-LAS ULTIMAS PELICULAS DE LOS GRANDES MAESTROS (2ª Parte)

-STANLEY KUBRICK. "Eyes wide Shut"(99). La última de su vida. El inglés es otro de los grandes. Sobrevalorado en ocasiones, mal enjuiciado en otras, el genio capaz de sacar de quicio al encargado de la claqueta con tanta toma exhalaría su último aliento artístico con este drama fantástico-erótico camuflado de thriller moralista. Las malas lenguas le señalan como el causante de la ruptura sentimental de su famosa pareja de protagonistas, Cruise/Kidman...

-ALFRED HITCHCOCK. "La Trama" (76). Nadie negará el valor y la importancia, pasada y futura, de este regordete y bajito personaje inglés. Sabio a la par que pícaro, nos legaría un catálogo del que nadie en su sano juício dudaría. Un arte (elevado al cubo) de incalculable valor para todos los amantes del cine, sean de la condición que sean. La Trama, rodada tras un parón de 5 años, resultaría a la postre la ultima cinta del desaparecido maestro del suspense. Muchos menosprecian la carrera final de Hitchcock, pero sucede qué, a poco que se le presten un mínimo de atención, titulos como Topaz(69), Frenesí(72) y esta Family Prot(76) resultarían ser films de latente y sustancioso valor artístico.

-ELIA KAZAN. "El Ultimo Magnate" (76). He de confesar que no coincido en nada con las ideologías personales del autor, totalmente opuestas a las mías (la amistad, lealtad..., no parecían ser valores importantes para este director, como quedó evidenciado durante la famosa Caza de Brujas). Este hecho le llevaría a querer justificarse, obsesiva y objetivamente, en cada film que hiciese a lo largo de su carrera. Fue un chivato. Un jodido chivato, sí. Pero también reconozcamos que el tío sabía rodar (aquí demuestra que también, hasta en las últimas, continuaba siendo un excelente director de actores, Mitchum y De Niro en esta ocasión). Y no precisamente por este último film, que dicho séa de paso, puede resultar algo aburrido, sino por titulos como "Viva Zapata!" o "América América" (en el que narra un poco como fue su bizantino viaje huyendo de su Turquía natal para poder llegar a vivir en su "soñada tierra de la libertad"), por citar dos de mis preferidos. Mejor recordarlo por alguno de sus films que por muchos de sus pecados.

-FRITZ LANG. "Los crímenes del Dr. Mabuse" (60). Retorno al personaje del malévolo Dr. Mabuse que en sus lejanos (y sagrados) inícios le lanzara a la fama en el cine mudo. Si alguien no me corrige creo que este es el final del mago nacido en Viena, pues las sagas "indianas" de El Tigre de Esnapur y su continuación La Tumba India (rodadas en su retorno europeo) datan de un año antes, 1959. En todo caso, estas obras de indudable calibre (pese a los críticos) quedarán como un meritorio broche de oro a una magistral carrera como realizador.

-SERGIO LEONE. "Erase una vez en América" (84). El poder de las imágenes. Amo el cine por pélis como ésta. La historia de gangsters es lo de menos. Es el género (o el medio) elegido por el italiano para contarnos una bellísima historia que evoca el paso del tiempo en sus personajes. Sus estragos, sus arrugas, la amistad, el amor, los recuerdos.... Recuerdos que tal vez De Niro imaginó tumbado en aquel fumadero de opio. ¿Fue todo un sueño?... No, no me lo digas...No quiero saberlo...

-AKIRA KUROSAWA. "Los Sueños de Akira Kurosawa" (90). Reconozco que me costó terminar de verla. No sé si oficialmente consta como su ultima obra cinematográfica (el titulo Hachtgatsu No Papusobi, qué no he visto, lo datan un año después) pero sería un buen epitafio a su carrera terminar con un título tan onírico como éste. Más que sueños (que afirmó haber tenído) el sensei japonés parafantasea en ocho episódios distintos momentos y experiencias en la vida de un joven nipón. Al fin y al cabo viene reflejando los cambios sufridos por la sociedad del Japón a lo largo del ultimo siglo. La sociedad que vió nacer y morir a toda una leyenda del séptimo arte.

