SERIE TV: SUN RECORDS

Seamos sensatos, tal y como está el mundo (y hablo en general) ya no estamos como para pedirle peras al olmo. Hay lo que hay y punto. No te esperes mucho más o saldrás defraudado. Así que solo por existir una serie con el rock'n'roll como protagonista ya me doy por satisfecho. Pueden contarla como les dé la gana, adornar la pantalla de caras bonitas y lollipops del mil sabores que lo que a mi me interesa es la música inmortal de la cuadrilla del diablo de Sun Records. En un momento de la Historia juntos Sam Phillips, Elvis Presley, Carl Perkins, Johnny Cash y Jerry Lee Lewis...algo así como reunir en una misma barra de bar a Einstein, Newton, Arquímedes y Copernico digo yo. Dioses terrenales en plena acción. Lo demás son cotilleos. Si hubo un antes y un después en este jodido universo ocurrió sin lugar a dudas en ese estudio de grabación de Memphis: La eclosión del rock'n'roll. La juventud del mundo pidiendo a gritos que no le pisasen sus zapatos de gamuza azul. ¡A Uan Ba Buluba Balam Bambu!

Rober Dahlqvist: Por la gracia de Dios

(1976 - 2017)

Robert “Strings” Dahlqvist guitarrista de rock'n'roll por la gracia de un Dios que nos lo arrebató a la edad de 40 años. Y lo era en cuerpo y alma los trescientos sesenta y cuatro días del año. Cómo olvidarlo. Al principio no eran pocos los que dudaban del substituto de Dregen en Hellacopters. ¿Carisma? ¿Técnica? ...Las dudas pronto se disiparon. Los que tuvimos la suerte de estar ahí durante el periodo de Dahlqvist en la banda sueca (del 99 al 08) podemos dar crédito de ello. El majestuoso High Visibility ya es por mérito propio uno de los mejores albumes de rock de toda la historia y qué decir de By The Grace of God....Tras la obligada parada hellacopter encontró en Thunder Express el canal adecuado para seguir pregonando el mensaje sesentero con la cabeza bien alta: MC5, Faces, Kiss... Colaboraciones cool con The Solution (Scott Morgan), proyectos más personales (Strängen) así hasta que se le paró el corazón. Solo puedo decir un millón de gracias amigo Robert y que ojalá descanses en paz, de ahora hasta el fin de los tiempos.

EL RINCÓN DEL PINCHADISCOS: the Rattles "THE WITCH"

En esencia el rock'n'roll era esto. El último reducto. Nuestro código secreto. Siempre lo fue. "Tienes un arma chaval": así que dispara, sientelo, revélate, grita, salta, incordia, disfruta, emociónate, haz el amor... ¡escúpelo todo de una puñetera vez!. Fue bonito mientras duró. Ahora aquel fuego está bajo control. No sé quien amañó la partida, el momento en que se truncó todo. Así que volver a sentir esa experiencia a estas alturas del cotarro, aunque sea en cuentagotas, es lo único que me motiva a la hora de escribir estas líneas. Sobretodo cuando descubres que esa llama, ese poder oculto del que la gente huye sin prestar demasiada atención, era real e intenso. No tiene secreto. Él se apodera de tí y no al revés. De repente quedas atrapado en un universo paralelo durante tres minutos y sientes como una descarga eléctrica recorre tu esqueleto de arriba a abajo. El gran subidón.
Los teutones The Rattles esparcieron su pócima allá por la década de los sesenta -el disco que nos ocupa, The Witch" salió allá por 1971- pero sus embrujos todavía siguen sonando atronadores y poderosos sin perder ni un ápice de su energía vital. Erupciones volcánicas en forma de lisérgicos riffs y melodías como hachazos perforan tu sesera. Hijos bastardos de The Who, Black Sabbath y Jefferson Airplane (el parentesco con la banda californiana tal vez tenga mucho que ver con las dotes vocales de la israelí de cuna Edna Bejarano) estos greñudos piojosos de la Selva Negra te hacen sentir el rey de la puta carretera. Que nadie se interponga en tu camino chaval.

LISTAS: POWER-POP GLASEADO DE ÁNIMO.

¿RESACOSO?, ¿TRISTE?, ¿EXTENUADO? ¿DERROTADO, QUIZÁS?... NO ERES EL ÚNICO. NECESITAS UNA BUENA DOSIS DE VITAMINAS, YA!! TRANQUILO, TENEMOS LA RECETA.
EN ESTA CRIPTA TUMBERA OS HEMOS PREPARADO UN BREBAJE MILAGROSO DE POWER-POP GLASEADO MARCA DE LA CASA PARA EMPEZAR EL AÑO CON CIERTAS GARANTÍAS.
DOCE SUCULENTAS Y BURBUJEANTES CANCIONES PARA LEVANTARTE EL ÁNIMO, PARA QUE PEGUES UN PUÑETAZO EN LA MESA. UN CONTAGIOSO FESTÍN DE MELODÍAS PEGADIZAS, GUITARRAS REFRESCANTES Y LOZANA PASIÓN AL ALCANCE DE UN 'CLIC'. CANCIONES REDONDAS, CANCIONES PERFECTAS.

1. "September Gurls"  (BIG STAR)
2. "Surrender" (CHEAP TRICK)
3. "Rock'n'Roll Girl" (THE BEAT)
4. "Shake some action" (FLAMIN' GROOVIES)
5. "Teenage Kicks" (The UNDERTONES)
6. "Another girl, another planet" (THE ONLY ONES)
7. "When you find out" (THE NERVES)
8. "Friday on my mind" (THE EASYBEATS)
9. "In the city"  (The JAM)
10. "The last year" (STIV BATORS)
11. "Poor little rich girl" (The BOYS)
12. "Ráfagas" (Los BÓLIDOS)

EL RINCON DEL PINCHADISCOS: "I hate freaks like you" (Dee Dee Ramone)

