de lo que me iba a encontrar, la sipnósis que leí presentaba a dos hermanos protagonistas que formaban una banda al mismo tiempo que su compañero y amigo del colegio Bono formaba la suya, resumiendo, una clásica (tragi)comedia en la que unos triunfan y otros pierden la chaveta ajenos a la realidad. Dudaba en todo momento (y todavía sigo dudando) si los desternillantes e increibles hechos narrados por Nick Hamm en su película hubiesen ocurrido de verdad. Porque así parece ser. Al final de la cinta compruebo pasmado que todo lo que acabo de ver está basado en hechos reales, que los supuestos hermanos McCormick son tan mortales como los nombres de las bandas, canciones y vídeos músicales que aparecen en el film (no te pierdas sus pintas, fotografías y ¡bailes! en los créditos finales) y que todas las desventuras y locuras que les ocurrieron bien pudieron ser ciertas, de ser así son puro Spinal Tap. Increible. Todo lo que acabo de ver cobra entónces el doble de valor. Me quedo pensando en la cantidad de historias fascinantes y disparatadas, que como ésta, deben existir por el mundo adelante, en el filón de biopics cochambrosos sobre "perdedores entrañables" que esperan en papel para ser contados. Porque semejante historia, como era de esperar, proviene del puño y letra de uno de los hermanos (KILLING BONO. Neil McCormick), una autobiografía que con gusto leería de tener acceso a un ejemplar en castellano. Lo dicho, una agradable sorpresa. La peli no es la polla pero cumple en su misión de entretener... y rockear (ni que decir que la música responde). Por último reseñar que este sería el definitivo título en la carrera del tristemente desaparecido actor Pete Postlethwait; en una secuencia que resultaría póstuma le vemos despedirse de los hermanos protagonistas, en lo que acaba siendo un lindo y emotivo adiós en toda regla a la vida misma y al cine.

PEQUEÑO CATÁLOGO PORTÁTIL DEL MEJOR CINE FANTÁSTICO ITALIANO.

