DOCUMENTALES DE CINE: "ALTMANT (2014)", DE RON MANN

Un tipo tan decente y tan esencial en esto del séptimo arte como fue Robert Altman hace tiempo que se merecía un documental como dios manda. El canadiense Ron Mann se encarga de arreglar tamaña injusticia (despiste, si lo prefieren), cosa que es de agradecer, especialmente a los que deambulamos por estos lares de ultratumba sicoparanoica a la caza de referentes con los que nos podamos identificar. Algunos más que otros no admiten discusión. Y el director de  Quintet; M.A.S.H.; 3 Women; El juego de Hollywood; Un Largo Adiós; Secret Honor (uno de sus films menos conocidos, urgentemente a reivindicar) y tantas otras delicatessen en el zurrón pertenece a esa noble casta de varones hijos de su santa madre que se han paseado por aquí dejando una profunda huella en muchos de nosotros. Rebelde, independiente, conflictivo (para los grandes Estudios, claro), transgresor, cabezota... Altman fue muchas cosas, muchos significados (de hecho el adjetivo "altmaniano-a" se utiliza para describir una manera muy personal de encajar, encarar y percibir "dichas cosas"), pero sobretodo fue un gran director de cine norteamericano que amaba su trabajo y jamás dio su brazo a torcer. En este docu aparecen sus discípulos, familiares, colegas y amigos (vivos) para reafirmar y refutar la carrera (con sus luces y sombras) y manera de ser del guionista-director nacido en Kansas City. Por aquí están Paul Thomas Anderson, Elliott Gould, Philip Baker Hall... para recordarnos su manera de entender el cine. No se lo pierdan.

LA LOCA, LOCA, HISTORIA DE LA CANNON FILMS. Regreso al videoclub.

El reciente estreno del delirante documental Electric Boongaloo: La loca historia de Cannon Films (Mark Hartley, 2014) es la escusa perfecta para que en este fandom cochambroso se vuelva a hablar de los locos 80, del boom del VHS, de cuando la serie B era Serie B y el mercado del video llenaba las estanterías de ambiciones artísticas completamente marcianas. La productora CANNON FILMS fue una de las encargadas de proporcionarnos los peores vicios y las peores/mejores virtudes de aquel cine comercial. Podían hacer películas horribles y baratas que parecían caras y películas caras que parecían de Serie Z, plagios descarados de algún éxito reciente...¡Incluso algunas podían ser buenas! Pero algo era seguro: jamás te aburrirías con una película CANNON. Vampiros del espacio, montañas rusas del terror, matanzas de sangre reseca, Justicieros urbanos, masters del universo, superhéroes, invasiones comunistas, desaparecidos en combate, ninjas, guerreros americanos, caballeros verdes (ni Connery se la cree), bárbaros hercúleos, lambadas picantonas, karatecas tailandeses, tesoros salomónicos, secuelas por un tubo...¡Hasta cine de arte y ensayo...Y musicales! Un impresionante listado de más de doscientos títulos que contribuiría al esplendor del cine de bajo presupuesto de los tan añorados/odiados años 80. Lógico pues, que la historia de la productora más loca jamás contada, su esencia, su espíritu, se hiciese tan necesaria de contar. El lanzamiento de este endiablado y placentero documental supone saldar una deuda con todos los cinemaníacos mocosos que un día hicieron novillos ("copar clase" se decía en mi barrio) para alquilar cutreces de culto como El Templo del Oro (inenarrables Chuck Norris y Lou Gossett Jr.), Invasión USA o Exterminador 2. Visionar la cinta del australiano Mark Hartley (al que conocimos con motivo de "Not quite Hollywood") es conocer de primera mano los entresijos de aquella peculiar compañía presidida por los primos más descarados y pendencieros de Israel (el apasionado y excesivo Menahem Golan y su metódico primo Yoram Globus) que tomaron Hollywood al abordaje. Un resumen de jugosas anécdotas y curiosidades, de arrebatos y extravaganzas, disputas, apuestas, humor, colorines, tracas finales, ideas y fechorías mil que estos dos judíos malandrines perpetraron impunemente para mayor gloria de la empresa que regentaban. Ni decir que ningún lector de este fanzine en su sano juicio debería perdérselo.

NUESTRAS CANNON  CANÓNICAS

- LAS  BUENAS:

El reportero de la calle 42 (Street smart; J. Schatzberg. 1987)

Lifeforce-Fuerza vital (Lifeforce, 1985. Y el resto de Tobe Hooper)

El tren del infierno (Runaway train. A. Konchalovskiy, 1985)

Los hombres duros no bailan (Tough guys don't dance. Norman Mailer, 1987)

El Borracho (Barfly, 1987. De Barbet Schroeder)

52 vive o muere (52 pick up. J. Frankenheimer, 1986)

- LAS ENTRETENIDAS:

Desaparecido en combate (Missing in action. J. Zito, 1984)

La justicia del ninja (Enter the ninja. M. Golan, 1981)

Yo soy la justicia (Death wish II. M. Winner, 1982)

Las minas del rey Salomon (King Salomon's mines. J. L. Thompson, 1985)

Yo, el halcón (Over the top. M. Golan, 1987)

Cobra, el brazo fuerte de la ley (Cobra. G. P. Cosmatos, 1986)

Cyborg (A. Pyun, 1989)

La ley de Murphy (Murphy's law. J. L. Thompson, 1986)

- PARA LOS MAS ATREVIDOS:

Masters del Universo (Masters of the Universe. G. Goddard, 1987)

The borrower (John McNaughton, 1991)

Kickboxer (David Worth, 1989)

El guerrero americano (American ninja. Sam Firstenberg, 1985)

Los Bárbaros (The barbarians. Ruggero Deodato, 1987)

Delta Force (M. Golan, 1986)

El caballero verde (Sword of the valiant. Stephen Weeks, 1984)

LOS HÉROES CANNON

- PAUL KERSEY es... ¡Charles Bronson!

 Qué haría un hombre bueno si matan a su esposa, violan a su única hija, se cepillan a la criada...¿Tú no te cabrearías?... Vale, son pelis fascistas, reaccionarias y ridículas. Pero fascinan, entretienen y molan mogollón

- JAMES BRADDOCK es... ¡Chuck Norris!

A diferencia de Rambo, Braddock sabía dar patadas de karate, descuidaba su imagen (lucía poblada barba) y por un salario mucho menor estaba dispuesto a cargarse igual número de comunistas en las selvas del Vietnam. 

- ALLAN QUATERMAIN es... ¡Richard Chamberlain!

Ya quisiera Indiana Jones tener a Sharon Stone como compañera de viaje. De pájaro espino con sotana a fanfarrón cazador blanco. Pocas veces imitar resultó tan divertido.

- JOE ARMSTRONG es... ¡Michael Dudikoff!

Por Dios, qué fue de este hombre. Guapo, joven, ojos verdes, militar amnésico, destinado en Filipinas. Su entrenamiento en artes marciales le hacía invencible, tanto que el género ninja lo inventó él. Dejó tras de sí una estela de fans muertos de risa.

- JEAN CLAUDE VAN DAMME es... ¡Él mismo!

Último descubrimiento de la Cannon. Belga bajito y musculoso que callaba porque tenía acento. Puso de moda el Kickboxing, el solarium... y en los noventa no había gimnasio culturista que no tuviese un retrato suyo.

DOSSIER: ROGER CORMAN Y SU FACTORÍA DE TALENTOS ( I ).