-HOWARD HAWKS. "Rio Lobo" (70). Aquellos sábados por la tarde no hubiesen sido los mismos sin pélis como ésta (cine en "Sesión de tarde", ¿recordáis?): Cine de aventuras, bélico, cine negro, comedias, musicales, dramas... y por supuesto westerns. Hawks fue un director como la copa de un pino, tocase el palo que tocase. El género americano por excelencia (al que aportaría títulos clave como "El Dorado", "Rio de Sangre", "Rio Rojo" o "Rio Bravo") sería el elegído por el de Indiana para despedirse del medio que tanto amaba, antes de palmarla siete años más tarde. Fiel a los códigos morales y a las coordenadas trazadas por los personajes de sus anteriores westerns maestros Hawks retoma aquí uno de sus temas predilectos: el "grupo" y la importancia de su apoyo para salir airoso de cualquier situación extrema (algo de lo que tomaría buena nota John Carpenter).

Continuará...

SATURADO DE VERANO ME VOY AL "TURBOROCK"

Al de Cantabria (Mercado de Sarón) que queda más cerca de mi choza. No pienso contaros mi vida, pero necesito, y creo que me merezco, una buena dósis de rock&roll en élla. Serán mis dos días de vacaciones. Pensaréis algunos que mejor me iría descansar en un hotel-balneario, o en una isla de playas con fina arena quemándome las pelotas. No dudo que ambas opciones parezcan correctas (esperad a oir la de mi mujer) pero disculparme si mi preferencia es gastar los pocos ahorros (escondidos) en conducir 1000 km, gastar mi escasa reserva de energía y euros en dos dias/noches de salvaje pasión en el TURBOROCK y regresar a casa molido y sin un céntimo, para el día siguiente volver al curre de mierda. ¿A qué suena bien?. Así es. Pasión por el rock'n'roll. No se olviden señores. Y con gusto invitaré a una birra a todo tumbero que me encuentre por el camino. Nos vémos!

-MUJERES ATÓMICAS: VERONICA CARLSON

VERONICA CARLSON Yorkshire (Reino Unido), 18 de septiembre de 1944 Por mucho empeño que Fisher, Cushing, Christopher Lee y compañía pusieran, gran parte del éxito de su trabajo y el del estudio para la que trabajaban, la Hammer, no hubiese sido el mismo sin la contribución de las llamadas "Chicas Hammer". Hoy, no sólo es que haya desaparecido el "culto" a la figura de la starlette, sino que a mi entender también ha desaparecido un tipo de mujer, que a pesar de la espectacularidad de sus atributos físicos, se percibía como más accesible, y mucho más real, que las estrellas o modelos que marcan los cánones de belleza en la actualidad. Veronica Carlson fue una de tántas de aquellas eróticas sensaciones nacidas para provocar (Caroline Munro, Rachel Welch, Julie Ege, Victoria Vetri, Barbara Shelley, Ingrid Pitt...). Mujer de sexualidad a flor de piel. De sugerentes poses. Fantasía de lo lascívo y de lo perverso. La secuencia de la violación a la que es sometida su personaje, Anna Spengler, a manos del Barón (Peter Cushing) en El Cerebro del Frankenstein (Terence Fisher, 1969) está considerada como una de las más polémicas escenas de todo el repertorio Hammer. No sería ese ni su primer ni su último papel en la "Casa de la Sangre". En Drácula vuelve de la tumba (Freddie Francis, 1968) se ganaría el sobrenombre de "Reina indiscutible de los Camisones Transparentes y los Escotes Generosos", alegrando los corazones de los fanáticos hammernianos de todo el mundo. Aparece como cándida rubia en El Horror de Frankenstein (Jimmy Sangster, 1970) en su creación de Elizabeth Heiss, contrapunto ideal a la malvada morena Alys (Kate O'Mara). En 1975, para mal de sus incondicionales, abandonaría la interpretación. Volvería al cine en 1994 para recrearse a sí misma en Black Easter, una rara (por extraña) cinta de terror dirigida por un tal Bruce G. Hallenbeck para mayor gloria de la starlet... Y de sus incondicionales.