2011-07-26T16:53:00.000-07:00

Comenzamos a repasar a tumba abierta los títulos de horror y fantasía más putrefactos del cine de género facturado allende los Alpes. Montañas de cinefágia de la mano de maestros del grémio como Bava, Argento o Freda, que nos harán transitar por los senderos del mejor giallo, el horror gótico, futuros post-apocalípticos de cartón piedra, el cine fumetti y demás barbaridades exploitation que tan bien y tan abundantemente nos sirvieron nuestros vecinos romanos. Un festín de cine mutante "al dente", cocinado a fuego lento, eso sí con mucha salsa de tomate, listo para ser devorado. En pequeñas dosis degustaremos los más suculentos platos de un menú rico en sexo, gritos, delirios, maldiciones, mordiscos, tripas, brujas góticas, erotismo de fotonovela, psicodélia pop, gore ultrarealista, humor de ultratumba, aventuras exóticas y demás sin fin de graznidos tóxicos más populares del cine genérico italiano. De partida empezaremos por tres clásicos que sin duda harán las delicias de los más refinados paladares. Disfrutenlos. -LA MÁSCARA DEL DEMONIO (LA MASCHERA DEL DEMONIO. Mario Bava, 1960) Auténtica poesía necromántica. Su protagonista Barbara Steele se convertiría en mito del cine de terror europeo, y su director Mario Bava sembraría los pilares de su leyenda con este debut inspirado en la Hammer (basándose en el relato El Viyi de 1835 de Nikolai Gogol) -que no imitado- sabiendo añadir con maestría detalles estéticos y argumentales de cosecha propia que serían constantes en toda su obra. Nacía así el cine de horror gótico italiano. Un mundo ambientado en castillos y viejos caserones, con cientos de fantasmas vengativos y personajes enloquecidos entre planos de candelabros, telarañas, artilugios de tortura y demás efectos de guión. La Máscara del demonio es a todas luces -pese a estar repleta de sombras (hay que felicitar que esté filmada en glorioso blanco y negro)- una obra maestra del género. La trama: Dos siglos después de que una mujer sea ajusticiada por bruja, retorna a la vida luego de que su momia sea encontrada por el profesor Kruvajan (Andrea Checchi) y el doctor André Gorobec (John Richardson) cuando ambos atraviesan un bosque durante su viaje. El comienzo de la peli posee la fuerza y la emoción del buen cine. Todavía hoy se me eriza la piel. Es un claro ejemplo de lo que debe ser el arte cinematográfico, y a la postre un fiel reflejo del particular quehacer de estos artesanos italianos de postín. SUSPIRIA (SUSPIRIA. Dario Argento, 1977) C. 89m.- En la academia de ballet de Friburgo, donde ha llegado la norteamericana Suzy Banyon (una estupenda Jessica Harper) para perfeccionar su técnica de baile, ocurren una larga serie de asesinatos y extraños sucesos. Así arranca el film con el que el genial Argento -cum laude en tijerazos y cuchillazos- se propuso romper con su antigua línea. Un nuevo giallo de colores chillones, un film con una atmósfera audiovisual truculenta (la banda sonora juega una baza importantísima) que hará entrar en pánico a fans de medio mundo, mucho más de lo que lo lograron sus anteriores films. Habrían más cambios en su forma de hacer -en sus tenebrosos thrillers- en el futuro (los "nuevos Argentos" será material de estudio en venideros episodios), pero prestos en Suspiria decir que a su manera se trata de otro fantasmagórico cuento de brujas, como los que solía hacer el maestro Bava pero más sofisticado. Aún así no hay que restarle mérito alguno a las innovaciones estilísticas del film de Argento. Un director inenudible cuando de cine italiano de género hablamos. Del film poco más que añadir que no se haya dicho ya. Puro giallo italiano. AQUELLA CASA AL LADO DE LA COLINA (QUELLA VILLA ACCANTO AL CIMITERO. Lucio Fulci, 1981).- El director italiano Lucio Fulci es un camaleón que dirige, guioniza y produce cualquier tipo de género o subgénero sabiéndose adaptar a cada moda del momento. Así se ha labrado un nombre en el cine de terror, variante gore a ser posible, gracias a sus asesinos en serie (Angustia de Silencio, El Destripador de Nueva York..), fantasmas endemoniados (Demonia, El más allá...) o a los zombies virulentos (Miedo en la ciudad de los muertos vivientes, Nueva York bajo el terror de los zombies...) que pueblan buena parte de su extensa filmografía. El excesivo ritmo de trabajo y el mejunge de géneros con los que supo lidiar harían de Fulci un viejo zorro, de ahí que algún que otro título de su cine esté lleno de momentos brillantes y de gran calidad. Hoy nos ocupamos del que tal vez sea su film más notorio. En Aquella casa al lado... Fulci se apunta al boom de "casas encantadas" tan en boga por aquel entónces (no por casualidad, el cartel publicitario de la película se parece descaradamente a la figura de Nicholson en El Resplandor) y como era de esperar riega todo el conjunto con sangre en abundancia, lo que haría que goremaníacos de todo el mundo considerasen este título como un clásico del género en el mismo instante en que salían de las salas de cine (la cinta VHS haría el resto). No faltan los ramalazos "lovecraftianos" y el mismísimo Lucio Fulci se atreve con una aparición personal breve, al estilo Hitchcock, toma ya!

LOU REED- ROCK'N'ROLL HEART. Mi semana supera tu año

2011-07-23T15:18:00.000-07:00

-LOU REED: ROCK'N'ROLL HEART (Timothy Greenfield-Sanders). Este premiado documental de 1998 es un pedazo de Historia. De historia del rock, de historia del arte y de historia de la vida. Un retrato cronológico de más de tres décadas a la triunfal (a su manera) carrera del músico neoyorquino. Todo está en su sitio: además de las própias palabras del protagonista del film Lou Reed, uno de los iconos de la música vivos más importantes de la cultura de todos los tiempos, nos hablan de la Velvet, Warhol, el glam, la heroína, la recuperación y demás etapas y nombres própios que se le suponen a un film que trate sobre la vida del rockero eterno, acompañadas de imágenes de archivo y entrevistas a amigos como Bowie, John Cale, Patti Smith, Suzane Vega, David Byrne y Sonic Youth, entre otros (al que sí se hecha en falta es a Iggy Pop), y todo arropando de manera brillante a nuestro personaje, a la Voz del rock, al poeta del rock, el tipo que fue punk antes de acuñarse tal término, el génio que escribió sinfonías como Heroin o Walk on the wild side, el ex capo Underground que inspiró a punks, alternativos, y demás trobadores urbanitas, el egocéntrico, insoportable, antisocial... y todo lo que ustedes quieran, con todo hacen de este documental un alto inenudible para todo aficionado que presuma de gustarle el rock & roll. Quien piense que Lou Reed no merece el desaforado alegato de "Imprescindible del Rock" que le rendímos desde estas páginas de AtumbaAbierta, debería de empezar por echarle un vistazo al asunto...Si todavía reniega no dude usted en volver a sus inclinaciones musicales de turno, queda usted excomulgado por hereje del rock. (PD: Si eres de los que creen que solo nos quedan las palabras... éste es uno de tus Hombres)