¿Qué tienen en común figuras de relumbrón del cine USA como pueden ser Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, James Cameron o Jonathan Demme? Pues tienen en común un hecho tan chocante como notorio: el arrancar sus carreras cinematográficas a las órdenes del incuestionable rey de la serie B, Mr. Roger Corman. Vamos, que por el taller para principiantes montado por este cinemaníaco caballero de olfato perruno pasaron en su día un generoso número de noveles artesanos, guionistas y jóvenes actores destinados a ocupar un lugar privilegiado en la historia del cine norteamericano, en el cine que más nos gusta. Una factoría de talentos al margen del Sistema, una nueva generación de cineastas y profesionales, educados en la contracultura de los años sesenta, que acabarían licenciados en la Universidad Corman aprendiendo el  gran negocio del circo con el Maestro (léase: preproducción, montaje, iluminación, composición, ritmo, publicidad, distribución, dirección, movimientos de "travelling", etc., etc., etc.).
Con este humilde dossier de ultratumba queremos repasar la lista de directores de primera fila (y otros tantos "de segunda" que dejaremos para una entrega posterior) apadrinados por nuestro 'proscrito' favorito. Expandirse más, sería recordar que Corman dirigió el primer guión de Robert Towne, produjo además tres guiones originales de Jack Nicholson (que apareció en el reparto de ocho de sus películas) antes de que Hollywood le descubriera en "Easy Rider", dejó que el 'lunático' de Dennis Hopper se foguease como segundo realizador en "The Trip".... y, puestos a seguir, diera crédito a un puñado de DESCONOCIDOS actores que pronto alcanzarían un peso específico en el devenir del cine estadounidense de la época, tan del gusto de esta casa, como Peter Fonda, el potro Stallone, Kun-Fu Carradine o Bill Paxton. Pero eso es otra historia...

- LOS HIJOS MÁS AVENTAJADOS DE LA FACTORÍA CORMAN:

1. Francis Ford COPPOLA. Él y Monte Hellman son, cronológicamente hablando, los luego directores de prestigio que primero trabajaron para Corman (si bien al segundo todavía existe quien le discute la calidad de su trabajo). El papá de Sofia llevó a cabo una labor a las órdenes del abuelete productor de lo más diversificada. El primer sueldo se lo ganó remontando el film de ciencia ficción soviético Nevo zovyot (1959), de Mikhail Karzhukov y Aleksandr Kozyr, insertando y rodando escenas adicionales para su estreno en los EE.UU. Firmó bajo el seudónimo de "Thomas Colchart" dicha película que Corman rebautizó con el título de Battle Beyond the Sun, participando más adelante como ayudante de dirección (o técnico de sonido) en los caóticos rodajes a tumba abierta que Corman improvisó de manera sublime sobre los consabidos textos de Alan Poe y otros placeres de cosecha propia (Wild Races, The Tower ofl London, The Obsesión...). El curtido Coppola realizaría su ópera prima con el productor en 1963, tras mucho convencerle, aprovechando el éxito de Psicosis filmó la exploitation DEMENTIA 13. Así, a machetazos, se abriría paso en la historia del cine el futuro autor del Padrino.
2. Martin SCORSESE. El neoyorquino trabajaría una sola vez con Corman. Bonnie and Clyde era el film de moda y Corman no tardó en realizar Mamá sangrienta para sacar partido al filón del cine policíaco retro que iniciara la péli de Arthur Penn. Le daría 6000.000 dólares de dichas ganancias al joven Scorsese, que venía de rodar dos films independientes que gustaron a crítica y mecenas (Who's That Knocking at My Door y Street Scenes), para que hiciese una película en la mísma línea. El resultado fue BOXCAR BERTHA (1972), y la historia del montaje, distribución y peripecias miles del rodaje del film necesitarían un reportaje especial, que por falta de espacio, desechamos. ¿Una activista de la América de la Depresión abocada a la delincuencia a partir de una historia real documentada en un libro, Sister of the Road, que parece ser jamás existió? Todo tan extraño y problemático como para que en círculos cinéfilos, incluido el del propio Martin, se avergüencen de élla. No así para este fanzine cochambroso, que la tiene en un altar.
3. MONTE HELLMAN. El futuro firmante de esa obra maestra que fue Carretera asfaltada en dos direcciones (1971) y el genio de la serie B se hicieron amigos conversando sobre Nietzsche (sic) mientras paseaban en coche por la soleada coste californiana. Corman le produjo a Hellman su primer largo, Beast from Haunted Cave (1959), una monster movie que dio paso a una colaboración en dos reputados y desmesurados westerns, A Través del huracán (Ride in the Whirlwind, 1965) y El Tiroteo (The Shooting, 1966), y posteriormente a producir entre ambos el relato de culto sobre peleas de gallos Cockfighter (1974). Tan bien aprendió Hellman las lecciones del maestro, que luego sería uno de los productores de la ópera prima de Tarantino, Reservoir Dogs. Y luego dicen que estudiar con los mejores no da sus frutos. Por cierto, Hellman puso el doble de pasta que hubiese puesto Corman, faltaría menos.
4. PETER BOGDANOVICH. El director de La última película (1971) tuvo que hacer diversos trabajillos para Corman antes de que este le produjera su primer largometraje, EL HÉROE ANDA SUELTO (Targets, 1968). Así, el que acabaría siendo uno de los realizadores más respetados del cine norteamericano de los setenta, vampirizó sci-fi soviéticas como hiciera Coppola, firmó bajo seudónimos, contrató un puñado de mozas drogatas que se paseaban por la playa de Carrillo disfrazadas de sirenitas y con conchas marinas tapándoles los pechos (para el film Voyage to the Prehistoric Planet (1965) que terminaría interpretando la recauchutada Mamie Van Doren), y quien sabe qué disparates más. Más de diez años después de darle el papel de su vida a Boris Karlof en Targets, y coincidiendo con un momento económicamente  malo de su carrera, Bogdanovich recibiría de nuevo el apoyo de Corman a la hora de financiar otra buena película: Saint Jack, el rey de Singapur (Saint Jack, 1979), film que cuenta con un Ben Gazzara ebrio y en estado de gracia. Como lo oyen.
5. JONATHAN  DEMME. El notable firmante de Algo salvaje (Something wild, 1986), El silencio de los corderos (1991) y fastuosos documentales rock a mayor gloria de Neil Young o Talking Heads, debutaría como guionista escribiendo los libretos de varias películas producidas por nuestro famoso padrino. Bien fuesen samuráis motorizados (Angels hard as they come, 1971), revoluciones femeninas en selvas tropicales (The Hot Box, 1972) o blaxploitations afro-caucásicas protagonizadas por Pam Grier (Black Mama, White Mama; 1973) los guiones de Demme se especializaron en el popular subgénero de las "cárceles de mujeres". No es de extrañar que su debut se titulara LA CARCEL CALIENTE (Caged Heat, 1974) y rebosase de hembras en pie de guerra, morbo y mucha violencia. Vamos, lo que nos gusta a los bruttos tumberos.
6. Joe  DANTE. De todos los cineastas de renombre citados hasta el momento que iniciaron sus profesiones bajo el paraguas financiero de Corman, parece ser que el director de Los Gremlins (1984), Aullidos (1981), Matinee (1993), Exploradores (1985) y demás entretenidas aventuras "para toda la familia", es el que más en serio se ha tomado las enseñanzas del maestro de la serie B. No hay más que echar un vistazo al conjunto de su obra y el cariz que ha tomado su carrera y, encima, conocer la reciente intención de Joe Dante, quien ha anunciado el proyecto de dirigir un biopic sobre Roger Corman, para entender el respeto y la admiración que le profesa. Supervisor de diálogos en la enésima coproducción cormaniana Manila, Fly Me (1973), codirigió con Allan Arkush (otro hijo bastardo de la Factoría del que tenéis sobrada información en anteriores páginas de este fanzine y que tendrá su sitio en  la segunda entrega de este dossier) Hollywood Boulevard (1975) para a continuación rodar un film que a estas alturas ya no necesita presentación alguna: PIRAÑA (Piranha, 1978), el insigne exploit de culto surgido a la sombra de la exitosa Tiburón (Jaws, 1975). La cinta primeriza de Dante no solo otorgó pingües beneficios a la empresa Corman sino que a día de hoy continua generando réditos, buenas críticas, nuevos adeptos y se ruedan remakes inferiores al original. El Hollywood de hoy le ha convertido en un "renegado", en otro "proscrito" y desaprovechado director pasado de moda... ¿Les suena de algo?
7. John  SAYLES. Descubrí a este genial narrador de pequeñas grandes historias con el film Lone Star (1996). Quería más. A esta le siguieron las excelentes Honeydripper, Passion Fish, Matewan, Hombres Marcados..., y ya no paré. Entiendo que para muchos espectadores el que Sayles ruede sencillas historias sobre gente corriente, a años luz del 'cine comercial' que devora las salas, películas humildes pero combativas, que denuncian una forma de ser, de vivir y sentir la vida (y el cine al fin y al cabo), les acaben resultando poco atractivas o aburridas. Sayles no está por el "espectáculo gratuito". Así le va. Ser un autor independiente, valiente y sin "ambiciones" tiene su precio. Descubrir que este espigado outsider arrancó su trabada andadura, en este duro mundillo al que llamamos Cine, de la mano de Corman escribiendo para su productora los guiones de Piraña, La dama de rojo (The Lady in Red, 1979) y Los 7 magníficos del espacio (Battle beyond the stars, 1980), resulta de lo más llamativo, cuando menos para sus fans más despistados. Para nosotros, es un dato que aclara muchas cosas.
8. James  CAMERON. De todos los hijos de Corman que salen/saldrán en este dossier Cameron es el que más se aleja de las doctrinas del cine de la factoría Corman. Decir que el guionista y realizador de Avatar, Titanic y otras monstruosidades millonarias está en las antípodas del ideal corman es quedarse corto. Lo único que parece haber aprendido bajo la batuta del maestro, temporada en la que desempeño funciones diferentes a las que pronto cimentarían su fama (decorador de escenarios en La Galaxia del terror; director artistico y creador de efectos especiales en Los 7 magníficos del espacio y poco más), es a ganar -y tirar- el dinero, a amasar fortuna sin tener en cuenta nada más. Se nota que faltó a muchas clases el amigo Cameron. Corman afirmaría que él hubiese sido capaz de hacer la superproducción Avatar con tan solo 3 millones de dólares y se hubiese ahorrado los 234 millones restantes que se gastó el director de Terminator. ¿Díganme ustedes quién es el genio aquí?
9. Ron HOWARD. Otro que empezó muy bien y acabó sucumbiendo a la fama y a los delirios de Hollywood. Si comparan el último film de Howard "El Pato" (permítanme esta guasa), la reciente y automovilística Rush (ídem, 2013), con su debut como realizador apadrinado por Corman, en el cual además también asumía el papel protagonista: la disparatada comedia cannonballrolesca Grand Theft Auto (1977) entenderán porqué se fue al garete la factoría. Aquella divertida película no era más que el reverso barato de su más reciente largometraje. Podemos afirmar que estamos ante un claro ejemplo de talento agotado, de un despilfarro inútil de tiempo y dinero, de pérdida de interés, de egos desmedidos...  El cine era y sigue siendo el sustento de muchos de aquellos jóvenes cineastas que se iniciaron en la profesión al amparo, tal vez manipulados, pero a la vez protegidos, de un visionario que quería cambiar la manera de hacer, ver y entender el cine, de hacerles creer a todos que se podían cambiar las reglas. Cabría preguntarles a señores como Howard o Cameron qué fue de todo aquel amor y pasión que sintieron el primer día que entraron a trabajar para Corman... Si en algún momento son conscientes de su traición.                                                                                                                           