PAPEL: "JIRAFAS EN MI PELO". Una vida de rock'n'roll

Podemos llamarlo cómic pero se definiría mejor como novela gráfica autobiográfica. "Jirafas en mi pelo: una vida de rock'n'roll"(Ed. La Cúpula) del ahora periodista y escritor Bruce Paley (New York, 1949) es de esas historias vividas salvajemente al límite que merecen ser contadas. Podría haber desempolvado su album de fotos, acceder a archivos visuales de la época, grabaciones caseras en Super-8, agregarle la banda sonora de aquellos años y confeccionar algo parecido a un documental. También podría haber optado por contarlo todo en un libro... Ambos casos hubiesen resultado interesantes dado el material que Paley tenía entre manos. Pero docus y novelas con esos temas abundan, y lo que se dice cómics, escasean. Personalmente creo que el autor neoyorquino, con la estimable ayuda de su actual pareja Carol Swain (la encargada de ilustrar en lápiz los nebulosos episódios que salen como jirafas enredadas de la cabeza de su novio), ha acertado de pleno eligiendo el formato cómic para sacar a la luz aquellas experiencias y salvajes recuerdos. La auténtica vida rutera. Del hippismo más radical angelino de finales de los 60 al proto-punk de alcantarilla neoyorquino de los 70. Filosofía barata de carretera. Hongos chungos y agujas que matan. Chicas que atontan. Experiencias en el filo de la navaja. Gentes que pasan. Espíritu rock. Paley rememora a través de cortos capítulos levemente intercomunicados, como flashes de canciones, toda aquella cultura de la libertad que marcó dos décadas vertiginosas de su vida. La imperfección del dibujo es lo de menos cuando tienes una vida de rock'n'roll por contar.

LOS CABALLEROS DE LA MOTO. UN FILM MALDITO DE GEORGE A. ROMERO

Si creías que lo has visto todo... espera a ver "Los Caballeros de la Moto" (Knightriders, 1981). En cine todo es posible, ya sabemos, pero ¡moteros medievales que montan torneos, visten y se comportan como hombres de Camelot mientras rulan por toda Norteamérica!... ésto un servidor jamás lo hubiese imaginado (me pregunto qué sucedería si los Hell Angels se cruzasen en su camino, je,je...). Semejante engendro de aventura hippie-artúrica se la debemos, nada más y nada menos, que a George Romero. Así de sorprendido me he quedado al saber que el padre del moderno cine de zombies fué quien escribió y filmó tan peculiar historia. No es de estrañar pues que figure como film maldito de su director (otro puede ser aquella extraña aproximación al tema vampírico como fue "Martin").

Pero hay más. Al frente de esta tropa de moteros de la Mesa Redonda encontramos a un jovencito Ed Harris, en uno de sus primeros papeles como actor principal antes de mostrarnos su grandeza interpretativa en films de la talla de "Glengarry Glen Ross", "El Clan de los Irlandeses" y tantas otras buenas peliculas. Aparece además otro tipo, más conocido entre los aficionados al terror, como puede ser Tom Savini (ya sabéis el de la pistola/polla de "Abierto hasta el amanecer"), que aunque luego dirigiría sus propios films y seguiría como ocasional actor secundario, hoy es reconocido como uno de los grandes maestros de efectos especiales. Resaltar el fugaz cameo de Stephen King, guionista del siguiente film de Romero "Creepshow"(82).

TREME: UNA SERIE "TREMENDA"...

Una serie como ésta, brillante y seductora, solo podía salir de la factoría HBO. Hoy por hoy a nadie se le escapa que la HBO es el único canal (de pago) que apuesta por ofrecer calidad -y cierta autenticidad- a las series de TV de los últimos tiempos. La cadena americana es la abanderada en dicha materia y TREME es otra muestra más de que continúan por buen camino (Deadwood, Carnivale, True Blood, Bored to Death, Generation Kill...). Teniendo en cuenta que TREME es obra del autor de aquella otra maravilla titulada The Wire, David Simon, la cosa promete. Tanto que sería un pecado imperdonable que un fan/lector de esta revista cibernauta se la perdiese.