MONIQUE VAN DE VEN... DELICIA HOLANDESA

2011-07-20T15:58:00.000-07:00

La holandesa errante es una mujer atómica en toda regla. Hoy casi nadie se acuerda de la impresionante e irresistible actriz que saltara a la fama tras aquel exitoso y premiado film erótico de Paul Verhoeven, DELICIAS TURCAS (Turks Fruit, 1973); el director de Los Señores del Acero también la requirió para otra película suya: Keetje Tippel (1975), un drama de época con Monique explotando todo su poder sexual en pantalla (no en vano el argumento adapta las memorias de una prostituta del siglo XIX). Ambos films, que gozaron de cierto prestigio crítico en su momento, por ratos tan escandalosos como aburridos, encierran sus mayores aciertos (dejemos a un lado la calidad fotográfica... que la tiene) en la presencia y el protagonismo de la siempre excitante y magnética Monique Van de Ven. Sin salir de su país rueda indiscriminadamente y a todo trapo films de toda índole, pero sería en 1986 cuando volviese a sonar su nombre gracias al drama bélico El Asalto (De Aanslag, Fons Rademakers), una cinta muy considerable que pasó desapercibida entre nosotros pese a obtener el Oscar al mejor film extranjero. Al año siguiente participa en el thriller de acción AMSTERDAMNED, MISTERIO EN LOS CANALES, del director holandés Dick Maas (El Ascensor; The Lift, 1983). Un film servido con descaro, e imaginación (un asesino operando desde los canales de Amsterdam), apoyado en varios géneros (sin escrúpulo alguno), y que a la postre resulta divertido siempre y cuando sepa interpretarse debidamente. Y aquí le perdí la pista a la potente Monique. Parece ser que al final consiguió entrar en el Hollywood más B (Píntalo de Negro; Paint it Black, de Tim Hunter 1992) y seguir trabajando en devaluadas producciones fantaterroríficas holandesas de cine (La Secta del Mal, 1992) o TV., para con la entrada del nuevo siglo terminar dirigiendo sus propias películas (Zomerhitter, 2008). Incluso el paso del tiempo parece no haber hecho mella en la bella actriz. Nosotros queremos recordarla como lo que fue y como lo que todavía es. Una delícia -holandesa- de mujer, un bombazo de hembra. Actrices como Van Monique (acentúese mucho, y eroticamente, la "i") serán siempre bienvenidas en esta casa.

DESDE LAS ANTÍPODAS: NAVIGATOR Y WALKABOUT, DOS FILMS FANTÁSTICOS Y EXTRAÑOS

2011-07-17T17:45:00.000-07:00

Continuamos nuestro particular viaje iniciático-fanático por el celuloide del distante continente australiano, Oceanía para ser más exactos. La primera referencia, NAVIGATOR, UNA ODISEA EN EL TIEMPO (Navigator: a medieval odissey, 1988) del neozelandés Vincent Ward ("Mas allá de los sueños", 1988), puede encontrarse en las estanterías dedicadas al cine fantástico, dado que el niño dotado de poderes extraños que la protagoniza capitaneará un viaje en el tiempo para buscar la solución al caos que provoca la peste negra en su aldea. Amén de un film de aventuras medievales por el fin del mundo, en toda regla. La sugestiva historia, o mejor dicho fábula, que nos presenta Ward, tiene su mejor baza en la extraña correspondencia entre las épocas/contextos reflejados: la gran urbe de nuestro tiempo, en color, pero en color ocre, y un medievo en blanco y negro, cruce entre Bergman y Dreyer tanto como el Macbeth de Welles. La estética demasiado "esteticista" del film, los ramalazos místicos de su guión, el hecho de ser una producción de muy bajo presupuesto... a final jugaron en su favor y acabaría gustando a cierta gente en todo el mundo. Y no es de extrañar. Estamos ante una cinta sencillamente excelente, que nos cuenta en tono de epopeya una historia bella y emotiva. Resaltar la enorme fotografía de Geoffrey Simpson (obtuvo premios por élla; también el director y la película mísma), para un título que ya es referencia de todo buen aficionado al cine de culto... y diversión. WALKABOUT (Nicholas Roeg; Australia-1971). M.: John Barry. I.: Jenny Agutter, Lucien John, David Gulpili y John Meillon. Extrañísisma película -para no ser menos en este bloque de cine aussie- pero no por ello harto recomendable. En primer lugar extraña que fuese el "extraño" realizador inglés Nicholas Roeg (responsable de "raros" films de culto como Perfomance, Amenaza en la sombra, The Man who feel the Earth....) quien dirigiese esta producción en tierras de Australia. Acostumbrado a fotografiar personalmente sus films (campo en el que goza de una merecida reputación) Walkabout resultaría otro de sus personales experimentos fílmicos; desapercividos, eso sí, como la gran mayoría de "films de autor" reducidos al limbo de nuestras salas de arte y ensallo. Una historia que no necesita de diálogos que la enturbien, interpretada por actores no profesionales -o simplemente desconocidos-, y que funciona a la perfección dentro de los parámetros del cine con mensaje que se hacía en los 70. En esta singular e hipnótica película asistimos al devenir de una pareja de desamparados hermanos (una chiquilla y su hermano pequeño) que cruzando el desierto pierden a su progenitor en un accidente de coche. Deberán sobrevivir al abrasador y salvaje entorno integrándose en una tribu de aborígenes australianos. Donde menos te lo esperas surge una película que te engancha desde los títulos de crédito. Cine documentado. Otro claro ejemplo de lo bien que se hacen las cosas allende los mares. Diversidad desde las antípodas.