   

   Joe Dante

(CINE CLÁSICO): ODDS AGAINST TOMORROW (1959) Marchando una de Robert WISE...

APUESTAS CONTRA EL MAÑANA (Odds Against Tomorrow, 1959) es una pequeña obra maestra en la filmografía del centenario director norteamericano Robert Wise (1914-2005), un tipo sencillo, modesto, un currante del cine, sin demasiadas ambiciones dentro de un oficio, de un arte, que tanto ensalza la figura del filmmaker como la devora sin piedad al más mínimo resbalón o vaivén del artista. En fin, no sé a que viene ese "olvido" de ciertos expertos cinéfilos cuando borran al autor de "Marcado por el odio"(1956) de los primeros lugares de las listas que nombran a los más grandes directores norteamericanos del cine clásico. Para nosotros tumberos no existe duda al respecto: el nombre de Robert Wise debe figurar al lado del de Orson Welles (¿a que no se imaginan quién figura como montador de Ciudadano Kane?), Sam Peckinpah, J. L. Mankievicz, Howard Hawks, John Ford, John Huston, y demás incontestables creadores del séptimo arte made in USA, lamentablemente ya desaparecidos. Y es que la obra de Robert Wise, al igual que la de muchos otros extraordinarios orfebres del Hollywood "B" que dejaron su imprenta en el Boulevard del Cine "A" (como Sam Fuller, Robert Siodmak, Roger Corman,  Richard Fleischer, Aldrich, Val Lewton ...), ha sido siempre discutida (cuando no se ha visto subestimada o menospreciada) precisamente, por todo aquello por lo que a nosotros nos fascina el trabajo de un director: Que en el caso de Wise es el don innato para sacar petróleo de cualquier género en el que se inmiscuye, rodando a discreción y sin interferencias ajenas toda clase de películas de alto y bajo presupuesto. Especialmente, cuando se trata de imprimir estilo a iluminarias cintas de terror (El regreso de la Mujer Pantera, 1944; El Ladrón de cadáveres, 1945; The Haunting, 1963; Las dos vidas de Audrey Rose, 1977) o de regalarnos ciencia-ficción comprometida (Ultimátum a la Tierra, 1955; La amenaza de Andrómeda, 1971), géneros éstos siempre mal vistos por el critico de arte. Medio siglo de "conformidad" nos brindó el bribón... a gatas por westerns sombríos (Sangre en la luna, La ley de la horca), planeando en comprometidos y seminales dramas contra de la pena de muerte (¡Quiero Vivir!,1958), entretenido cine bélico y de aventuras (Las Ratas del desierto, El Yangtsé en llamas), revitalizando el cine musical (West Side Story), perfeccionando el biopic -en este caso la vida del boxeador Rocky Graziano (Marcado por el odio, 1956)-, etc.,etc de contiendas. Y así hasta morirse de viejo, con el mérito que tiene en ese mundillo de fieras y buitres codiciosos, con casi medio centenar de propuestas en el jergón y una reputación a prueba de balas. Basta con echar un vistazo a la lista de grandes estrellas que dieron el callo por este padre putativo del cine de género (fetiches tumberos tales como Steve McQueen, Paul Newman, William Holden, Richard Widmark, Joseph Cotten, Robert Ryan, Robert Mitchum, Peter Fonda, Warren Oates, Jean Simmons, Natalie Wood, Shelley Winters ...) para doblar la admiración que sentimos por el director de Two People (1972).

-ODDS AGAINST TOMORROW  deja clara la elegante categoría del cineasta nacido en Winchester, Indiana,el  un thriller negro ambientado en el mundillo de los atracos perfectos y las femmes fatales de rechupete, al que añadir un reparto estelar (secundarios incluidos) en el que sobresale el trío protagonista compuesto por Harry Belafonte, Robert Ryan y Shelley Winters, orquestados a las mil maravillas por la barita mágica de Mr. Wise (¡¡esos picados y contrapicados heredados de orondo Welles!!) y, como no, fortalecidos por un estupendo trabajo de guión. Uno de los coautores de la trama, de este aquelarre de 'perdedores con un plan', es el truncado Abraham Polonsky (que escribió y dirigió una cinta de culto llamada Force of Evil (1948) también de obligado visionado), autor rebelde y marginado que acabaría siendo 'cazado' por los de arriba víctima de sus rojas actividades. Lo dicho, no se pierdan ninguno de los títulos aquí citados y dedíquenle en su cumplecentenario una 'Sesión de Tarde' al señor Wise. Tienen la leche donde elegir... No se arrepentirán. 