La serie está ambientada en la ciudad sureña de Nueva Orleans tres meses después del paso del huracán Katrina en agosto del 2005, fecha que cambiaría para siempre el destino de muchos de sus habitantes (los pobres, como siempre). Más que una oda a tan armónica ciudad la serie sirve para rendir homenaje a sus gentes, a los que nunca se rinden, a su historia, a su cultura... y por supuesto a sus tradiciones: Eventos como el carnavalesco Mardi Grass; barrios como el turístico Bourbon Street o el bullicioso -y peligroso- Treme, por el que se mueven los personajes de esta historia; el barrio francés... Lugares, bares y tugurios que apestan a viejo blues. A jazz de ensueño. Músicos que cultivan su mala suerte pero no se rinden. Country rockers callejeros -mestizos, indios, criollos, blanquitos y del color del chocolate- entre un elenco de personajes famosos de la ciudad que tan bien le pegan al rhythm&blues, soul, gospel, hillbilly, jazz y demás sonidos maravillosos que inundan la serie de principio a fin (la 1ª temporada consta de 10 episódios). El realismo de la serie és tal, que a lo largo de la misma aparecen músicos haciendo de ellos mismos. Dr. John, Lloyd Price, Allen Touissant... mi querido Steve Earle... y un sorprendente Elvis Costello. Entre los actores la plana mayor de The Wire ("Bunk", "Lester"...), Steve Zahn (el loco Dj) o el genial John Goodman, haciendo gala todos éllos de excelentes interpretaciones.

Lo mucho que aprende uno y lo bien que se pasa degustando series como ésta... Y música como ninguna.

CON UN PIE EN EL RODAJE Y OTRO EN LA TUMBA. Las últimas peliculas de grandes maestros ( I )

He aquí un breve repaso, más que por importancia (que la tienen) por propia debilidad personal, a las obras póstumas de los grandísimos directores clásicos de todos los tiempos. A pesar de, en algunos casos enfermedades, en otros, la gran mayoría, un estado de edad avanzada, éstos admirables artesanos y escritores fueron capaces de morirse con dignidad, con las botas puestas. A algunos les quedará París, a otros, el viejo y añorado cine clásico...

-JOHN FORD: "SIETE MUJERES" (66). El anciano Ford finiquitaría su irreprochable filmografía con esta obra de emotiva complejidad, sobre una doctora y su sacrificio por un grupo de misioneros, presos del mandato de un guerrero en la China del 35. Tenía más proyectos en mente, pero el gran maestro de las emociones humanas nunca sospecharía que su carrera terminaría con una de las escenas más radicales de todo su cine, un sacrificio de hondura sobrecogedora.

-ROBERT ROSSEN: "LILLITH" (64). Rossen no fue muy prolífico pero está entre los grandes, obras de la talla de "El Buscavidas" o "El Político" así lo demuestran. Su derradera visita al set de rodaje, a sabiendas de que tenía los días contados, es otra muestra más de arte impedecedero. Lillith es un crepúscular drama sobre los meandros de la locura, protagonizado por el que posteriormente sería gran animador del New Hollywood de los años 70, Warren Beatty, y también resaltar la irrupción de otro actor que también tendría mucho que decir en el cine en el futuro, Gene Hackman.

-JOSEPH L. MANKIEWICZ: "LA HUELLA" (72). Ejemplo de que la edad no importa si se tienen las idéas claras. Es dificil sentenciar que ésta, o tal obra, es el mejor trabajo de éste, o tal autor, pero en este caso no sería descabellado afirmar que La Huella es la obra más completa del genial Mankiewicz. Ya con su anterior "El día de los tramposos" dejó claro que los viejos roqueros nunca mueren. Esta maravilla de pelicula es demasiado compleja (como todo su autor) para resumirla en dos líneas. Puro arte, que traspasa lo cinematográfico, para reflexionar sobre la realidad, la apariencia y sus fronteras. Todo éso y más, rodada a un ritmo vertiginoso y soberbio, a cabo de sus dos únicos protagonistas: Laurence Oliver y Michael Caine. ¿Quién necesita más con tanto talento junto?.

-DAVID LEAN: "PASAGE A LA INDIA" (84). Tras 17 años sin rodar, por el disgusto que le supuso la mala crítica y acogida de "La Hija de Ryan", el director de Lawrence de Arabia siguió a lo suyo, es decir, con su empeño creativo de siempre. Tardaría en ser respetado como uno de los grandes, cosa que hoy no admite ninguna duda. El hombre que filmó títulos como "El puente sobre el río Kwai", o las anteriormente citadas, está en esta galería de clásicos por méritos propios.

-JOHN HUSTON: "DUBLINESES" (87). No está bien por ser la despedida cinematográfica de un director al que personalmente tengo en los altares, ni por ser una de las mejores adaptaciones literarias que el cine haya hecho de Joyce, ni por que Huston la terminara necesitado de una máscara de oxigeno... sino porque es un relato familiar lleno de emotividad en víspera de un adiós. Una postal de recuerdos, culpas, arrepentimientos y amor, amor a la vida. Al final todos tendremos que rendir cuentas. La escena final de la nieve cayendo suavemente sobre un lecho blanco, es una de las más preciosas metáforas sobre la muerte que un servidor ha visto nunca.