BUBBA HO-TEP. La maldición de Elvis

2011-07-14T16:46:00.000-07:00

BUBBA HO-TEP (2002). Escrita y rodada por Don Coscarelli, aquel que tan grato recuerdo dejara con Phantasma y El Señor de las Bestias e interpretada por el venido a menos Bruce Campbell el mismo de la saga Evil Dead, que deslumbra en lo que tal vez sea el mejor papel de su carrera personificando a Elvis Presley en sus ultimos años de vida (jugando con la leyenda de que El Rey sigue vivo) en una película divertidísima y con un claro tufo al mejor cine fantástico de los 80. No es una cinta de terror al uso. Coscarelli se sale de madre y, en una historia impensada pero genial, alejada de la clásica trama a la que nos tiene acostumbrado el género, realiza la mejor reposición de Elvis que un servidor haya visto en mucho tiempo (bueno.. el viejete se cree Elvis y un compañero de color dice ser el ex presidente Kennedy). Sumenle momias egipcias y maldiciones de geriátrico y ya tenemos una grata sorpresa en forma de film. Excéntrica, imaginativa y a ratos desternillante. Una película de culto para todo el que sepa apreciar el buen cine. A mí me ha dejado una duradera sonrisa... y espero que a ustedes les suceda lo mismo. Yo ya estoy esperando Curse of the She-Vampires la supuesta saga con Bubba Nosferatu ¡¡toma ya!!

BOSTON STYLE: Rock&Roll de rechupete en tu dial

2011-07-11T14:29:00.000-07:00

El más dicharachero y aditivo rock&roll de guitarras y melodías azucaradas que te puedas encontrar en un mismo lugar tenía su sede en la ciudad y aledaños de Boston, Massachusetts. Cuna de dinosáuricas bandas de éxito como Boston o Aerosmith (The Cars en menor medida), la ciudad atlántica vió nacer además a grupos tan importantes de la escena indie (o alternativa) como Pixies, Lemonheads, Galaxie 500 o Mission Of Burma; por no hablar de la importante colonia hardcore (Dead Before Dishonour) o punk (los impresionantes y elegantes Mighty Mighty Bosstones). Pero si por algo es reconocida la ciudad estudiantil (tanto joven suelto explicaría tanta actividad y estilo musical) es debido a su efervescente y própera escena underground. A continuación repasaremos unos cuantos cartuchos de dinamita rockera de la buena. Si queréis aprobar la asignatura de Clásicos enérgicos estilo Boston prestad atención a los nombres y canciones de esta apresurada lista. No se arrepentirán...