SEXPLOITATION: LAS REINAS OLVIDADAS DEL PÉPLUM (I)

En medio de todas aquellas ancestrales fantasías hero(t)icas, sangrientas batallas, ejércitos colosales, catástrofes bíblicas, homéricas odiseas, monstruos mitológicos, escenarios paganos, extravagantes decorados de cartón piedra, estética kitsch y demás popurrí temático de profusa inexactitud histórica y épica de saldo que dieron forma a ese circense género cinematográfico al que los franceses denominaron péplum (aunque de pequeños nos referíamos a él como cine "de romanos", independientemente de estar protagonizado por griegos, egipcios, tártaros, sarracenos, mayas o cualquier otro pueblo de la Antigüedad), sobresalen las mujeres atómicas que dan lustre a este afrodisíaco reportaje.
Acompañando al forzudo Hércules, al rocoso Maciste, a los legendarios Ursus, Ulises, Leónidas, Sansones demás titanes musculosos embutidos en minúsculas armaduras, mallas y túnicas encarnados por estrellas de gimnasio como Steve Reeves, Gordon Scott, Mark Forest, o Kirk Morris en viejos films manufacturados por los Francisci, Bava, Tesari, Harryhausen, Fredas y el resto de nombres propios que dieron fuelle al infame y delicioso cine Péplum allá por la década de los 50 y 60, encontramos a una serie de exóticas bellezas femeninas a las que queremos rendir nuestro más hirviente tributo.

De no ser por la presencia devastadora de estas féminas deslumbrantes en dichas y delirantes pélis "de romanos", el éxito y la gracia de éstas últimas hubiese sido bien distinta. A continuación enumeramos con vicio y frenesí un buen puñado de las más deseadas y majestuosas, superdotadas, bizantinas y mesopoatómicas actrices de la era Péplum. Prepárense a conocer gladiadoras, sacerdotisas, emperatrices, diosas, semi-diosas, reinas crueles, institutrices, pitonisas, danzarinas gitanas, voluptuosas esclavas, arqueras bárbaras, virginales princesas y demás macizas fierecillas domadas del harén tumbero.... ¡¡Por Zeus, cómo las queremos!!

CHELO ALONSO (1933- 2... ).-

¡Toma caderas! La cubana -de adopción italiana- es sin discusión alguna una de las Reinas Mayores del género. Estaba rebosante de sensualidad como Tania, la reina jefa de un clan tátraro en La regina dei tartari (Sergio Grieco, 1960); tiraba de bravura, romance y poder de seducción al lado del mazas de Steve Reeves en aquella aventura de mamporros, grilletes y aceite romano titulada El Terror de los bárbaros (Carlo Campogalliani, 1959); se lió con Maciste para que el supermacho diese buena cuenta de colosos, gigantes y cíclopes en dos de sus más descerebradas contiendas: Maciste nella terra dei ciclopi (1961) y Maciste nella valle dei re (1960). Y por si esto fuera poco, esta bella diva iberoamericana dejó para el recuerdo uno de los bailes más calientes, exóticos y provocativos de la época dorada del cine péplum, en la algo limitada -pero entretenida- cinta  Bajo el signo de Roma (Guido Brignone, 1959). Dicho artefacto bilirrubínico tenía como actriz principal a otra de las mujeres atómicas favoritas de esta revista, Anita Ekberg (Zenobia), lo que no fue impedimento para que el nombre de nuestra Chelita Alonso -y su fulgurante danza del vientre- figurase como el mayor reclamo publicitario de la película, incluso más que el de la rubia actriz sueca.

GIANNA MARIA CANALE (1927-2009).-

Suculento manjar de dioses. Otra soberana fémina, bella, lasciva y misteriosa, arrojada al populacho romano en arqueológicos péplums disfrutables. Desde Corinto a Cartago legiones de bárbaros y patricios suplicarían latigazos por su pérfida hiel. La deslumbrante Miss Italia de 1947 fue esclava en los brazos cachas de Espartaco (Riccardo Freda, 1953) y repetiría franquicia en El Hijo de Espartaco (Sergio Corbucci, 1963). Conocidas son sus desventuras como plebeya emperatriz de Bizancio (Teodora...; Riccardo Freda, 1954); esclava cartaginesa (Esclavas de Cartago; Guido Brignone,1956); como malvada princesa Amira (La rebelión de los gladiadores; Vittorio Cottafavi, 1958)... Siempre atizando leña al personal y creando no pocos quebraderos de cabeza al Hercules y Maciste de turno (Steve Reeves y Gordon Scott, respectivamente) o al héroe en chanclas y taparrabos que tuviese la fortuna de cruzase en el camino de tan espartana hembra.

Continuará...

POR UN PUÑADO DE DOCUMENTALES CINEMANÍACOS

REWIND THIS! (Josh Johnson, 2013)
Documento ideal para enganchar a nostálgicos del rebobinado y del pirateo "video a video", pioneros del intercambio, adictos al alquiler de 24 horas, al previo pago de una (auto)cultura cinemaníaca de la A a la Z. Menudo invento el VHS ¡Qué fiebre de formato, señores! Grandes los 80's. La industria, mercado y florecimiento de las cintas de vídeo, qué las hizo posibles, quién las mantuvo, qué quedó de todo aquello y muchas más cosas interesantes y superdivertidas en estas casi dos horas de material documental de primera. Por favor, no salpiquen. Prepárense a ser testigos de una avalancha de bodrios infumables con caratulas espectaculares, títulos de culto con efectos especiales de pacotilla, miles de explosiones a todo trapo, desatadas tramas de acción con violentos héroes asesinos como protagonistas y desnudos femeninos a tutiplén. El sofá les espera.

MICHAEL H. Profesión: Director (Yves Montmayeur, 2013)

Un documental de altos vuelos para un cineasta de altura. Los entendidos en la materia, los primeros de la clase, los dandys de la butaca, los críticos sesudos, los feligreses de la transgresión, los donantes de médula celuloide, militantes cinéfilos y demás amos de la razón ya tienen lo que andaban buscando. El film pretende desentrañar los enigmas y analizar la motivaciones que turban la mente y el arte de tan premiado autor, pero no es tarea fácil (aunque lo intenten en Cannes). No hace falta ir al psicólogo, vaya usted directo al manicomio y atajará. El flamante director de "El Séptimo Continente", "El Vídeo de Benny" o "Funny Games"(1997) se confiesa a su manera, eso sí, pero no es presa fácil, no se deja insultar, tiene otras preocupaciones: Seguir con su cine existencial, obsceno y transgresor sin dar más explicaciones. 

I AM DIVINE (Jeffrey Schwarz, 2013)
El film escarba en la memoria del tristemente fallecido actor y cantante Harris Glenn Milstead (1945-1988), personaje conocido en todos los tugurios de carretera y escenarios drag del cine independiente y underground estadounidense por el sobrenombre artístico de Divine. Provocador nato saltaría a la fama del mal gusto de la mano de otro genial pecador llamado John Waters. Y es que nunca antes una cagada de perro nos supo tan bien. Azares del destino la diva conocería al que sería su gran amigo y, muy pronto el realizador que pondría patas arriba su carrera, en los suburbios de Baltimore, condado al que llegó con 12 años procedente de Towson, Maryland.  La química colaboración entre ambos les llevaría al estrellato gracias a títulos que hoy consideramos de culto como Pink Flamingos, Polyester, Hairspray y demás cosechas marca de la casa. Solo un ataque cardíaco a la edad de 42 años terminó con tan armónica relación. Docu de diez.

JODOROWSKY'S DUNE (Frank Pavich, 2013).
Hace cuatro décadas en un planeta muy muy lisérgico un grupo de visionarios y psicomagos idearon un plan para apoderarse de toda la galaxia con la simple arma de lo absurdo y lo genial. Entre todos estos febriles artistas (Moebius, Arrabal, H.R. Giger,...) que revolucionaron los universos conocidos del cómic, el teatro, el cine, la escritura o la pintura figuraba a la cabeza el marciano Alejandro Jodorowsky, el más embaucador de toda aquella soñadora tripulación. Un proyecto ambicioso y colosal preparaba el chileno y su pandilla: la adaptación a la gran pantalla de la novela de ciencia ficción de Frank Hervert, DUNE . Lo que pasó después lo saben todos ustedes. La que pretendía ser 'la mejor película de sci-fi de la historia' jamás llegó a filmarse y en su lugar tuvimos que conformarnos con la sosa peli de Lynch. Ya iba siendo hora de que los neuróticos admiradores del multifacético artista chileno disfrutásemos de un documental definitivo sobre tan mitológico fracaso.