-BILLY WYLDER: "AQUÍ UN AMIGO" (81). Testamento del totémico Wylder, que afrontaba aquí la última comedia de su expléndida carrera como maestro del séptimo vício. El film queda lejos de titulos memorables como "El Apartamento", "Irma la dulce", "Un, dos ,tres..." o tantas otras maravillas de la humanidad, pero se disfruta bien. Una péli que presume de tener la pareja Matthau/Lemmon así ha de serlo. Para cinéfilos la curiosidad de incluir al inefable Klaus Kinski en el papel de un psicoterapeuta sexual (sic.)

-SAM PECKINPAH: "CLAVE OMEGA" (3). Controvertido, polémico, violento, inconformista (muchos lo han tildado de cosas peores)... Para mí uno de los más grandes corazones rebeldes con vocación cinematográfica que ha parido madre. El realizador norteamericano (por que no le quedó más remedio), autor de engendros más grandes que el propio cine (Grupo Salvaje; Quiero la Cabeza de Alfredo García...), ni en sus horas más bajas perdería un ápice de su visceralidad. Tan franco como siempre, Peckinpah nos brindaría esta enrevesada y curiosa cinta sobre el podrido mundo de los medios de comunicación (casi una visión del futuro de hoy y del que nos espera) que para sí quisieran filmar directores consagrados de nuestros días. Y no cito nombres...

-NICHOLAS RAY: "55 DIAS EN PEKIN" (63). Posteriormente rodaría films menores pero éste queda como el último de su lista, dentro de la industria americana. Caería enfermo (una larga enfermedad hasta su muerte en 1979) durante el metrage, siendo los técnicos de su equipo los encargados de rematar la faena. Es decir, le dieron un sentido épico que para nada correspondía con las intenciones del autor de Johnny Guitar. Ray es otro de esos románticos del cine. De vocación independiente, ideología de izquierdas y una rebeldía permanente. Un cieneasta de estudio. Serían los franceses (y gente como el alemán Win Wenders) quienes rescatarían su legado del olvido popular y le otorgaran el status "de grande" que siempre ha merecido.

-SAMUEL FULLER: "CALLE SIN RETORNO" (89). Algunos nacen, otros se hacen. Si la vida es un aprendizage Fuller ha sabído sobrevivir con nota. Siempre en primera línea del frente, ajeno al exito o al fracaso, a su jodida bola. Diferente. Práctico. Creíble. ¡A la mierda el sentido del ridículo!, Fuller, aún en las últimas, era capaz de conferir vitalidad a cualquier historia ("Uno Rojo: División de choque" y "Perro Blanco", antepenúltimo y penúltimo films respectivamente, son material de primerísima clase). Uno de los últimos referentes claves del cine americano de serie B, aquel cine de los años 50 que tanto añoraba el autor y que tanto hizo por recuperar y ensalzar a traves de su obra.

continuará...

POR UN PUÑADO DE (Imprescindibles) DOCUMENTALES

-AMERICAN PIMP (1999). Docu realizado por los famosos hermanos afroamericanos Hughes Brothers. Coleguillas de la misma barriada cinéfila de Spike Lee y fanáticos de todo lo que huela a blaxploitation, como nosotros. Con este primerizo ducumental rinden honores a todos aquellos chulos ("pimp" en inglés) que a buen seguro veían a diario en las calles y aceras de su ciudad. Los buenos y malos tiempos de aquellos proxenetas, camellos y gandules, que enjoyados vestían coloridos trajes de etiqueta mientras nos repasan las historias que les vieron vivir y morir. Entre todos éllos destaca el chulo mayor Bunny Ranch, todo un personaje.