SULFURADO, GLICERINO Y NÍTRICO ROCK BOSTONIANO

NERVOUS EATERS. Mis favoritos del lote. No tienen nada de especial, no son grandes intérpretes... pero sus riffs son todo rock and roll, sucios y pegajosos. El poco reconocimiento mientras duraron como banda (77-81; luego retornarían) lo encontrarían en un periodista que los tildaría como los Rolling Stones de Boston. Nada más acertado por aquella época. Si a eso le añadimos que Steve Cataldo(voz y guitarra) y sus compinches se tomaban más en serio -y con más humildad- el verdadero significado del rock'n'roll que los citados estrellas de cartel. Escucha detonaciones como "Just Head", "Loretta" o "After your good times gone"... y ya me contaréis.
THE REAL KIDS. Otra seminal banda dentro de este repaso al "sonido Boston". En 1977 facturó uno de los discos debut más completos de la historia del punk rock (titulado como el nombre del grupo). Un Lp en donde no sobra un solo tema, sabiendo reciclar con lucidez el garage 60's y el clásico rock 50's en vibrantes composiciones que explosionarían cualquier pista de baile auténtica. Lógico, teniendo en cuenta que su lider John Felice fue roadie de los Ramones y aprendió el oficio de su vecino y amigo Jonathan Ritchman... (nuestro siguiente personaje)
THE MODERN LOVERS. De la banda del poeta urbano Ritchman hay poco que decir. Su importancia en los 70 queda reflejada en su primer lanzamiento discográfico (The Modern Lovers, 1971). Más cerca de la Velvet que de los Pistols (que versionarían su clásico "Roadrunner") influenciaron a posteriores proto-punks con su visión poético electrificada del rock and roll. La citada maravilla "Roadrunner", la solemne "Modern World" o la intensa y emotiva "I'm Straight" (incluida posteriormente en el bonus track) son mis temas preferidos.
DMZ. Los más garrulos y lisérgicos de la lista. Pura anfetamina endiablada que te lleva a un estado de euforia musical dificil de superar. Si no sudas con su adrenalítico rock'n'roll es que estás oxidado. Éstos, y ningún otro, son los padrinos del punk de Boston. De sus cenizas saldrían los seminales garageros The Lyres, con lo que está todo dicho. Otra vez un disco debut (DMZ, 1978. Sire), en el que todo son clásicos (Border Line, Idy Mighty, Baby Boom, Bad Attitude...). ¡Viva el rock'n'roll!!
THE CUSTOMS. De corte similar a Nervous Eaters, su discografía (al menos para mí) es dificil de encontrar. Descubrir un corte del valor de "Long Gone" es motivo suficiente para no perder la esperanza. Una banda a reivindicar.
MUCK AND THE MIRES. Más garage rock de calidad...
THE REMAINS. No triunfaron en su momento (los 60) pero hoy son una banda de culto entre la gran familia de aficionados al mover el flequillo. Suenan como si Bo Diddley tocara en los Beatles. Nuggets en toda regla. Yo tengo su disco de 1966 ¿Cúal tienes tú?
BARRENCE WHITFIELD AND THE SAVAGES. Otra pieza clave de la escena rockera bostoniana (aunque nació en Florida). Su talento está ligado al de músicos como Don Covay, Tina Turner, Solomon Burke... y a principios de los 80 se daría a conocer como un disco de covers poseído por el alma oscura de Little Richards (ídem, 1984). Todavía continúa predicando para deleite de sus fans. Y que sea por demasiado tiempo.
THE BARBARIANS. Otros colegas del "Susie Q". Sandalias y greñas andrajosas que parirían golosinas como "Are you a boy or are you a girl"(Lp, 1966).
THE WOODOO DOLLS; THE QUEERS; ATLANTICS; DOWNBEAT 5; LITTLE JOE COOK AND THE THRILLERS; B BUMBLE AND THE STINGERS; FREDDY CANNON; THE OTHER GIRLS..... Suficiente nitroglicerina como para volar un tren!!!!

EL PAPUS, ANATOMÍA DE UN ATENTADO.