Dee Dee fue el ramone más subestimado. Solo los necios se atreverían a restarle el mérito que le corresponde, pues todos los tumberos sabemos que los salivazos más pegajosos provenían del insalubre cerebro del bajista y miembro original. Tras su despedida (dejémoslo ahí) es justo decir que comenzó la inevitable cuesta abajo de la banda neoyorquina (vale, las canciones que firma su sustituto CJ y alguna otra más de Mondo Bizarro no están mal). Mientras sus hermanos de sangre exprimían la fórmula familiar entre bostezo y bostezo vinílico (vale, resolvían la ecuación siempre que se subían a un escenario de eso no cabe duda) va el muy cafre y se factura un disco que es toda una declaración de principios, un regreso a los orígenes ramonianos que no por bruto deja de ser tonificante y revitalizador. Las composiciones de "I HATE FREAKS LIKE YOU" (1994), título jodidamente genial, supuran rock'n'roll ramoniano (y neoyorquino, oigan) por los cuatro costados. Son canciones con agallas. Por aquel entonces el grunge se deshidrataba y los nuevos oyentes fijaban su atención en un renaciente mosaico de sonidos punteros que jugaban a fusionar, reinventar y experimentar con el rock (Mercury Rev, Mark Lanegan, Sonith Youth, Jon Spencer, PJ Harvey o Yo la tengo, entre otros). De ahí el valor añadido que supuso el lanzamiento de este puñado de temas estandarte. Un Lp repleto de auténtico punk-rock que transportaba a uno veinte años atrás, a la sala de máquinas del CBGB en plena mitad de los 70, pasándose por el forro las modas imperantes y pariendo un disco que ha quedado como el  último gran/mejor trabajo de un ramone en solitario (hasta que en 2002 apareciera el "Don't worry about me" de Joey, eh.). Aquí no encontrarán punteos metasofisticados, riffs pesados y dramaturgicos, arreglos subversivos..., no, esto que pincho a todo volumen en mi rincón tumbero no es más que simple y rica dinamita esquizoide, blues intravenoso, las angustias profundas de un Dee Dee que dejó de lado sus paranoias hip-hoperas para rozar la excelencia punk-rock con la absoluta libertad de tocar y cantar como el culo rock'n'roll animal en su estado más puro y salvaje.

GALERIA DE ILUSTRES ROCKEROS. ¿Existe vida más allá de la ALICE COOPER BAND?

"Mucha gente piensa que yo toqué la batería para Alice Cooper, el artista, y esa no es la verdad.

 Todos éramos miembros de una banda en la que el cantante era Vincent Furnier"

(Neil Smith)

Olvidados por la historia los antiguos camaradas de Vincent Furnier son noticia por primera vez en muchísimos años. Desde esta guarida cochambrosa queremos rescatar del abandono y el olvido más injusto a la formación original de aquella mítica banda liderada por Alice Cooper a principios de los 70. Neal Smith (bataca), Dennis Dunaway (bajista en la Alice Cooper Band), Glen Buxton y Michael Bruce (guitarristas) son los miembros fundadores de los que les hablamos. Durante el periodo 1971-1973 compusieron un puñado de discos relevantes que hoy son clásicos del rock (Killer; School's Out; Billion Dollar Babies..) por mucho que se empeñe Vicente "Mr. Nice Guy" Furnier en negar firma, valor y crédito al trabajo de estos tres señores. A excepción de Buxton (muerto en 1997) el resto de la banda original continua resistiendo, vivitos y coleando, en plena forma pese al paso de los años. Si el bueno de Alice Cooper decidiera reunir a sus viejos amigos hace mucho que hubiese recuperado el talante y la chispa perdida. Pero en vez de buscar el disco definitivo que le redima con el Rock&Roll lo único que parece preocupar a este señor es girar y girar en un "never ending tour" que resulta de lo más triste y monótono (eso, y preparar un esperado disco de versiones de Hendrix, Lennon, Morrison, Moon y algún que otro amigo de renombre fallecido hace tiempo). Allá él con sus decisiones, está en su derecho. La noticia, en todo caso, y tras haberse cumplido el cuarenta aniversario del disco y gira de Billion Dollar Babies (1973) sin atisbos de que la reunión soñada por todos los tumberos se lleve a cabo, pasa por resaltar el buen momento que atraviesan los antiguos compañeros (o al menos dos de éllos) de Mr. Furnier,que sin lugar a dudas están tocando su mejor rock en mucho tiempo.

• NEAL SMITH. Hace meses que el veterano y genial batería de Ohio terminó de editar su segundo trabajo bajo el seudónimo de su álter ego Killsmith en territorio español, gracias a la colaboración del sello The Fish Factory. Si el primero, titulado Sexual Saviour (2008), sonaba excitantemente crudo y descerebrado, tanto que parecía haber sido grabado justo después de las sesiones de batería que compuso para el Beyond The Valley of 1984 de sus adorados Plasmatics, el más reciente Killsmith Two (2011), igual de furioso y descarnado, apuesta por un puro rock&roll de guitarras ruidosas y distorsionadas más allá de los esquemas del punk y el rock industrial plasmático que firmó en anteriores obras. Letras apocalípticas y ritmos turbadores para el nuevo milenio para demostrar que jamás debemos subestimar a un viejo perro rockero.
• DENNIS DUNAWAY. Tampoco paró de girar y grabar en todos estos años. En los 80 formó parte de los Deadringer (con Neal Smith a la batería) y vagó entre diversos proyectos que no darían fruto alguno hasta que en 2007 Ian Hunter lo recuperó para la causa en su disco Shruken Heads. Ese mismo año lanzaría el primer trabajo en solitario de su carrera (Bones from the Yard), y al año siguiente la crítica recibiría entusiasmada el nacimiento de la superbanda Blue Coupe. El trío, que recientemente acaba de publicar un elegantísimo segundo disco ("Million Miles More, 2013), lo componen otros dos rockeros olvidados de pasado histórico: los hermanos Bouchard (Blue Oyster Cult), Andy y Joe (éste último ya fuera compañero de armas suyo en Deadringer). Bendito placer asistir al renacimiento de estos tres dinosaurios del rock y comprobar que el tesón y el talento dan sus merecidos frutos. Atentos a este grupo de abueletes.
• MICHAEL BRUCE. De los tres killers el guitarrista es el que sigue más perdido y abandonado a su suerte. Se mudó de Arizona a México, y aunque sigue escribiendo canciones que merecen ser escuchadas su actitud da a entender que quiere desentenderse de todo y de todos. Su último disco en solitario "As Rock Rolls On" data de 1983 y pese haber lanzado algún Lp recopilando antiguas composiciones (la antología "Halo of Ice", por ejemplo) no publica nada nuevo desde hace años. El temazo "Well Hell Comes Home", incluido en el 26º álbum de Alice Cooper (Welcome 2 My Nightmare, 2011), es una de sus últimas composiciones y vislumbra a un genial músico que espera ser recuperado cuanto antes. Recemos por que llegue pronto ese día.

MONDO LIRONDO: CURIOSIDADES AC/DC

NI PELÍCULA, NI DOCUMENTAL ANUNCIADO, NI LECHES... A FALTA DE MATERIAL FILMICO EN CONDICIONES NOS VEMOS EN LA GUISA DE SACIAR NUESTRO FAMÉLICO ESTÓMAGO DE ALTO VOLTAJE CANALLA CON UNA SERIE DE CURIOSIDADES SOBRE LA MAGNA BANDA QUE LIDERÓ HASTA SU ETÍLICA MUERTE EL AÑORADÍSIMO BON SCOTT. 
ESPERANDO QUE FLOREZCAN ALGÚN DIA DE ESTOS SIMILARES 'ESTRELLAS DEL ROCK' COMO LAS DE ANTAÑO (POR SOÑAR QUE NO QUEDE), HEMOS DECIDIDO RECORDAR ALGUNAS  ANÉCDOTAS DE NUESTRO GRUPO FAVORITO.