-GOODBYE AMERICA (2007). Documental nada al uso interpretado por el legendario abuelo Munster Al Lewis. Sorprende la producción española de la cinta a cargo de Elias Querejeta, aunque ya sabemos que nadie es profeta en su tierra. Sobretodo si esa persona fue un reconocido y orgulloso comunista perseguido por los cazabrujas de Hollywood. Me imagino que todavía hay quien no entienda como el "Abuelo" de muchas generaciones de americanos fuese un activista comprometido con la política e historia de su país. Hasta sus últimos días (murió a los 93 tacos), además de fumar puros como un carretero, despotricó verdades desde su programa radiofónico en el que ponía a parir (bonitos insultos) a los gobernantes y políticos yanquis. Lo mejor, los recuerdos de toda una vida. Mientras le maquilla un afamado especialista, Al cuenta un buen puñado de anécdotas a cada cual más simpáticas y... enternecedoras. Dios bendiga a hombres como Al, perdedores en el mejor sentido de la palabra, que lucharon por los demás hasta el final de sus días. El mundo es un lugar peor después de su muerte. El docu se estrenaría un año después de su trágica pérdida, y hay quien pueda encontrar algún parecido, a nivel de estructura, con aquel documental "Relámpago sobre el agua" que Wim Wenders rodara en similares circunstancias sobre la figura de otro rebelde como Nicholas Ray en sus ultimos meses de vida.

-WHEN YOU'RE STRANGE. A film about The Doors (2009). Cinta dirigida por el alegre neoyorquino Tom DiCillo. El director de Johnny Suede aparca un rato su faceta de independiente filmmaker para evadirse con su segunda pasión: la música. Demostrado queda su buen gusto musical (la banda sonora de sus films lo corroboran), rindiendo merecido tributo en esta ocasión a una de sus bandas favoritas. Aunque ya existe material e información a raudales sobre The Doors nunca estará de más volver a escuchar la eterna música de los californianos, y más, si el narrador lleva por nombre Johnny Depp y el director da muestras de un imaginario mescalítico. Otro Rey Lagarto a su manera.

-LOS TRAFICANTES: El Alambique Veloz

La grandeza del Nuevo Cine Americano -coprendido entre un periodo que puede marcarse desde "Easy Rider"(69) a "Toro Salvaje"(80), o si se prefiere, entre "Bonie and Clyde"(67) y "La Puerta del Cielo"(80)- es uno de mis temas predilectos, época a la que he recurrido y recurriré, siempre que dure esta aventura ATumbaAbierta. Fueron los ultimos buenos tiempos que corrió el cine norteamericano. Abundancia y calidad en todos los géneros cinematográficos. Y en especial el thriller americano de los 70. Además de clásicos como Scorsese, De Palma, Schrader, Cimino, Friedkin, Coppola, Malick (Malas Tierras), Peckinpah ... hay toda una montaña de ejemplares artesanos del séptimo arte a los que reivindicar. Están Peter Yates (Bullit), Walter Hill, Michael Winner, John Schlesinger (Maraton Man), John Frankenheimer, F. J. Schaffner (Patton)... y un personaje como el que nos ocupa: Josef Sargent. El director de LOS TRAFICANTES (1973), todavía en activo, rodaría al año siguiente el excelente thriller "Pelham, Uno, dos, tres" (con Walter Matthau a la cabeza) dando muestras, por aquel entonces, de una solvencia más que contrastada a la hora de llevar a buen puerto films de acción como éstes. Otro tanto habría que decir de muchos de los actores en nómina en aquellas peliculas, como Burt Reynolds, protagonista más que discutido en décadas posteriores y que sin lugar a dudas rodó sus mejores trabajos durante tan dorada y añorada época setentera: A Deliverance me remito (a excepción de su papelón como productor de cine X en la sublime "Boogie Nights" que dicho sea de paso retrataba como pocas los años 70, los años de Burt).

- Al igual que sucedía en alocados cartoons como los "Autos Locos" (Wacky Races), y posteriormente daría como resultado películas comerciales -tan vacilonas como simplonas- del estilo de "Los Caraduras" o "Los locos de Cannomball", LOS TRAFICANTES está repleta de persecuciones a todo trapo entre contrabandistas de whisky ilegal en potentes carros y los torpes agentes del sheriff que les persiguen. Por tierras del rebelde sur, aquellas que vieron nacer al general confederado Robert E. Lee o paisanos como los Lynyrd Skynyrd, donde las viejas tradiciones de una sociedad cerrada todavía perduran, y donde por principios a nadie se le ocurriría delatar a nadie, una comunidad que no admite a los hippies, ni a los comunistas, y mucho menos tolera la integración racial..., llega Gator Maklowsky (Burt Reynolds) para desenmascarar al corrupto sheriff J.C. Connors (el genial Ned Beatty de "Superman") que tiene atemorizados a los pueblerinos con sus metodos fascistas. Fogosas apariciones de Louise Latham ("Marnie, la ladrona" de Hitchcock) y Diane Ladd ("Alicia ya no vive aquí", "Chinatown"), amén de clásicos secundarios del cine peckinphaniano como pueden ser Bo Hopkins ("Los aristócratas del crimen") y R.C. Armstrong ("Mayor Dundee", "La Balada de Cable Hogue"), u otro tipico del western 70's como és Matt Clark ("El Seductor").