TE PRESENTO A... JOHN MILIUS: DESTERRADO REBELDE DE HOLLYWOOD

El documental a punto de estrenarse "MILIUS: Man Myth Legend. (2013)" es la escusa perfecta para honrar y ensalzar -en vida, ojito- a uno de los grandes del cine tumbero. Ya les hemos comentado en más de un párrafo de esta revista virtual la admiración y lealtad que sentimos hacia todo lo que lleve la firma MILIUS.  Somos incondicionales eternos del hombre que parió películas tan notables como "El Viento y el León", "Dillinger", "El Gran Miercoles" o "Conan el Barbaro". Dificil desprenderse del tufillo cinemaníaco que desprende este polémico director americano. Películas que pertenecen a distintos géneros cinematográficos pero a las que les une el espíritu libre y rebelde, depositado a conciencia por el propio autor. Un cine perteneciente a la última década dorada 'made in Hollywood'. Aquella que abanderaron apellidos tan ilustres como los Coppola, Scorsese, Cimino, Lucas, Altman, Spielberg ... u otros menos mediáticos como Schrader, Friedkin, Walter Hill o De Palma (venga el caso citar los directores vivos que nos gustan más y que todavía siguen a su bola, intentándolo) y demás hornada de reyes del clan rebelde que asoló Hollywood allá por finales de los 60 y cambió para siempre la forma de hacer (y vender) películas. Alumnos que barrieron a sus anticuados maestros del mapa y que coparon el 'Nuevo Cine Americano' para sí. Esa 'revolución americana setentera' de la que tanto nos gusta charlar que revolucionó el cine y nuestras mentes adolescentes para siempre. La amistad (inicial) y colaboración entre todos los componentes de este grupo de colegas cineastas fue clave importante en toda aquella revuelta (contra)cultural. Milius no goza del mismo estatus (ni crítico ni social) que el de exitosos amigos suyos como Spielberg o George Lucas; directores que representan la antítesis de su ideal cinegético. Su suerte y fortuna siempre fueron menores, eso seguro. Pero entre nosotros Milius estará a la altura de cualquiera de aquellos compañeros y amigos suyos de generación con los que se le quiera comparar. Sin ir más lejos sin la escritura gonza de este señor jamás hubiese existido un film de culto como "Apocalipse Now"..., o al menos, tal y como lo conocemos hoy. Mejor visionen este documento atentamente, y descubran -sin intromisiones tormentosas- el talento en la sombra de esta figura cormaniana por ustedes mismos. No se crean lo que cuentan las malas lenguas... Que si fascista, violento, machista.... Sí, Milius va armado hasta las cejas, cabalga olas con los Marines en su tabla de surf y escucha rock and roll diabólico a toda pastilla ¿y Qué? Ser inclasificable, independiente, testarudo, transgresor, indomable, luchador, fiel a sí mísmo y, demás virtudes politicamente incorrectas, tiene un precio a pagar: Rechazo, malentendidos, censura, destierro, obstracismo, olvido... Por nuestra parte solo decir, que a tipos así, los defenderemos y reivindicaremos a tumba abierta en esta casa. Nuestro cariño y admiración por John Milius y todos los de su estirpe. Forjadores de sueños, románticos aventureros que defienden y contagian su pasión por el cine a tumberos proscritos como nosotros. Venditos cabrones todos.

Apéndice: Sorpresa supuso el verle al frente creativo de la serie de la HBO "Roma". Ya hemos hablado de lo mucho que nos gustó esa televisiva revisión, polémica y visceral, de la Historia del antiguo Imperio Romano. Exultante de violencia y dramatismo sirvió para recuperar la sombra de este desterrado tiparraco que nunca ascendió a las alturas porque sabía que luego la caída sería mucho peor.)

TUTTO MAFIA: 'CRIMINALES' films de Cine Italiano moderno.

EDUCAZIONE SIBERIANA (Gabriele Salvatores. 2012).
"Erase una vez en la URSS".
Esta vez el guión está cambiado. O eso parece. El director italiano Gabriele Salvatores -autor del mas que aceptable thriller con temática 'de secuestros': "No Tengo Miedo (2002)"- decide aparcar los derroteos mafiosos y criminales de su tierra natal para hurgar en heridas similares ocurridas en el ocaso de la antigua Unión Soviética. Los capos sicilianos y sus vendettas pontificadas son reemplazados en esta ocasión por sanguinarios patriarcas e hijos del quemado pueblo ruso de los Urka. Antiguos asesinos y ladrones deportados a Transnitria (entre algún lugar de la Moldavia y Ucrania actuales) por el hijoputa de Stalin en los años 30. Ni con ésas consiguió el dictador borrar la huella de su existencia. Duros de pelar estos siberianos. Como toda comunidad regida por sus propias leyes, códigos ancestrales de lealtad, honor y deber hacia 'el grupo' y/o demás milongas románticas pactadas con sangre que nos quieran vender, la historia de este título y sus mafiosos protagonistas son en el fondo la misma cara de la moneda. Distintos lugares (aquí el frio siberiano es un 'enemigo' más, en contraste con el sudoroso calor Mediterráneo),diferentes tatuajes... Pero el resultado es la misma cháchara violenta de gangsters, corrupción, poder, traición, tortura, masacres, asaltos, trapicheos, política, religión, poder... y mierdas de ésas que tanto nos atraen y seducen desde que aprendimos a ver cine de chiquitos.
Desde aquella impresionante secuencia de lucha en el film "Promesas del Este" - la obra perfecta y maestra del cambiado (para mejor) David Cronemberg-, en la que aparecían dos luchadores  rusos desnudos, tatuados y luchando a muerte cuerpo a cuerpo en unos baños turcos(?)... un servidor esperaba una película completa que mostrase la vida y los códigos de esa clase de sociedad criminal. Así que Educación Siberiana, sin llegar a ser una gran película -que conste-, colma nuestro deseo de visionar esa clase de historias sobre asesinos llegados del helado Este, con creces.
(( Para redondear la faena no dejen de leerse el libro en el que está basada la película (del mismo título) escrito por el ruso Nicolai Lilin.))

VALLANZASCA, EL ANGEL DEL MAL (Michele Placido. 2010)
En su momento recomendamos la biografía fílmica dedicada al 'enemigo público número uno' de Francia,  Jacques Mesrine (2008),  y visto la buena acojida obtenida por el film de J.F. Richet no es de extrañar que sus vecinos colegas italianos quisieran ofrecernos la versión de su villano más famoso y aterrador. Estamos hablando del tal Vallanzasca, personaje donde los haya. Su vida es todo un guión de película como no podría ser de otra manera. Un Robin Hood desfasado, un forajido spaghetti del Oeste, un Dillinger azurro... Esta leyenda criminal italiana no dejará indiferente a nadie. Simplemente decir que en esta humilde morada tumbera vibra con esta clase de licencias artisticas. Agradecemos este tipo de apuestas 'arriesgadas' que nos permiten profundizar en el entorno físico, social y turbulento de la historia y el pasado reciente de un país que todavía tiene mucha miga por contar. El cine transalpino del que os hablamos está demostrando que es posible repasar los trapos súcios de su cruda y vergonzosa historia, con arte y objetividad. Para muestra un botón. El hombre encargado de dirigir esta película de tiros, atracos, secuestros y 'amistades peligrosas' es un clásico de nuestra videoteca 'Italia Connection': Michele Placido. Suya es la cinta "Romanzo Criminale" que igualmente atiende a ese ciclo de revisión histórica gangsteril a la que hacemos referencia. Que el cine italiano saque sus trapos súcios a relucir sin complejo alguno, mientras, nosotros, españolitos cobardes e hipócritas, dejamos nuestra mierda pecaminosa y maloliente alejada de toda sala de cine y redención. Es algo que no nos cansamos de ensalzar. Pura envidia, oigan. Desde aquí exigimos un biopic sobre El Dioni, -atracador de furgones blindados 'al mas puro estilo español' de relevada fama internacional-, sobre el máfias deJesús Gil y Gil... Uf!, que me pierdo...Pero eso sí, tienen que ser dirigidos por un cineasta italiano. Pues es un hecho que se mojan como nadie en esta clase de tormentas y borrascas. Llevan el género en sus genes.