Recortes de familia:

• El nombre para la banda lo sugiere la hermana de Angus y Malcolm, Margaret, que utiliza una máquina de coser con las palabras AC/DC escritas en la parte trasera. Tras barajar otros nombres finalmente acabarían por adoptar las famosas siglas que les harían mundialmente reconocidos. Lo que los hermanos Young desconocían es que la comunidad gay utilizaba esa misma expresión como referencia al sexo.  
• Otra vez sería su hermanita mayor la que acertase al proponerles vestimenta para la banda. Tocarían con ropa de escolares por la sencilla razón de que eran unos críos en edad escolar. Y sin rechistar. Adivinad quién les confeccionó dichos trajes!!!
• Siguiendo con el entorno familiar de los Young (emigrantes ingleses en Melbourne con el padre en paro y ocho bocas que alimentar) decir que tenían bien a quien parecerse. El éxito que alcanzó su hermano mayor George con los Easy Beats (Friday on my mind), les servió de fuente de inspiración en la aventura musical que estaban a punto de emprender. Años más tarde contratarían a George como productor de la banda. 

Se ofrece vocalista en adopción:

• Bon Scott se unió al grupo en 1974 directamente desde prisión. Se había pasado un año entero en chirona por agredir a un policía. Si alguna vez se preguntaron por los tres dientes que le faltaban al diablillo canijo, ahí lo tienen... La imagen de pendenciero autentico, preparado para aplastar cráneos y patear culos era cierta. La ironía viene cuando el pobre de Bon, cansado de parecer siempre un tipo desaliñado que no cuida su imagen (y así era en verdad), sorprende a todos al presentarse en los estudios de grabación londinenses en los que preparaban el nuevo disco "Black in Black" ¡con la dentadura arreglada!. Ni decir que palmaría semanas después.
•  Los fantasmas de la esperpéntica y, conocida por todos, muerte alcohólica del famoso cantante rock-star rondarían años más tarde a otro miembro de la banda. Veinte años ininterrumpidos de parranda con la botella casi acaban con la carrera del lugarteniente Malcolm. En 1988, al borde de reventar el hígado, ingresa voluntariamente en una clínica de desintoxicación y su puesto de bajista lo ocupa temporalmente otro miembro de la familia Young: su sobrino Steven.  
• Si no era poco lo de lidiar con la etiqueta de "seguidores de Satanás" y derivados problemas con la censura, los ejecutivos discográficos y los denominados 'defensores de la moralidad' que arrastraban desde que explosionó el atómico "Highway to Hell"... encima surgirían una serie de catastróficas desdichas que pondrían al grupo australiano bajo el yugo inquisidor de la opinión pública. Repasemos...

Mudarse a Amérika tiene estas cosas

• En 1985 un joven asesino en serie californiano llamado Ramirez admite haber llevado a cabo sus crimenes bajo la influencia del tema "Night Prowler". Parece ser que el pirado chaval se internaba por las ventanas de las casas de sus víctimas en la noche tal como rezaba de forma parecida la letra de la canción. La prensa encontró un filón en estas conexiones rockero-criminales y no tardarían en aparecer las censuras (a la sublime portada del "maldito" Highway to Hell, por ejemplo), los rumores de satanismo, los supuestos suicidios de fans...  Estas absurdas y calculadas acusaciones, toda esta campaña anti-rock, todos estos ataques, eran publicitados, vertidos y promovidos por el PMRC de Tipper Gore y similares grupos de cretinos 'defensores de la moral' ( devotos cristianos y votantes de Reagan) que intentarían por todos los medios zozobrar la línea de flotación del Rock'N'Roll.. dicho sea de paso, sin conseguirlo.
•  Una de las más sonadas tonadillas imaginarias de la prensa sensacionalista y bufona en cuanto al tema de la adoración al Diablo en los foros del rock, y en particular, sobre nuestra banda favorita, giraba en torno al verdadero significado oculto tras las siglas del nombre de la banda. Unos apostaban que las iniciales de "AC/DC" correspondían al mensaje satánico "After Christ/Devil's Come", y otros al de "Anti Christ/Devil's Children"... Imaginación no les faltaba, eso seguro. (Nota: Si desean una explicación más convincente al misterio de las siglas vuelvan a leerse el primer párrafo).
• En 1991 los AC/DC se unen a la lista negra de bandas que han sufrido la desgraciada muerte de alguno de sus seguidores mientras descargaba en directo (Rolling Stones, The Who...). La tragedia tuvo lugar en Salt Lake City, durante la gira de Razors Edge. 13.000 fans congregados y tres almas al infierno. ¿Serían capaces de terminar aquel concierto?. The show must go on!, baby....
• Para rematar este cotilleo lirondo un dato que creemos es definitivo (e irrepetible) ¿Conocen actualmente alguna banda de rock capaz de reunir ¡un millón! (sí, han leído bien), mil millares de asistentes en un solo concierto? No, claro que no. Pero ahí están AC/DC para romper barreras. En 1991 una millonada de rusos brindaron con vodka y se apelotonaron en una antigua base aérea soviética a las afueras de Moscú para disfrutar como cosacos del mayor show de su historia.

MICHAEL MONROE: Leyenda viva del Glam-punk-rock

Sobran las palabras. Cuarenta años subiendo y bajando escenarios de Estocolmo, Tokio, Hamburgo, Los Angeles, New York, Londres, Paris o Vigo, tienen la culpa. A base de trabajo y tesón este finlandés de labios pintados se ha labrado un nombre entre lo más engrasado de la especie. Un rockero auténtico de pies a cabeza. Lo he vivido in situ. Una de esas noches en que aceptas la verdad y participas de la leyenda. Michael Monroe fue capaz de reunir al más variopinto, severo y nutrido público de la familia rock en un mismo recinto: Estaban los fanáticos que le seguían desde los tiempos de Hanoi Rocks; los que se sentían atraídos por el ambiente más oscuro de su pasado en solitario, cuando deambulaba en compañía de difuntos diablillos de aguja intravenosa como Thunders, Jay Henings o Stiv Bators; los que acudían recelosos a comprobar por qué el tal Monroe recibía elógios de un gurú como Little Steven; los invitados, que no tenían nada mejor que hacer y querían reirse del tío que colaboró con Axl Rose... Todos ellos curiosos y expectantes de que el circo llegase a la ciudad. Querían comprobar si el tigre era tan fiero como su fama. Alrededor podías imaginarte los gustos musicales de la comulgante turba porque así lo anunciaban orgullosos en sus camisetas: Guns&Roses, Faster Pussycats, Dead Boys, Motorhead, Misfits, Ramones, Bruce Springsteen, Johnny Cash, Chesterfield Kings, Dr Feelgood, Halloween, Hellacopters, Link Wray, Sex Pistols...¿Cuántos músicos conoces que sean capaces de satisfacer las demandas de tanto loco suelto circulando por esta selva que llamamos rock? Por un par de horas el Rock se convirtió en un solo Rock. No había barreras, ni se distinguía clan alguno. Sin disputa, todos comulgábamos con el Diablo: El punky, el rocker, el heavy, el mod, el garagero, el bluesmen... Claro que mañana sería otro día, pero aquella noche nadie se avergonzaría del bueno de Michael. Sus rostros de satisfacción les delataban.
Enfrascados en formol, un clásico tras otro, la banda de mercenarios a sueldo fue desgranando lo más selecto de la discografía monroeniana: Algo de Hanoi, de sus composiciones con Andy McKoy, de los efímeros 'sopranos' Jerusalem Slim.... Lo más aplaudido y festejado (en el plano personal) fue cuando atacaron sin piedad el grueso de canciones incluidas en el majestuoso disco homónimo de DEMOLITION 23 ("Nothin's alright", "Endangered Species" ...) y, como olvidarme, cuando me/nos regaló un regreso a los 80 recuperando joyas ensangrentadas de otra de sus obras referenciales, el criminal NOT FAKIN IT (1989). Un disco repleto de himnos rockeros, mandamientos tumberos nacidos para tocar en vivo ("While you were looking at me"; "Dead, Jail or rock and roll"; "Not fakin' it", que da título al Lp y es una versión de ¡¡¡Nazareh!!!..). Ambos vinilos son piezas de museo. Si faltan en tu discoteca o colección... mejor que regreses al redil del que te has perdido.