2011-07-08T17:17:00.000-07:00

Documental facturado por David Fernandez de Castro, hijo de uno de los redactores de la desaparecida (mejor dicho "aniquilada") revista satírica española EL PAPUS (publicada de 1973 a 1986). Su padre Javier, al igual que el resto de sus antiguos camaradas de profesión (e idéas) que salen en este documental y que aquella tarde salvaron sus vidas de milagro en un despiadado ataque ultraderechista con paquete bomba (murió el conserje del edificio) a las oficinas de la revista en Barcelona, rememoran aquellos días de transición democrática en nuestro dividido país. Pudo haber sido una masacre. Figúrense cómo estaría el percal que 33 años después de aquel atentado fascista los culpables todavía siguen justificando y vanagloriandose de sus cobardes acciones. Después de SUFRIR denuncias (todos los días estaban citados en los juzgados), secuestros de números de revistas, amenazas, agresiones, acosos, multas, cierres (la más larga duró 4 meses) y demás putadas, después de que por fín en España se instalara la Democracia... todavía hoy les son negados sus derechos de justícia. Caso finiquitado. Tema tabú. Franco dejó todo atado y bien atado. Sabía lo que se hacía el muy cabrón. El poder que todavía tienen esos enmascarados franquistas en las instituciones (militares, políticas, judiciales y eclesiásticas) está a la orden del día (les diría que leyesen los periódicos, la gran mayoría "subvencionados" por uno u otro bando...) y queda claramente de manifiesto en este interesante documento filmico. Lo que querían con esta acción (y a la postre consiguieron), fue dar un aviso: 'cuidado con lo que dices', 'cuidadín con lo que piensas', 'con la iglesia no te metas', 'olvidáos de la libertad de expresión'..., en definitiva, un claro 'aquí mandamos nosotros'. .-A día de hoy no volveríamos a tener en nuestros quioscos una revista tan canalla y crítica como EL PAPUS (y mucho menos con una tirada de 300.000 ejemplares y unos 800.000 lectores por semana; aunque yo diría que estos últimos datos había que tripicarlos, pues dado que al igual que yo, mocosos lectores descubrirían clandestinamente su bizarro contenido (su famosa "papunovela" era la más buscada entre los cajones del armario de nuestros hermanos o parientes). Y lo que es peor, no volveremos a ver cosa igual. La provocativa revista, independiente e insobornable, que se autodenominaba Satírica y Neurastenica (el "dolor de cabeza" de los intelectuales), ya desde su naif portada nos presentaba su razón de ser: 'O te tomas todo con humor... o bien jodido vas'. Lógico que molestase a más de uno (Y lógico que se radicalizara todavía más después del atentado). Que la Derecha carece de sentido del humor queda patente en los chistes del señor Rajoy (todavía más patente en las tertulias de ultraderechistas y fachas en teles como Intereconoputa) y no hay más que ver la poca gracia y simpatía que generan rostros, muy serios pero que muy serios, como los del sotana Rouco Varela. Reirse de, y combatir a esta gentuza de la manera (peligrosa) en que lo han hecho los redactores y dibujantes del Papus, será siempre un hecho a recordar y tener en cuenta. Otro punto negro o suceso oscuro en nuestra corta historia democrática (de los muchos que quedan por aclarar/denunciar/descubrir), que muy pocos conocen (o han olvidado, lo cual es peor) y que tan necesarios son de contar... Y el formato documental es un método tan bueno como como cualquier otro. Eso sí, si no te callan la boca como al juez ése...

MAGGIORATTE ITALIANA: LA REBELIÓN DE LOS ESCOTES SIN FONDO (II)

2011-07-05T16:57:00.000-07:00

En esta segunda entrega de Escotes Atómicos presentamos ¡pasta gansa de verdad! Morenazas transalpinas que dejaron boquiabierto al personal y fueron la excitación de medio mundo. Hembras dotadas de protuberancias escandalosas y radioactivas, dispuestas a ahogarnos en un mar de morbo. La nutrida cantera italiana, además de cantidad, ofrece calidad. Aquí van unos cuantos ejemplos, empezando el repaso por la Reina Mayor: la "Divina" Sophia Loren... ¡¡Che donna, Mamma Mia!!

SOPHIA LOREN

Genuino producto de la mejor huerta romana. Entre el "amor, tetas y pan" de la comedia (tardo)neorrealista que la vió crecer, daría el salto a Beverly Hills reajustando prudencialmente su nivel de flotación pectoral, no fuera que la acusaran de basta. Pero figúrense como estaría de bien dotada la Loren.. que incluso "aplanada" siguió obstentando su estatus de voluptuosa hembra de ensueño. Aún así, sus fans primigenios y más calientes no se lo perdonarían nunca jamás.

GINA LOLLOBRIGIDA

Surgida de la misma e inagotable cantera del país de la pizza -ya saben, de la escuela "pan, amor y tetas" (el orden da lo mismo)- a Gina no le hizo falta pasar por el quirófano para que el Sol de Los Ángeles no le secara las encimas; tenía la talla perfecta para entrar en Hollywood sin escandalizar. Dedicada a deleitarnos con las más variopintas combinaciones tengan por seguro que Gina arruinaría la luna de miel de cualquier lagarto tumbero. Otro sex-simbolito escotado de lo más atractivo.

CLAUDIA CARDINALE

No encuentro adjetivos para resaltar la figura de semejante mujer. Deberían nombrarla la Octava Maravilla de la Creación, la Madre de todas las madres, sólo así se haría justicia. Apoteósica en todos los sentidos. El día que la ví por primera vez en aquella grandiosa película "Hasta que llegó su hora"(Sergio Leone, 1968), me enamoré locamente de élla. Lo que daría por ser Jason Robards y haber sido yo el que le daba aquel cariñoso cachete en su ponderoso trasero. Cosa que a la Señora Cardinale, por cierto, no pareció importarle demasiado. (¿Quién se hubiera resistido?)