KILLER JOE (WILLIAM FRIEDKIN, 2011). GAMBERRA, DIVERTIDA Y BRUTAL

"...Cuando voy al cine a ver una película, no la escojo en función de la edad

 del cineasta.¿Ha visto usted Killer Joe de W. Friedkin? Es muy divertida y

maleducada. Me pareció muy graciosa, como una película de Russ Meyer.

 Y fíjese:¡La ha hecho un tipo de 80 años! Genial." 

(JOHN WATERS, dixit)

Si lo dábais por muerto...estáis bien jodidos. Pónganse en pie al oir este nombre: William Friedkin. Porque están ustedes ante un cineasta con mayúsculas, un director fuera de lo común. El francotirador que hurgó en el lado oscuro de nuestras mentes y nos manipuló el pensamiento con discursos y sensaciones alejadas del mainstream cuarenta años atrás, sigue en la brecha. Es increible y, digno de admiración, que este señor, que  bien podía estar bronceandose al sol de California bajo los cuidados de una prieta enfermera (y nadie se lo reprocharía, pues se lo tiene más que merecido), esté rodando sensacionales películas a la edad de ¡80 años!. Es de locos. El abuelete sigue por ahí zumbando en nuestros cerebros auténticas historias de violencia, de contenido politicamente incorrecto y oscuramente salvajes, como si aún tuviese 40 tacos. La  acojonante  KILLER JOE (2011)  es la prueba fehaciente de que el genio de Chicago está de regreso. Si bien los tumberos avispados ya estarían 'al loro' de la recuperación de Friedkin cuando mencionamos en su momento un título como "Bug"(2006), el claustrofóbico thriller de terror realista que jugaba con nuestras emociones, psicología, espiritualidad y sexualidad como solo el creador de "El Exorcista", "French Connection" y "Cruising" puede hacerlo.
Tras esta nueva demostración de maestría detrás de la cámara, Killer Joe devuelve satisfactoriamente al gran William Friedkin a primera línea de la actualidad cinematográfica mundial. Con dos cojones y un dominio del medio asombroso, práctico y aplicado, repleto de secuencias memorables. Un relato pulp al más puro estilo Jim Thompson, alguien que solía ofrecernos una visión sombría y cruel de la existencia humana. Personajes atormentados llenos de frustración y dolor en un mundo del que no pueden escapar. Bofetadas en la cara. Espejos que nos retratan. Mala hostia celuloide. Esto es cine, señores. Estas son las películas que en esencia (exijo)quiero ver.
Que no nos tomen el pelo. Salvo contadas excepciones toda la mansalva y bien remunerada 'clase alta' de jóvenes -y ya consagrados- directores de cine moderno, encumbrados a ciegas por crítica y público, premiados en notorios festivales, todos esos que dicen tener carta blanca, esmoquinados pájaros cuco....-vamos, la clase de génios que se dicen buenos-,  acaban a la larga sucumbiendo a los placeres del mainstrean, cuando no, traicicionandose a sí mismos (no es cuestión de citar nombres, creo que los tenéis todos en mente). De ahí la admiración y respeto que siento por el tío que hace una peli como ésta a su edad. Un valiente octogenario que todavía levanta ampollas y profana tabúes a la hora de trabajar. Un visionario actualizado que todavía perturba, escandaliza, juega, zarandea y confunde (la cinta puede parecer una comedia(negra) pero no lo es, además de otras muchas cosas), y lo que es más importante, nos divierte, como solía divertir a nuestros papás y mamás cuatro décadas atrás. Tomen nota hijos del agobio, actitudes como la de Don William "Carga Maldita" Friedkin están claramente en peligro de extinción.

CINE CON TEMÁTICA ROCK POR UN TUBO. Presentamos la nueva obra maestra de David Chase

NOT FADE AWAY (David Chase. 2012).
Los amantes del rock sesentero y setentero no salimos de nuestro asombro... bueno, los amantes del buen rock en general (y no me hagáis explicar lo que entiendo por 'buen'). Y es que últimamente directores de cine se han puesto las pilas y han logrado filmar dignas películas con temática rockera  lo más alejadas del tópico, típico e insípido biopic hollywoodiense ("Good Vibrations", la otra referencia en esta entrada, es otro claro ejemplo de la bonanza del cine-rock a la que nos referimos). Eso es lo que siempre demandábamos los 'buenos' aficionados a estos sonidos antiguos a la hora de querer ver una historia rockera en el cine: honestidad, respeto, y el deber de entretener y homenajear la vida y la obra del músico, banda, cantautor, compositor, periodista musical, roadie, mánager, productor, groupie o movimiento cultural alguno que se tienda a introducir en el guión de una película. Masoquistas musiqueros como somos, nos lo tragamos todo (o casi), es cierto, aunque no perdemos nunca la esperanza de encontrarnos esa péli de actitud rockera que dignifique brillantemente el mundo que más amas. Not fade away (¿te suena de algo el título?) lleva música en cada fotograma al igual que su director David Chase la lleva en las venas. Por fin una película con la que me identifico, sincera y emotiva. Encima divertida y genial. Un film que ya es leyenda tumbera.

Si alguien creía que el creador de Los Soprano iba a vivir de rentas, se equivocó. Menudo debut en pantalla grande ha tenido el tío. Solo un ferviente adorador de la música del Diablo, conocedor de los entresijos y con experiencia en el ramo, podía brindarnos una historia tan bella, fiel y tan realista. Repleta de clásicos olvidados del rock americano de todos los tiempos (el ilustre Steven Van Zandt anda por el medio, así que atentos a la banda sonora),  para nada sensible ni cursi (ni teniendo que abordar una historia de amor entre dos de sus protagonistas), filmada desde el corazón, y con el latente aroma que desprende una ciudad tan musical como Nueva York. Un entrañable ejercicio de nostalgia para cuarentones de religión stoniana (el comienzo de la peli con la secuencia del famoso encuentro entre Jagger y Richards en aquel tren, nos aventura lo que está por llegar). En el fondo, además de una enorme película, disfrutarémos de una magistral clase de historia del rock and roll. Aquel quejido exhalado en las plantaciones de algodón por los esclavos negros, propagado a rebeldes blanquitos de patilla larga, pulido previa parada en Londres, destino Los Angeles vuelo charter al CBGB (de modo parecido a como lo planteara Ralph Bakshi en su excelente largometraje de animación American Pop , de1981) que tanto nos emociona. El rock es la segunda cosa más grande, o el segundo mejor invento si lo prefieren, que ha donado los EEUU a la humanidad (la primera fue la bomba atómica, como bien recuerdan en el film), y créanme si les digo que hubo un tiempo en el que bandas y músicos demostraron que tener éxito y ser jodidamente buenos no estaba reñido con el rock and roll (Beatles, Rolling Stones, Who, Dylan, Kinks, Hendrix...). Comprendan tanta emoción y entusiasmo con Not Fade Away, pero es que hacía tiempo que esperaba comentar un film tan cojonudo como éste.
SINOPSIS: Para lunáticos del cine-rock de autor. Para incrédulos y abnegados que desconozcan los poderosos mecanismos emocionales de un riff. Para todos aquellos rockeros desclasados que siguen esperando un milagro. Para deleitar a ese fan sufridor que todos llevamos dentro. Para nostálgicos pop. 