Hasta aquí ha dado de sí, lo que para mí atiende como "primera incursión en el cine perdido de Burt Reynolds 70's". Exceptuando la citada "Deliverance" de John Boorman conocía muy poco de sus otros thrillers setenteros, así que tengo una lista de films suyos por ver de los cuales iré comentando algo si es que así lo merecen...

LA CENTINELA. Un clásico de terror "cosecha del 76"

La CENTINELA (the Sentinel, 1976) D.: Michael Winner; USA/91 min.; Universal Pictures

-Interesante película, y más si se tiene en cuenta que viene de un director ajeno al género como es Michael Winner. El americano es famoso por aquellos violentos thrillers de acción setenteros protagonizados por Charles Bronson ("Friamente y sin motivos personales", "America Violenta", "el Justiciero de la Ciudad"...). Un director a reivindicar, poseedor de una filmografía más que digna, de la que ya nos ocuparemos a su debido tiempo. Mientras tanto deléitense con esta sensacional y original historia, a su vez perfectamente guionizada. Un guión que, en apariencia, bebe de aquella maravilla de film que fue "La Semilla del Diablo" (Polanski, 1968), mucho más que de otras grandes obras de su época como pudieran ser "La Profecía" o "El Exorcista". Así a todo, no deja de tener su propia originalidad. Y menciono lo de "la Semilla del Diablo", porque al igual que en la pelicula del director polaco en ésta aparecen edificios extraños, vecinos particularmente raros (las lesbianas salidas del 1º A son la repera...), novio sospechoso (los cuadros de Houdini en su piso de soltero están puestos intencionadamente)... y la misma ciudad, Nueva York. Ahí se quedan las comparaciones. La de Polanski es una obra maestra. Y la Centinela una buena película. Que no es poco.

-Otro de sus alicientes lo encontramos en su excelente reparto. Cristina Raines es la protagonista, la centinela elegida por las fuerzas del bien para impedir que el Maligno traspase la Puerta entre la Humanidad y el Infierno, lugar situado como no podía ser de otra manera en el centro de su apartamento en Brooklyn. Un solar arrendado por Ava Gardner (Miss. Logan), en el que moran inquilinos de gran guiñol como Burgess Meredith (protagonista, entre otras muchas, de "Rocky" o "El día de los tramposos"), o John Carradine, como ciego sacerdote que recuerda en ciertos momentos al Norman Bates de Psicosis. Y no terminan ahí los secundarios de lujo. El papel de inspector de policía que desconfía del novio (Chris Sarandon) está interpretado por el inigualable Eli Wallach; y su ayudante, al que pone rostro (y poco más) un joven Christopher Walken. El casting lo completan actores del calibre de Arthur Kennedy, José Ferrer, Jeff Gouldblum o Tom Berenger. Lo mejor del film de Winner está sin lugar a dudas en su impresionante climax y secuencia final. Un carrusel de formas deformes que acosan a nuestra sufrida protagonista (los "Condenados"), que bien parecen salidos del "Freaks" de Tod Browning y que bien podrían haber inspirado una peli como Razas de Noche.

-BREVE ANTOLOGÍA DEL CINE FANTÁSTICO PATRIO (doble ración de callos picantes y alubias con almejas)

Estamos ante el segundo advenimiento del fantástico en España. Jóvenes cineastas de cierta solvencia técnica y narrativa surgidos a raíz del "Abre los ojos" amenabariano: Balagueró, Fresnadillo, Paco Plaza... de acuerdo que están dando vidilla al género y a nuestra decaída industria del cine pero yo no me los trago. No pienso entrar en debate. Allá cada cual con sus gustos personales pero alguien debería decirle a las nuevas -y audiovisualmente cultivadas- generaciones de consumidores que, aunque pocas, existen otras fórmulas y propuestas de hacer cine en España. Títulos que en su día no obtuvieron una aprobación mayoritaria o pasaron casi desapercibidos, con el tiempo han quedado como intentos arriesgados de ofrecernos historias sugestivas y estimulantes. Películas que en muchos casos nos harían reencontrarnos con el añorado espíritu del viejo cine de género que tanto nos gusta. Por encima de los acabados deberían premiar las intenciones. En este espacio iremos poco a poco repasando ése "otro cine" fantástico, de terror, y ciencia ficción facturado en nuestro país.