VENID A LAS CLOACAS. LA HISTORIA DE LA BANDA TRAPERA DEL RÍO

Desde la ciudad satélite de Cornellá (Barna.), antes de la democracia y mucho antes de vendernos la crisis o de que aparecieran los festivales de verano. Antes de alaskas, pollos fritos y carruseles de movida alguna. Incluso antes de que Eskorbuto se creyesen 'ratas en Vizcaya' y censurasen a Las Vulpes por 'zorras'. Antes del boom post-Maiden y la eclosión final del rock'n'roll en este país. Mucho antes de todo ese rollo que nos quieren hacer creer del 'rock del sábado noche' y su aceptación en la radio y la televisión... la Banda Trapera ya existía.

El grupo nació de la basura y la nada más absoluta, para proponer, seguramente sin darse cuenta, el rock más auténtico, gamberro, subversivo y peligroso que jamás se haya escupido en el ámbito de nuestras fronteras. Cinco 'curriquis' de barrio que traficaban con heroína (como suena) y en sus ratos libres se divertían tocando rock duro y visceral sin etiqueta alguna, nada complaciente con el oyente medio, y a los que rapidamente se les criminilizaría por éllo. Increible que saliese una banda así en nuestra España de los 70. Para los que duden de sus méritos y logros: eran todos unos músicos geniales (la voz tal vez fuese su punto más débil, pero esto habría que discutirlo) y su puesta en escena una puta salvajada, recomiendo enfurecidamente el documental VENID A LAS CLOACAS... (2012) para que ellos mismos os expliquen la magnitud de la Trapera. Tan histórica banda y, tan históricos acontecimientos, son narrados y filmados a todo trapo en este fastuoso documento por el escritor y periodista musical Jaime Gonzalo, una voz sabia y noble, revuelta activa y cronista gonzo al que tanto queremos en esta casa. Semejante firma autorizada salda de una vez por todas la vieja cuenta pendiente de recordar y reconocer a estos kamikaces sónicos jodidamente esenciables y irrepetibles, haciéndoles justicia con esta peli (y antes un libro). Los maltratados fans de la banda -y todos los desgraciados que desconozcan de su existencia- ya podemos estar contentos: tenemos lo que anhelábamos. Trapera forever!!!!!!!

MACARRADAS SOUL: SHUGGIE OTIS y las nueve vidas de un gato callejero

Retomando una de las secciones preferidas de esta revista: El rincón tumbero  por el que pululan los nombres de nuestros macarras negratas favoritos. Lo mejorcito del barrio. Desaliñados tipos con clase que emanan chulería a borbotones. Sibaritas del ritmo negro que más mola. Mendas curtidos en mil peleas callejeras, marcados a fuego por la puta vida. Panteras enjauladas. Lo más negro de la lista negra. Especímenes extinguidos pero no olvidados, al menos en esta casa. Nos referimos a macarrada de la calaña de André Williams, Nathaniel Mayer, "Hound Dog" Taylor, Little Walter, Migthy Hannibal, Antonio Fargas, Chestter Himes, Huey Newton... y demás pandilleros de relumbrón. Es turno de añadir un nuevo apellido a la lista familiar de peligrosos felinos de ébano: SHUGGIE OTIS (L.A. 1953). El hermano tiene su tela ¡y es de los buenos! Anoten, anoten...

El viejo y renacido Shuggie será recordado como uno de los fenómenos más extraños del negocio musical. Durante los dorados años 70 alcanzó cierto renombre como naúfrago psicodélico que partió del blues para empaparse de lleno en un pop lisérgico de alta escuela. Haber sido el quinto beatle no hubiese estado mal de no despeñarse por un abismo de malas compañías y alcohol. Fuera como fuese al bueno de Otis se lo tragó la tierra y desapareció del mapa musical durante más de 30 años. Como se las arregló para sobrevivir todo este celibato es un misterio. Un silencio que rompió recientemente decidido a relanzar su carrera con la reedición de uno de sus antigüos discos, aquellos que en el pasado le otorgaron fama chica, completándolo con algún tema inédito que guardaba en el zurrón. Regresa cambiado de tan larga ausencia. Un retorno a sus orígenes, al rhythm&blues que mamó de su influyente padre Johnny Otis. Figura autoritaria -además de líder de su Comunidad- y mentor musical que colaba a su mocoso vástago en los escenarios más mugrientos del guetto angelino. El crío resultó ser un virtuoso de las seis cuerdas, un teenager que ya grababa discos con rockeros de la talla de Frank Zappa o al Kooper antes de alcanzar la mayoría de edad. No se lo creerán (y harán bien en dudar) pero según cuenta el propio Shuggie  éste rechazaría en su momento entrar a formar parte del plantel a sueldo del mismísimo David Bowie o los Rolling Stones. Si eso no es actitud de macarra, ustedes dirán. Solo me queda el invitarles a que descubran el sensual y chulesco trabajo de semejante guitarrista desterrado, y para eso, no tienen más que eschuchar su "Inspiration Information (74). El disco funk que según los expertos en la materia inventó a Prince (recuerden que el autor de "purple rain" lanzaría su primer elepé mucho más tarde, en el 78) y que contiene inmortales joyas de pista de baile de la categoría de "Strawberry Letter 23" (lo de los Beatles al parecer no era una broma) o "Aht uh mi hed".