MI ESCENA: El padre, al borde del camino, en silencio, viendo partir a su hijo. La secuencia resulta más emotiva, al conocer nosotros, y no el chico, que el padre padece cáncer. El lento y respetuoso movimiento de cámara y la mirada del actor, sin música que enturbie ese momento, produce admiración y aporta algo más que calidad a una secuencia mil veces rodada en el cine. En un momento de interpretación del ADIÓS, sublime, por parte de un James Gandolfini que dudo vuelva a repetir algo semejante en lo que le queda de carrera. (Llegado el momento de editar este borrador me entero de la repentina y sorprendente muerte de 'Tony Soprano' -de ataque al corazón con sólo 51 tacos-, lo que significa que esta secuencia cobra todavía más tristeza y grandeza de lo que creía. DESCANSA EN PAZ amigo James). 

++++++++++++++++++

GOOD VIBRATIONS (2012)
"Teenage Kicks" (The Undertones) es para muchos la mejor canción de la historia. Al menos así lo pensaba John Peel, respetado crítico musical que murió defendiendo tal teoría. Ya no digamos Terri Hooley, individuo partícipe de grabar susodicho pedazo de canción a expensas de arruinarse en tal empeño. Sobre la persona y los sueños de este entrañable irlandés gira el guión de esta pelicula. Personalmente les confesaré  que pienso mandar pinchar este temazo el día en que me quemen, mal que le pese a mi santa madre. Como queda reflejado en el film, se trata de algo más que una simple canción. Hablamos de una 'afirmación'. De un sentimiento de vivir. De un imposible posible. De un momento épico.
 Existen sujetos nacidos para perder gozando. Como el bueno de Terri. Un perdedor que soñaba a lo grande. Un tipo sin más ambición que abrir una tienda de discos que acabaría en sello discográfico. "Buenas Vibraciones", la llamó. Pero el lugar y tiempo elegido para dicha hazaña no eran las playas californianas en las que florecieron los Beach Boys. Se trataba del Ulster en los 70. O lo que es lo mismo: ¡una diaria puta guerra a las puertas de tu casa o negocio!. Hooley iba a necesitar algo más que el espíritu de Hank Williams si quería abrirse paso entre tanta bomba y gilipollez. Y fue en el marco de todo ese conflicto sangriento de disputas religiosas, de odios y rencores irreconciliables, de libertades oprimidas, barrios en llamas y labios sellados para siempre, donde se gestaría la leyenda de Terri y su fraternal idilio con los sonidos regeneradores del emergente punk.
Poco importará al rebaño (de hecho ya se retrasa considerablemente su estreno en salas, lo que nos hace pensar mal) las penas y alegrías del Terri real. Mucho nos tememos que el poso que deje en el espectador medio dependerá de la calidad del film. Ni residuo de la música al acabar la velada. Asistirán a lo que creen es la representación de una comedia, pero no pillarán el chiste. Echarán en falta sus gafas tridimensionales y los efectos digitales que no aparecen por ningún lado. Si cabe, el jurado popular dictaminará su protocolario "estuvo divertida" y asunto resuelto. Suerte que existimos nosotros, los que babeamos con cada nota de canciones como "teenage kicks" y palidecemos por películas como ésta. Al fin y al cabo no deja de un querido homenaje a todos los personajes y sonidos que amamos. La peña que alucinó con films británicos de referencia como "24 Hours Party People" o "Control" agradecerán el esfuerzo conjunto de Lissa Barros y Glenn Leyburn por dar vida a esta bonita historia. Amigos tumberos, estamos de enhorabuena. Dos cuentos de rock'n'roll nos caen del cielo.... Que siga la racha.

EN EL ADIÓS DE UN CREADOR DE ILUSIONES, PADRE DEL GÉNERO FANTÁSTICO (RAY HARRYHAUSEN, R.I.P.)

Ray Harryhausen (L.A., 1920 - Londres, 2013)

Ackerman, Bradbury, Moebius, Ballard......Y ahora Ray (Harryhausen). Otro maestro del ramo -la Sci-fi que tanto nos fascina- al que toca despedir en este arreón de siglo. Un gigante que rendía magisterio creando impecables efectos especiales ¡¡no digitales!! con la famosa técnica del stop-motion. Que tendrían aquellos señores artesanos cuyos nombres eran más conocidos al gran público que el de los directores de las películas en las que salían. Por no hablar de sus personajes animados, recordados antes que a los actores de carne y hueso que las interpretaban. 184.600 movimientos, fotograma a fotograma, necesitaban aquellos esqueletos que luchaban con Jason, para hacer realidad un sueño de apenas cinco minutos. En sus manos cobraron vida criaturas y seres mitológicos (Medusa fue al que más cariño le tenía). Figurillas manufacturadas  animadas dotadas de alma propia. Sin la figura de este señor sería incomprensible la historia del genero fantástico. Cualquiera que sienta un mínimo de respeto por el cine entenderá lo que supone la pérdida de este creador de ciencia ficción.

En esta casa ya hemos hablado de sus creaciones cinematográficas (ver link) y está de más recordarlas. Son títulos de referencia absoluta que le han otorgado la inmortalidad. Historias en mundos imposibles. Viajes a tiempos remotos. Monstruos prehistoricos. Titanes legendarios. Criaturas antropomorfas bizarras... Todas sus creaciones animan y configuran mucho más que una simple filmografía. ¡Estamos hablando de Ray Harryhausen, señores!. El hombre que enriqueció los sueños de generaciones de niños. 

Nemo, Simbad, Shiva, Jasón, Medusa, King Kong, T-Rex, Pegasus... Magos, Cíclopes, Centauros, Argonautas, Caballos alados, mandriles inteligentes, pulpos y cangrejos gigantes, tigres de sable... Va por éllos. Por todos los encantadores personajes y creaciones de Ray, que acompañaron nuestra adolescencia y desataron en nosotros la fiebre por la fantasía. Verdadero antídoto contra la depresiva realidad de nuestros días. 

DULCES SUEÑOS, MAESTRO.

DESDE LAS ANTÍPODAS: MAD BASTARDS (2010)

"...tengo a un hombre con una puta hacha dentro de mí, y no lo puedo controlar."
Más cine australiano del bueno, que ya tocaba. La cinta independiente estrenada en el Sundance de ese año y dirigida por el desconocido (hasta el día de hoy) Brendan Fletcher es de las que calan hondo en el espectador. Un drama suburbial, con violencia y alcoholismo de fondo. Nos narra una historia mil veces contada, sí, pero no por repetida dejará de cansarnos jamás. Al menos, siempre que esté bien narrada y tenga cierto grado de credibilidad y honradez como es el caso de MAD BASTARDS. La peli, en determinados momentos, y por el tema a tratar, puede pecar de cursilada para el cinéfilo más exiginte. Nada más lejos de la realidad. Tal vez semejante miopía tenga que ver con los prejuícios del espectador 'entendido' más que por otra cosa. Y para nada le resta méritos el que sus protagonistas, todos aborígenes, se pusieran por vez primera frente a las cámaras, o/y que se note que el director todavía esté arrancando en la profesión; es más, a mí todo esto me parece fantástico. Estamos ante un film para recomendar cor los ojos cerrados. Testimonios reales para una película sobre la cruda realidad, documento visceral del pueblo aborigen. Rodada en espacios naturales de gran belleza y sana espiritualidad. Con una música para perder el sentido, country-folk del desierto para demostrar que hay todo un mundo de sonidos por descubrir allende el océano. Para finalizar decíros que si os gustó un film como la neozelandesa Gerreros de Antaño (Lee Tamahori, 1994), con la que Mad Bastards guarda cierta similitud, tendréis una razón más para no perderos esta dura y, a la vez, hermosa película.