SYLVANA MANGANO

A Miss Roma la cazó el poderoso productor Dino De Laurentiis (otro que tuvo suerte fue Don Marcelomastroniani, que estaba en todas el muy pillín) después de haber sido protagonista en numerosos títulos clave del cine italiano (Muerte en Venecia, Arroz Amargo...). Qué mejor orgullo para el Obrero del Pueblo, que ver a sus mujeres trabajar de semejante manera la tierra: Faldas remangadas hasta los muslos, sudando al Sol del Mediterráneo.. una estampa que hace hervir la sangre a cualquiera.

MONICA BELLUCCI

La penúltima deidad de las morenazas italianas (Luciana Pozzi juega en otra liga, que conste). La perpetuidad de los génes. Sí señor. Imponente, le va la marcha y se atreve con todo: chupasangres, dóbermans y lo que haga falta. Para mí siempre será Malena (Guiseppe Tornatore, 2000), cosa hermosa y la envídia de todas las mujeres.

OTRAS VECINAS DEL VATICANO

(Por orden fotográfica:) -Las tintobrasianas FRANCESCA DELLERA y CINZIA ROCCAFORTE (esta última la más "desvergonzada" de todas), una clásica como ORNELIA MUTTI (¡faltaría más!) o la superwoman LUCIANA PALUZZI, son muestras palpables (¡ya nos gustaría!) de que la pasta italiana alimenta de lo lindo. Relíquias como Anna Magnani (Burt Lancaster no fue el único en caer rendido ante sus rusticos encantos), por citar alguna que otra, sin contar las innumerables "actrices giallo" (mención especial para Asia Argento) -de las que nos ocuparemos a su debido tiempo en un dossier de cine fantástico italiano que está por llegar- (no mencionemos aquí, las diosasXXX del capo Mario Salieri...) , son algunas de las muchas escotadas galacticas de renombre que ha exportado la extensa y rica filmoteca del país vecino. Pero permítanme despedirme con una debilidad. Llámenle un extra. Una dolce mujer, que a pesar de no tener sangre latina, merece a toda pompa una mención especial. Hablo de ANITA EKBERG. Exquisita. Impactante, sin más. Un torrente de erotismo. Admitámoslo: lo de la Fontana de Trevi (y el buen gusto de Fellini por hembras de pectorales atómicos) es para hacer perder el sentido a cualquiera. Vestida de negro, Anita sería algo así como la Walkiria mitológica que surgió del frio (y de una valla publicitaria) para senbrar el pánico entre todos los frustrados sexuales, habidos y por haber. ¡¡Viva la madre que parió a todas ellas!!

SE NOS FUERON. (OBITUARIO: Cornell Dupree, Scott Columbus y Poly Styrene)

2011-07-02T14:41:00.000-07:00

CORNELL DUPREE (1942-2011). -Aunque al oyente medio no le llegue a sonar su nombre (mucho menos a los niñatos paladines de la moda) Cornell Dupree es un GRANDE de la música negra, y por ende de la historia sónica mundial. Virtuoso guitarrista, participó en más de 2000 grabaciones prestando sus servicios a los mejores artistas, sabedores de sus excelencias musicales: tan dispares como Aretha Franklin, Jimi Hendrix, Paul Simon, Ringo Star, Harry Belafonte, Roberta Flack, Joe Cocker, Etta James...( hay que decir que también se dejó engatusar por estrellas u oportunistas de cada momento: Michael Bolton, Barbara Streisand...). El de Fort Worth, Texas, era una autoridad en todo lo que oliese a rhythm & blues (con King Curtis debutaría en una banda), soul (con el cantante Brook Benton grabaría su exitoso "Rainy Night in Georgia"; con Aretha estuvo 10 años, participando en tremendos discazos como "Amazing Grace" o "Live at Fillmore West"), jazz-funk (publicó 8 discos con la influyente banda neoyorquina Stuff) y demás estilos en los que un músico de color se siente como pez en el agua. Creció con una Fender Telecaster bajo el brazo y para él no había secreto ni emoción que no pudiese transmitir con su instrumento. Un efisema a los 68 años se llevó a otra leyenda del blues. Descanse en paz. SCOTT COLUMBUS (1956-2011). -El 4 de Abril moría por causas desconocidas el ex batería de la banda neoyorquina de heavy metal Manowar. El guitarrista y amigo Ross The Boss (Dictators) fue quien dio la triste noticia en un corto comunicado en su página web. Columbus había estado girando como invitado en la banda de The Boss en su gira del verano pasado por USA y Europa. En esa gira introducían una parte con temas clásicos del primer disco de Manowar, Battle Hymns, y no deja de parecerme curioso porque ése es el único Lp en el que el rítmico y fornido batería no participó. Estuvo en la banda desde 1983 a 1991 (ni decir que la mejor época) y junto al citado Boss, Eric Adams (voz) y el zumbante bajista Joey DeMaio formarían el núcleo clásico de la banda. Su muerte me ha hecho recordar aquellas tardes de crío escuchando el "Fighting the World" a todo volumen, coreando Carry on con los colegas y demostrando a los demás zombis paletos del pueblo lo duros y chulescos que podíamos ser. Hoy, más canoso y cansado, pincho el viejo vinilo "Sign of the Hammer" -mi disco preferido y el más "roquero"de toda su discografía-, y surcos como Animals me suenan profundos y nostálgicos. Confirman que los grandes temas, y la gente que los ha hecho posibles, me acompañaran por el resto de mis días. Son mis recuerdos y moriré con ellos. Y ningún sabelotodo, crítico musical, o Dj garagero de renombre podrá quitarmelos. POLY STYRENE (1957- 2011). -Pese a que se inició en el reggae utilizando el seudónimo de Mari Elliot, lo suyo era el punk. A los 18 formó la banda que le llevaría a ser considerada uno de los grandes iconos del punk británico, el grupo X Ray Spex (había otra chica en la banda, la saxofinista Lora Logic). La fama resultó ser efímera. Lanzaron un solo Lp, Germ Free Adolescents (EMI, 1978), pero suficiente para recordarnos la energía, creatividad y desvergüenza que imperaba en el rock de aquella época. La generación vacía echará de menos chicas punk como la alegre Poly, empujando una banda de sonido dislocado y contenidos radicales. El himno alocadamente feminista "Oh bondage up yours" es pieza punk imprescindible.