TUMBADISCO SELECCIONADO: CALVIN RUSSEL "Dawg eat Dawg" (2009)

Disco póstumo del músico de Austin lanzado dos años antes de palmarla de cáncer de hígado a los 62 tacazos. Qué portada! Mírenlo bien. Parece un titiritero, un predicador de circo carnavalesco. Tal vez fuese vendedor ambulante de pócimas sanadoras en un remoto far-west de su otra vida. Pero no hay trampa ni cartón en esa pose. Bajo las arrugas y las canas descubrimos a un bala perdida curtido por el inenudible paso del tiempo, por el desprecio del olvido. Un renegado de listas y flashes, un desterrado forajido. Sacúdete el polvo de tus oídos... y, de paso, el de sus botas de piel de cocodrilo. Lo que sonará en tu plato -a todo volumen- será un blues-rock pantanoso y bucólico que crece en la letanía, cual semilla de peyote, a cada nueva escucha. Suculento viento fresco desde el desierto con aroma a redención.
 Bourbon, tabaco y tequila, y miles y miles de millas después, la voz de Calvin Russell alcanza una madurez ronca y profunda. Solo los que están a dos pasos del final y tienen huevos de vivir para contarlo, son capaces de cantar(telo) de esta manera. Este vaquero eléctrico de Texas, este chamán de las praderas,  ha mirado fijamente a los ojos del Diablo, se nota. El poder de atracción que siento por abueletes así, tipos con carisma imnato, de vuelta de todo, moldeados por la sucia carretera, tan creíbles y naturales que te hipnotizan sin aparente esfuerzo en los ultimos coletazos de su carrera, evidencia una vez más todo lo bueno y la grandeza del rock and roll. Puedes confiar en la veteranía de 'resucitados' como Tony Joe White, J.J. Cale, Eric Burdon, Dr. John, André Williams y similares septuagenarios o sexagenarios que han lanzado discos recientemente. No te defraudarán. Como no lo hará "Dawg eat dawg", el tumbaDisco que nos tiene locos en las últimas semanas.
El album arranca con el rock eléctrico y tipicamente americano-de-toda-la-vida con el tema "Like a Revolution", para frenar en seco con "5m2", un temazo lento, con la voz de Johnny Cash en la memoria y la de Tom Waits en la recámara. "Halloween" es una ofrenda a los demonios del pantano sureño, y para nada desencajaría en un elepé de los Beast of Bourbon. "Gangster of Love" es un homenaje a John Lee Hooker, y "Texas blues again" hace lo propio con el maestro B.B. King. La canción que da título a esta colección de epifanías musicales (alguien me lo puede traducir?) suena al jodido J.L. Burnside en la pista de baile de un rodeo espacial, una gozada blues-rock para el resto del siglo. Y llegamos a una de mis preferidas: "Sweetest Tenderness". Tierna y dulce como su título anuncia. Una sensorial maravilla de corte folk ,tocada "a capela", y que en resumidas cuentas hace lamentar, todavía más, la pérdida del hombre que fue capaz de grabar semejantes canciones.

DOCU MUSICAL: SEARCHING FOR SUGAR MAN

El multipremiado documental musical del año y una de las mejores películas de la temporada, amén. Dificil no caer atrapado por este enigma. Pero... ¿Quien diablos es Sixto Rodríguez? ¿Cómo se nos pasó semejante talento? Lo cierto es que de no ser por este largometraje del director sueco Malik Bendjlloul   (gracias eternas) jamás  nos haríamos estas preguntas. Enorme voz, enormes canciones. La figura de este artista romántico pasó desapercivida en todo el mundo salvo en Sudafrica (¡donde fue número uno en las listas y se convirtió en voz del movimiento antiapartheid!). Me siento como si descubriera la tumba de Tutankamón. ¿Es posible que haya por ahí más tesoros como este por desenterrar? (Os juro que es lo primero que pensé al escuchar por primera vez su música, antes de ver la película). La historia de este cantautor nacido en Detroit y de ascendencia mexicana, es deslumbrante placer. El inefable crítico Jordi Costa (al que no se le pasa ni una) escribió lo siguiente en las páginas de El País en referencia a este film: "Searching For Sugar Man habla de los sinuosos caminos del arte como proceso comunicativo, funciona como emocionante thriller cultural, integra fragmentos animados con elegancia y culmina con un poderoso retrato del artista en paz consigo mismo". Poco más se puede añadir a las sabias palabras del maestro Costa. Solo queda descargarte (a no ser que séas Howard Carter y localices la anticualla en vinilo) sus dos únicos y majestuosos elepés, Cold Fact (1970) y Coming From Reality (1972), y disfrutar de semejante documental para sacar al Sixto dylaniano del ostracismo y no salir de nuestro asombro.

CURE FOR PAIN. THE MARK SANDMAN STORY. Documental musical para paladares exquisitos.

Nutritivo documental que saciará a los creyentes del músico, poeta, gurú y aventurero desaparecido que lideró el grupo de culto Morphine en la década de los 90, y que sin duda cautivará al que desconozca el legado humano y profesional de un rockero maldito y crucial en la historia de la música moderna. La existencia de Mark Sandman (1952-1999)  fue toda una tragedia (como se desprende de sus poéticas letras y como muestran las imágenes de este documento). Un ser de arena que se evaporó una noche estrellada, de un espaldarazo, sobre las tablas, haciendo lo que más amaba ante la atenta mirada de un público que lo respetaba. En tierra de Palestrina (Italia). Tal vez uno de los lugares más antiguos de la civilización, donde antaño se erigieron templos que rendían culto a dioses misticos y paganos hoy caídos en el olvido. Que se puede decir del valor de este artista nacido en Newton (Massachusetts, EE.UU.)... Vasta con ver este majestuoso documental y escuchar su 'Cura para el dolor'(Cure for pain, 1993) para entender la admiración que sentimos por este señor. Entre tanto indie, grunge, metal industrial y basura cósmica un servidor supo de Morphine (menudo nombrecito, Sandman lo eligió en honor a Morpheo el dios de los sueños... o eso dijo él) por un buen amigo (de esos que no te fallan jamás). Solía pincharlo de madrugada en una emisora pirata que teníamos allá por los primeros 90's. No entraba a la primera, sino a caladas lentas y profundas. Un bajo de dos cuerdas, un saxo baritono y una batería. Eso era todo. Y ante la pregunta de si se puede crear un sonido original, propio y rockero con tan poco... la respuesta es Morphine. Música hipnótica para perderse. La historia estará incompleta si desconoces a este personaje y su banda. Desde el 2011 disfrutamos del documental CURE FOR PAIN, The Mark Sandman Story para goze del personal.

OBITUARIOS: ADIÓS A NICK CURRAN, EL ÚLTIMO ROCKERO VIBRANTE.