Claro que en los últimos años hemos encontrado en nuestras carteleras ideas originales (como pudieron ser "Intacto" o "Cronocrímenes", por poner solo unos ejemplos), pero permítanme que me "olvide" de los últimos tiempos y centre mi búsqueda en títulos que nada tengan que ver con el optimista estado por el que está pasando el cine de género español. La minoría subterránea, aquella que gozó con films como ¿Quién puede matar a un niño? o Arrebato, sabrán que me propongo. Empecemos pues.

-TRAS EL CRISTAL (Spain, 1985) Dirección y guión de Agustí Villaronga. I.: Gunther Meisner, Marisa Paredes, David Sust y Gisela Echevarría. 105 m.

Villaronga es de esos directores que no reciben Goyas. Desde aquí le animamos a que siga así. Podrá gustar más o menos, pero no hay que negarle el valor de intentar hacer un cine sugerente y personal alejado del cine (y de la forma de entender cine) que se lleva en este país. Necesitamos autores como éste, que se atrevan a correr riesgos y propongan guiónes y títulos que se distancien de la sufrida y castigada corriente generalizada que existe en nuestro cine y que lleva casi siempre a contarnos las mismas ideas con distinto envoltorio. De ahí que no nos extrañe que Tras El Cristal séa tildado como "título fantástico de culto" allende nuestras fronteras y aquí sin enterarnos. No sería exagerado afirmar que el dubut cinematográfico del interesante Villaronga (del cual ya reseñamos su estupenda "Aro Tolbukhin" ) puede considerarse como una de las grandes obras del cine español.

Villaronga saca la idea de la trama del célebre Gilles de Rais, de su mundo decadente y enfermizo. Nos recrea una historia llena de morbo acorde con el mundo irreverente del autor. Traslada la época pasada del libro a la más reciente, industrial y desmadrada época nazi. Cuando Kaus, ex oficial nazi torturador de niños, sufre un accidente que le imposibilita continuar con sus sádicos gustos, un joven, Angelo, comienza a cuidar de él y le propone ser el brazo que continúe con sus maldades.

-MEMORIAS DE UN ANGEL CAÍDO. (1997) directores: Fernando Camara y David Alonso. I.: Santiago Ramos, Héctor Alterio, Emilio Gutierrez Cava, Jose Luis Lopez Vázquez, Juan Echanove.

Si echamos un vistazo a los actores , harto familiares, podría parecer que estámos ante otra típica españolada del momento. Craso error. Esta película perdurará entre nosotros como uno de los títulos de terror más gratos que se hayan hecho nunca en nuestro país. Y de paso confirmar que si hay una buena historia detrás, nuestros actores otorgarán credibilidad a sus personajes (en ésta cinta espectaculares todos). En Memorias de un ángel caído no hay influencia americana alguna (que tanto perjudicó/a a otros productos coetáneos). Superados los perjuícios, uno se da cuenta de que acaba de presenciar una admirable película de terror satánico. De ejemplar guión, guarda parentesco con la poco antes exitosa El Día de la Bestia" pero yo la encuentro mucho más inquietante y angustiosa que el film de Alex de la Iglesia (ya no digamos con todas aquellas superproducciones hollywoodienses apocalípticas del fin de siglo pasado:"$#F**#..."). Y lo más sorprendente resulta su carácter de opera prima, del tándem Cámara/Alonso, a los que hay que agradecerles el buen oficio de tenernos absorbidos con una historia como es debido. Un auténtico sorpresón. (Grácias Cobretti por tu magnífica recomendación)

Sinopsis: En una iglesia madrileña todos los feligreses que acuden a comulgar fallecen envenenados. Al tiempo que los sacerdotes comienzan a tener visiones, los fallecidos volverán a la vida. Se avecina un nuevo Apocalipsis que tendrá a Madrid como campo de batalla entre el Cielo y los Infiernos.