LA FORJA DE UNA BANDA: "OIL CITY CONFIDENTIAL" (Dr. Feelgood)

2011-06-30T17:38:00.000-07:00

¡¡Ya era hora, coño!! Faltaba el más que necesario y merecido documento visual sobre una de las bandas capitales del rock&roll más enérgico y contagioso que haya parido madre y, mire usted por dónde, ya está aquí. Y todo por cortesía del amigo Julien Temple, que con sus últimos y fenomenales documentales (el de Joe Strummer, los varios de los Pistols, Glastombury...) demuestra un gusto y un arte digno de elogio. Sin duda las generaciones venideras tendrán mucho que aprender estudiando la indispensable (radio)filmografía de este enamorado del punk, rock, new age, y demás sonidos urbanos originados en la ferviente Inglaterra de finales del siglo XX. Quien si no, mejor que Temple, para rendir homenage a Dr. Feelgood de manera primorosa. Temple no se posiciona. No hace falta. Los hechos y el grupo hablan por sí solos. Nunca antes se había visto un grupo tan diferente y totalmente fuera de onda. Eran tiempos de hippies, psicodélicos, poperos (y luego grupos glam) y ellos parecían cuatro tipos que habían atracado un banco la misma noche de dar un concierto. Pateando culos. Solo con la actitud y carisma de grupos así, se puede llegar a ser tan grande. Lo suyo era R&B venenoso con una energía excitante que hacía enloquecer al público allá donde tocasen (excepto en EE.UU donde no acabaron de entenderles; bueno, arrasaron en NY en un doble bolo con los Ramones.. pero es que NY aunque parece USA es un mundo aparte). Desde Canvey Island -su particular delta del Misissipi-, y tras recorrerse todos los sucios y violentos garitos, clubs, pubs y pistas de patinaje posibles de Londres, los borrachuzos Big Figure(batería) y Sparko (bajo) secundarían a todo trapo al fervoroso armonicista y cantante Lee Brilleaux -que sudaba cerveza y vivía en su traje blanco- y al majareta de Wilco Johnson, el "chico anfetamina", el frenético y electrizante guitarrista y compositor con mirada y ojos de lunático, todos juntos, como colosos, explosionarían encima de los escenarios de medio mundo. En sus mejores años (hasta la "patada en el culo" a Wilco), léase 1975-1976, los Feelgood no tenía rival sobre las tablas (¡¡llegaron a tocar 330 conciertos en un año!!), de eso se encarga el documental y los entrevistados testigos de dejarlo bien claro. No me canso de mirar este pedazo de film. Todo lleno de historias y detalles (¡¡la ex princesita Lady Diana era asidua a sus bolos!!, la santa madre de Lee te deja flipando, las peleas internas, las otras peleas...); y es que además gozamos de Wilco Johnson mascullando palabras y rasgando su Telecaster apagada sin dejar de moverse speedicamente. Un personaje sorprendente (descubrimos facetas suyas inimaginables) con el que es imposible aguantarte las carcajadas. En definitiva, un señor divertido y lúdico documental que nadie en su sano juicio debería perderse.