Frio, helado, sin sentido. Todavía no doy crédito al terrible mazazo que ha supuso la muerte de este joven músico que sudaba auténtico rock por todos los poros de su tatuado cuerpo. Esta noticia sí que es una cuchillada trapera del destino, o de ese Dios desconocido al que rezamos, vete tú a saber. Y lo peor es que al mundo entero parece importarle una mierda la pérdida de NICK CURRAN. Demasiado bueno para ser famoso.
Para los que amamos el rock'n'roll de verdad; no ese rock de listas engañosas, de escaparate y de emboltorio, la desaparición del último rockero brillante -y vibrante- representa una verdadera tragédia. Entiéndanlo. Es como si hubiésemos perdido a un hermano, a un amante, a tú mejor amigo... El puñetero cáncer que se llevó a Joey Ramone (de garganta) se cargó a otro de los nuestros. Joder, el rock no se merecía esta putada. Treinta y cinco tacos y todo un futuro por delante. El fenomenal cantante -y respetable guitarrista- de Biddeford (Maine, USA) tenía el culo pelado de buscarse la vida desde muy crío en este puto negocio de la música. Un currante. Un superviviente que todavía creía en los dioses. Tutelado por los mimbres de Chuck Berry o Eddie Cochran, tanto como por los de Phill Spector, Curran  nos abandona dejando una huella imborrable en la historia triste del rock and roll. Lamentaré el resto de mis días por no haber ido aquella noche a Santiago de Compostela. Me decía a mí mismo verdades que hoy suenan mentiras; que ya tendría más ocasiones de verlo en vivo; que era un chico joven que todavía estaba arrancando; que tenía en los escenarios españoles plaza fija y era más que seguro que volviera tarde o temprano por aquí...Así que casi llegué a convencerme de ello. Porca miseria. Ahora sé que nunca más podré corear los temas de "Reform School girl"(2010) en visceral directo. No habrá maná caído del cielo. No saborearé el éxtasis total. Llorando agradecido pincho una vez más este soberbio legado discográfico del genio de Maine. En estas mismas putrefactas páginas de deciberfanzine salió en su día la recomendación de esta joya nada más tener conocimiento del hallazgo. Y seguiremos hasta el fin del mundo -y más allá-, contándole a nuestro hijos y nietos, las virtudes adrenalínicas de este disco eterno que destila sangre rockera por todos sus surcos. Mineralizada, vitamínica, volcánica..., atrevidamente clásica y jodidamente fresca. Honesta música para bailar, para hacer el amor, para escapar del tédio... Hoy lo escucho como una ensoñación, como una estela de notas sublimes que te llevan a remontar las estrellas en el asiento de atrás de un cádillac cromado.

PINCHANDO LOS MEJORES DISCOS DE VERSIONES (Bloque 2)

JOHNNY CASH- American IV: The Man Comes Around (2002). Aquí se pueden encontrar algunas de las mejores versiones que se han hecho jamás. Las tres entregas anteriores con Rick Rubin ya eran majestuosas, pero este disco se sale. Cash te deja con la boca abierta versioneando al petardo de Sting en "I Hung my head", Trent Reznor no volvería a levantar cabeza después de escuchar lo que el hombre de negro hizo con su tema "Hurt", y una canción como "Personal Jesus", de los ¡¡Depeche Mode!!, suena a gloria vendita para asombro del personal. Beatles, Elvis, Hank Williams, Eagles..., además de tres temas propios como propina (entre ellos el sublime "The man comes around" que abre el disco). Simplemente no hay palabras. Que gozada de disco, señores. Algún día habría que hacer repaso a algunas de las más grandes parejillas que ha casado el rock&roll (estilo Ike & Tina Turner más que Sonny & Cher), sin lugar a dudas uno de los dúos que seguro estaría al frente de imaginaria lista sería el formado por el señorito Johnny Thunders y la señorita Patty Palladin (con voz a lo Ronnie Spector). Ambos facturan once maravillosas versiones del más diverso pelaje en COPY CATS (1988). Nuestro nihilista roquero del brazo de oro ya incluía alguna que otra versión en sus discos en solitario, como buen conocedor y protagonista de la historia del rock que fue. Pero esto es el no va más: Suenan The Seeds (Can't seem to make you mine), el precioso Baby it's you que versionearon gente como The Shirelles, el amigo Dion (I was born to cry), uno de mis temas preferidos de Elvis (Crawfish), el Alligator Wine que tan bien interpretaba Screamin' Jay Hawkins... Mejor será que lo descubran ustedes mismos. Mucho rock, mucho blues y mucho ritmo. Crooner Johnny forever.... LOS DELTONOS: "Six Pack (2007). La banda de rock-blues cántabra es toda una institución en nuestro país, siempre y cuando se sepa apreciar la calidad musical, y el tesón, del que va a pies juntillas ajeno al resto del mundo. Quienes desconozcan la andadura musical de los Deltonos háganse con esta pequeña gozada de disco, no les defraudará. Mampostería crepuscular. Sorprendente y exquisito elenco de versiones a cargo del "Rock&Roll" de los Zeppelin, el "Dead Flowers" de los Stones, "Live Wire" de AC/DC, "Sheena is a punk rocker" de los Ramones, y en castellano "Septiembre" de Los Enemigos y "Los roqueros van al infierno" de Baron Rojo. Todavía estoy babeando. HELLACOPTERS: "Head Off (2008)". El ultimo trabajo que lanzan los escandinavos antes de la separación, y toda una declaración de principios. Nada de clásicos o hits setenteros. Nick Royale y los suyos homenagean el rock and roll más underground y dejan claro que sus gustos e influencias iban mucho más allá de Kiss, MC5 o Motorhead. A saber: The Peepshows, Humpers, Turpentines, New Bomb Turks, The Maharajas, Asteroid B-612, Dead Moon, Bellrays, Gaza Strippers y The Royal Cream. Los que compren el vinilo tendrán como bonus el apoteósico tema de The Power Monkeys "Straight Until Morning", cierre mágico a toda una carrera musical y a una manera de entender de que va esto del high energy. CHRIS ISAAK: "Beyond the sun (2011)". El cantante y actor californiano lanza un disco de versiones (salvo un tema propio, "live it up") en un título que hace clara referencia a los legendarios estudios Sun de Memphis, y lugar donde fue grabado el album. Sam Phillips, mítico fundador de los estudios, de seguir entre nosotros, no vería con malos ojos este homenaje. Isaak es todo honestidad, y si las canciones suenan demasiado fieles a sus originales es porque su música se ha caracterizado siempre por su revivalismo y su sonido "retro", no por su innovación. Acompañado del veterano músico y productor de Memphis, "Cowboy" Jack Clement, el disco incluye, como no, canciones de Johnny Cash, Elvis Presley, Howlin' Wolf, Carl Perkins, Jerry Lee Lewis, Roy Orbison y demás mecenas de la casa del sol.
NEGU GORRIAK: "Salam Agur (1996)". La segunda banda de los hermanos Muguruza (la anterior había sido Kortatu) ponía fin a siete años de turbulenta y rebelde carrera político-musical con estas 15 versiones que conforman lo que ellos mismos definían como "la banda sonora original de nuestras vidas". Hay variedad y diversidad, como no podía ser menos. Un compendio de estilos musicales, rap-metal (N.W.A., Public Enemy), reggae (Bob Marley), punk (The Clash, Dead Kennedys, Redskins), soul (Otis Redding), hardcore (Minor Threat, Poison Idea); añadiéndole el clásico himno generacional ("I can't explain" de los Who) y el radikal folclore de la tierra (Anestesia, Bap!!, Errobi). Así eran los Negu, geniales en lo suyo. Pese a quien pese