OBITUARIOS A.T.A.: ERNEST BORGNINE (1917-2012)

Como no admirar este rostro; esta mueca de rábia... Se nos ha ído uno de los nuestros. Un actor inmortal. El último del Wild Bunch que quedaba. El tipo que no dudó ni un instante en cabalgar al lado de Pike Bishop y dar la vida por sus amigos. Aquellas sí que eran películas. Aquellos sí que eran actores. Aquellos sí que eran hombres. ERNEST BORGNINE no solo era -y será- uno de los mejores actores norteamericanos de todos los tiempos, sino que era practicamente el único actor que nos quedaba vivo de toda aquella mágica y dorada época del cine clásico. Me cago en los que simplifican su carrera con una palabra: secundario. Vale, un "secundario" la mayoría de las veces por encima del actor principal. Delbert Mann lo vió claro y le dió las riendas en Marty (1955). El resultado fue un oscar irreprochable. Le lloramos como actor pero todavía más como ser humano. Ahí es donde residía la mayor virtud de este personaje. No oirías a nadie hablar nunca mal de él. Ni a él de nadie. Trabajó y fue actor fetiche de los más grandes: Peckinpah, Ray, Sturges, Aldrich, Fleischer, Carpenter,...- y no se le cayeron los anillos a la hora de aceptar cualquier propuesta y seguir trabajando hasta el final de sus días dondequiera que fuera y con quien fuera (Wes Craven, Sergio Corbucci...). Cuesta creerlo, pero así era Ernest, buena gente, alejado de la imagen de "malo" que ofrecía en un sin fin de magistrales películas. La sola participación en Grupo Salvaje (1969) ya le otorga de por sí la inmortalidad. Pero es que además títulos como El Emperador del Norte, Doce del Patíbulo, Barrabás, Los Vikingos, De aquí a la eternidad, Johnny Guitar, Sábado Trágico..., son el legado que deja. Cintas que se hicieron mucho más grandes con su mera presencia. De haber nacido atractivo, otro gallo cantaría. De ahí le viene lo de "secundario", tal vez. Su última etapa nos concedió entretenido cine de género; carnaza de videoclub para esquisitos paladares tumberos: La Aventura del Poseidón, El Abismo Negro, El Planeta de los buitres, El día del fin del mundo, 1997...Rescate en Nueva York, Convoy, Comando Patos Salvajes..., Títulos que siempre estarán ahí para recordárnoslo. Descanse en paz.

Veracruz, De aquí a la eternidad,

NEW HOLLYWOOD: 3 WOMEN (1977. Robert Altman)

La última joyita del cine norteamericano de los 70 que me he zampado ha sido esta rareza de Robert Altman. Corrosivo, polémico, controvertido..., el cine de este caballero era el martírio del espectador palomitero. Cine a contracorriente realizado con la libertad que pregona. Un activista, un ideólogo; siempre explorando al individuo, su entorno social y psicología. Genérico, pero a la vez desmitificador y original. Artístico e independiente. Veneno para Hollywood; por tanto tentación. Un director dueño de un microcosmos particular: El mensaje metafórico de sus films, el humor, el cinísmo, el compromiso político, las alucinaciones, autoparódias, teorías, personajes corales, romanticismo..., y por qué no, tomaduras de pelo, definen a la perfección el espíritu del cine de aquella gloriosa época. De todas sus películas -las buenas: Mash, El largo adiós, Los Vividores, Nashville, Vidas cruzadas, El juego de Hollywood, El último show..; y las malas: Buffalo Bill y los indios, Popeye, Pret a porter...- esta 3 Women (3 Mujeres, 1977) es sin duda la más excitante y extraña que ha rodado el añorado director de Kansas City. Para mi gusto está entre lo mejorcito de su repertorio. Olvídense de la historia o de la trama como tal, y déjense seducir de buen cine. La péli no es más que una escusa del director para profundizar de forma abierta en la compleja personalidad de la mujer. Altman cuenta que tuvo la idea de hacer esta película tras una serie de sueños que había tenido cuando su esposa Kathryn estuvo seriamente enferma ingresada en un hospital. Altman rodó claramente influenciado por Persona (1966), en lo que puede definirse como una aproximación del autor al cine bergmaniano (incluso hay planos muy similares). Lo que más me ha impresionado, además del carácter tenebroso de la banda sonora (y de toda la cinta en general), han sido las interpretaciones de sus dos actrices principales, Sissi Spacek (Pinky) y Shelley Duvall (Millie), sobretodo la de esta última actriz a la que Altman dejó absoluta libertad para crear su gran personaje. Me río yo de Almodovar y sus marujas desesperadas. Aquí hay una historia para comerse el tarro de verdad. ¿Y qué me decís del final?... ¿No pueden ser todas la misma persona?...

ANOTEN ESTE NOMBRE: JEFF NICHOLS (autor indie, de momento))

Jeff Nichols (Little Rock, Arkansas, USA, 1978) es de esos tipos que con solo dos películas en el zurrón -estoy pensando en el irlandés Steve McQueen ("Hunger" y "Shame") y en el sueco Thomas Alfredson ("Déjame entrar" y "El Topo")- se han ganado la admiración y el respeto de todo amante del buen cine. En este ciberfanzine hemos disfrutado de lo lindo visionando sus dos bendecidos títulos hasta la fecha, Shotgun Stories (2007) y Take Shelter(2011), ansiando un próximo trabajo suyo como si de un Jarmusch o un Nicolas Winding Refn se tratara. Si deseáis resguardecer o buscar refúgio en las historias penetrantes cargadas de grave fractura emocional no dudéis en penetrar la extraña lucidez del cine de este hombre. Uno ya no espera obras maestras, espera buenas películas, y Jeff Nichols -al menos hasta el momento- nos ha dado el gusto de verlas. De ahora en adelante habrá que estar expectantes a todo lo que filme este tío, se lo ha ganado.
SHOTGUN STORIES (2007).- La película que dió a conocer a nuestro joven director independiente nacido en Little Rock, capital del estado de Arkansas. Y son precisamente los campos de algodón y las carreteras secundarias de su tierra natal (antaño hogar de los siux Quapaw), limítrofes con el gran río Mississippi, los que elige Nichols para escribir y filmar esta sangrante historia interpretada a modo de tragédia griega. Prepárense para entrar en un lugar desapacible y profundo. Acomódense en sus confortables asientos y contemplen lo que autor nos vomita el la cara: ¡una ráfaga de cólera americana aquemarropa!. Imágenes de una guerra familiar rastrera e incestuosa, el reverso tenebroso del sueño americano: Hermanos y hermanastros enfrentados, padre ausente y alcoholizado (ni siquiera se preocupó por ponerle nombre a sus hijos) y madre aborrecible; cicatrices en la espalda, marcas de bala... Odio y violencia fuertemente enraizados que no tardarán es estallar. Cine de primera para los aficionados al cine de culto... y patada en el estómago para todo espectador acomodado, poco dado a historias que le hagan pensar demasiado. TAKE SHELTER (2011).- La semilla de la locura sería su título traducido. Una locura, y una película, que no difiere demasiado de La Semilla del Diablo de Polanski. Al igual que Mía Farrow deliraba e imaginaba un vecindario satánico, el actor de Take Shelter, un notable Michael Shannon, protagonista del anterior film de Nichols (y al que parecen irle como anillo al dedo los papeles de paranóico como bien demuestra en la formidable "Bug" de William Friedkin o en la fantástica serie Boardwalk Empire), sufre, o parece sufrir, brotes de locura y pesadillas apocalípticas en un film que explora la locura, el miedo, y sus laberintos (¿estamos dentro de la mente de Curtis o fuera de ella?), de manera expléndida. Esa ambigüedad, ese dilema dramático que habita dentro de esta intimista película independiente, son los puntos fuertes del film. Refugiarse de la tormenta que se avecina en el interior de uno mismo es lo que parece agitar esta historia. Para muchos, entre los que nos incluímos, es la película indie de la temporada (así como el pasado año tal galardón recayó en Winter's Bone). No es una película de David Lynch (tiene otras inquietudes) pero desconcierta, descoloca y desgarra cada imágen con contundencia.