MARCIANOS DEL ROCK: FELA KUTI

Continuamos surcando la galaxia marciana del rock'n'roll. Nuestro siguiente personaje del espacio exterior pertenece a ese submundo. Situémonos. En 1972, Paul McCartney elige Lagos (Nigeria), cuando podía escoger cualquier otro lugar más tranquilo, con la intención de estar cerca de un músico por el que siente especial devoción: FELA KUTI. Tras ser asaltado a punta de navaja, y después de asistir a una actuación de la que dice "ha sido la mejor banda que he visto en mi vida", McCartney está convencido de contar con Fela para las sesiones de grabación de su disco en solitario Band on the Run. No obstante, cuando el músico nigeriano descubre las intenciones del Beatle, éste acude a su encuentro y le hecha en cara que está robando "la música del hombre negro". Así era Fela Kuti, la estrella del rock más indomable que jamás ha existido. El cantante que grabó 77 discos en vida, con una media de 15 min. por tema, por eso nunca sonaban en la radio. El artista que se negaba a tocar sus canciones una vez grabadas, para que el público no pudiera escuchar sus éxitos (!!). El jeta que se iba de gira con 80 músicos. El hombre que compareció 356 veces ante el juez, siendo encarcelado en tres de ellas, tirándose 22 meses en la trena. Fela, el más grande de los músicos pantera. Su actitud frente a la vida fue siempre distinta a lo que se podía esperar de los artistas en occidente, logrando el estatus de figura legendaria por ello. Obstinado, impetuoso, incontrolable... Proclamas contra el poder corrupto. Si sus acciones estaban fuera de lo común, su música, tan vital y única, lo estaba mucho más. Militante de los Panteras Negras. Brujo y Chamán (los 'espíritus' le prohibieron aceptar 1 millón de dólares de la Motown), Fela vivía en su propia República Canalla, Estado independiente de su casa. Sus mujeres serían numerosas. Habitaba en la pobreza, durmiendo entre mendigos y ladrones. Así cumplió. Al menos hasta que murió en 1997, de sida, en la creencia de que "la enfermedad del hombre blanco no podía matarlo". De no haber acabado con él, tan letal virus, lo hubiesen hecho las constantes palizas y torturas que sufría a manos de la policía y autoridades de su país. Más de un millón de personas acompañaron su ataud. Para la historia musical del planeta queda su afro-beat mutante y explosivo del espacio exterior, patente en discos como Coffin For Head of State (Ataud para el jefe de Estado), Unknow Soldier (Soldado desconocido), Expensive Shit (Mierda cara) o Alagbon Close. Fela Kuti, un marciano del rock en toda regla... el orgullo del ritmo africano.

EL RINCÓN DEL PINCHA: "BLOODBROTHERS" (The Dictators)

Los Dictadores son y serán siempre el arma secreta de Nueva York. El gran timo del R&R es que a un grupazo como este nunca se les reconocerá su gran contribución como banda precursora y pieza clave del Punk-Rock neoyorquino. Con su tercer trabajo "Bloodbrothers (1978)", lo dejan claro. Un album que mereció haberse aupado a lo más alto de las listas, pero claro, desgraciadamente no fue así. Las masas nunca sabrán lo que se han perdido. Su audacia (y peculiar sentido del humor) a la hora de componer auténticos himnos y riffs descaradamente pegadizos e inmediatos en un género maltratado hasta el hastío queda patente en este disco. Andy Shernoff (cerebro y líder en la sombra, amén de uno de los mejores compositores norteamericanos vivo) y sus camaradas y hermanos de sangre grabaron en directo un disco que desprende adrenalina y frescura atemporal a raudales. Perfecto para entrar a cañón un sábado noche. Abren de manera gloriosa con el expeditivo "Faster and Louder", con cameo de Springsteen incluído. Le suceden macarradas clásicas del calibre de "Baby let's tiwst", "Stay with me", la nihilista "No Tomorrow",o la cachonda y absorbente "Minnesota Strip". Temazos revisitados una y mil veces por infinidad de bandas rockeras de los cinco continentes. Y para versión la que se marcan los Dictators con el "Slow death" de los Flamin' Groovies, tema que cierra de manera atroz el viaje sin retorno de este impedecedero pedazo de disco. El insigne vocalista Dick Manitoba aporta su toque chulesco para que el resultado sea aún más sangrante. Y qué decir de Ross the Boss... un desgarrado guitarrista que nos apabulla una y otra vez con sus grandiosos y genuinos riffs marca de la casa. Todos juntos (Scott Kempner y J.P. Patterson inclusive) conforman una base ritmica perfectamente engrasada. Una banda que todavía anda por ahí, haciendo lo que más les gusta, sin rendir cuentas a nadie, hasta el fin de sus días. Pero Bloodbrothers... Sencillamente es un trabajo irrepetible.

EL RINCÓN DEL PINCHADISCOS: DESCUBRIENDO A EDDIE HINTON

Estamos ante otro de esos fabulosos compositores rock relegados al olvido más inmerecido. Al igual que Roky Erickson o Tonny Joe White (por nombrar tan solo dos de una lista interminable de músicos malditos) la figura de Eddie Hinton ha corrido una suerte de obstracismo musical. Increíble como la perra vida/industria permite que el éxito le llege a unos, y otros, de igual nivel, y en muchos casos superior, gozen de un incomprensible desinterés generalizado. Vale que algo de esto último tenga también que ver con la suerte (o con la mala suerte como en este caso), la ignorancia, el desconocimiento o la estupidez del oyente medio (podríamos añadir otras causas como las drogas pero se ha visto que éstas nunca fueron impedimento para que un rockero triunfe), si no no me explico como un guitarrista y cantante de la talla del de Alabama (Tuscaloosa, 1944-1995) pase sin pena ni gloria por la (ingrata)historia del rock. Siendo justos, y para nada exagerados, Eddie Hinton debería de estár a la misma altura de un Eric Clapton, JJ Cale, John Fogerty, Bob Seger, Nick Love, Willy Deville, Neil Young, Rod Stewart y cual famoso prefieran ustedes. Con una voz absolutamente magistral, comparable a la del mejor Otis Redding, estos alagos al bueno de Hinton están más que merecidos. Ahí están sus canciones para justificarlo. Escuchen su segundo trabajo "Letters from Mississippi (1987)" y díganme si no es una maravilla del mejor rhythm and blues, soulidificado de rock and roll, que hayan escuchado nunca. Ni un solo tema de relleno. Una joya de 25 kilates de principio a fin. Temazos como "Everybody needs love", "My searching is over", "It's All Right", "Ting-A-Ling-Ling", o el que da título al disco, tras una primera eschucha, no se olvidan facilmente. Sus letras nos hablan de carreteras polvorientas, de penurias y de redenciones, de luchas personales: vivencias de una vida lastrada por contínuos problemas con las drogas y la bebida, acentuados por cierta inestabilidad mental que precipitaron su carrera a la ruína. Acabaría sus días tirado en las aceras tocando por unos pocos centavos. Algunos amigos lograrían que volviera a componer y tocar en vivo (los imprescindibles trabajos "Cry & Moan", de 1991, y "Very Blue Highway", del 93, son de esa etapa) pero cuando estaba en pleno proceso de grabación de un nuevo album un infarto se lo llevó en casa de su madre a la temprana edad de 51 años. Atrás quedan sus primeros tiempos como músico de sesión acompañando a legendarios como Wilson Pickett, Aretha Franklin, Joe Tex, Solomon Burke, The Box Tops, Elvis Presley y tantos otros. Los enormes Drive-By Truckers dedicaron su tema "Sandwiches for the Road" al músico maldito, y corre por ahí un documental sobre su vida titulado "Dangerous Highway"(2008), el cual, al parecer, la madre no deja que se comercialice al no estar de acuerdo con la historia... o con los royalties, vaya usted a saber (los que lo han visto en su estreno en un festival de Italia hablan maravillas de la película). Desde A Tumba Abierta les invitamos a que descubran un autor crepuscular si es que de verdad sienten pasión por el rock and roll.

EL RINCON DEL PINCHADISCOS: JAMES GANG

Sus tres primeros discos, hasta la huída de lider y guitarrista Joe Walsh, son lo más notable de esta superbanda de Cleveland, Ohio. Tendrían posteriores buenos guitarristas como Tommy Bolin (más tarde miembro de los Purple) o Glenn Schwartz, y por supuesto grabarían algún disco más que digno ("Bang" de 1973, con Bolin en la banda por ejemplo) pero para nuestro gusto un tipo tan carismático como Walsh resultaría insustituible (posteriormente formaría The Eagles, pero ya es otra historia). Menuda voz y menuda actitud tenía el bueno de Walsh para el rock and roll, amén de tocar la guitarra como los dioses. Con Dale Peters al bajo y Joe Fox a la batería formaban un trio poderoso. "Yer' Album (69)", "James Gang Rides Again (70)" y "Thirds (71)" son verdaderos petardazos de southern rock setentero enlatados en vinilos de 180 gramos. Temazos como Walk Away (menudo estribillo!! se me pone la piel de gallina) o Funk #49 lograron cierto éxito comercial en su día, pero James Gang nunca serían el típico grupo para las masas. Los que gusten de Lynyrd Sdynyrd, The Guess Who y sonídos similares apreciarán sin duda la música de estos tres melenudos vaqueros. Una banda a descubrir... Para quien no lo haya hecho ya.

BOSTON STYLE: Rock&Roll de rechupete en tu dial

El más dicharachero y aditivo rock&roll de guitarras y melodías azucaradas que te puedas encontrar en un mismo lugar tenía su sede en la ciudad y aledaños de Boston, Massachusetts. Cuna de dinosáuricas bandas de éxito como Boston o Aerosmith (The Cars en menor medida), la ciudad atlántica vió nacer además a grupos tan importantes de la escena indie (o alternativa) como Pixies, Lemonheads, Galaxie 500 o Mission Of Burma; por no hablar de la importante colonia hardcore (Dead Before Dishonour) o punk (los impresionantes y elegantes Mighty Mighty Bosstones). Pero si por algo es reconocida la ciudad estudiantil (tanto joven suelto explicaría tanta actividad y estilo musical) es debido a su efervescente y própera escena underground. A continuación repasaremos unos cuantos cartuchos de dinamita rockera de la buena. Si queréis aprobar la asignatura de Clásicos enérgicos estilo Boston prestad atención a los nombres y canciones de esta apresurada lista. No se arrepentirán...

• SULFURADO, GLICERINO Y NÍTRICO ROCK BOSTONIANO

1. NERVOUS EATERS. Mis favoritos del lote. No tienen nada de especial, no son grandes intérpretes... pero sus riffs son todo rock and roll, sucios y pegajosos. El poco reconocimiento mientras duraron como banda (77-81; luego retornarían) lo encontrarían en un periodista que los tildaría como los Rolling Stones de Boston. Nada más acertado por aquella época. Si a eso le añadimos que Steve Cataldo(voz y guitarra) y sus compinches se tomaban más en serio -y con más humildad- el verdadero significado del rock'n'roll que los citados estrellas de cartel. Escucha detonaciones como "Just Head", "Loretta" o "After your good times gone"... y ya me contaréis.
2. THE REAL KIDS. Otra seminal banda dentro de este repaso al "sonido Boston". En 1977 facturó uno de los discos debut más completos de la historia del punk rock (titulado como el nombre del grupo). Un Lp en donde no sobra un solo tema, sabiendo reciclar con lucidez el garage 60's y el clásico rock 50's en vibrantes composiciones que explosionarían cualquier pista de baile auténtica. Lógico, teniendo en cuenta que su lider John Felice fue roadie de los Ramones y aprendió el oficio de su vecino y amigo Jonathan Ritchman... (nuestro siguiente personaje)
3. THE MODERN LOVERS. De la banda del poeta urbano Ritchman hay poco que decir. Su importancia en los 70 queda reflejada en su primer lanzamiento discográfico (The Modern Lovers, 1971). Más cerca de la Velvet que de los Pistols (que versionarían su clásico "Roadrunner") influenciaron a posteriores proto-punks con su visión poético electrificada del rock and roll. La citada maravilla "Roadrunner", la solemne "Modern World" o la intensa y emotiva "I'm Straight" (incluida posteriormente en el bonus track) son mis temas preferidos.
4. DMZ. Los más garrulos y lisérgicos de la lista. Pura anfetamina endiablada que te lleva a un estado de euforia musical dificil de superar. Si no sudas con su adrenalítico rock'n'roll es que estás oxidado. Éstos, y ningún otro, son los padrinos del punk de Boston. De sus cenizas saldrían los seminales garageros The Lyres, con lo que está todo dicho. Otra vez un disco debut (DMZ, 1978. Sire), en el que todo son clásicos (Border Line, Idy Mighty, Baby Boom, Bad Attitude...). ¡Viva el rock'n'roll!!
5. THE CUSTOMS. De corte similar a Nervous Eaters, su discografía (al menos para mí) es dificil de encontrar. Descubrir un corte del valor de "Long Gone" es motivo suficiente para no perder la esperanza. Una banda a reivindicar.
6. MUCK AND THE MIRES. Más garage rock de calidad...
7. THE REMAINS. No triunfaron en su momento (los 60) pero hoy son una banda de culto entre la gran familia de aficionados al mover el flequillo. Suenan como si Bo Diddley tocara en los Beatles. Nuggets en toda regla. Yo tengo su disco de 1966 ¿Cúal tienes tú?
8. BARRENCE WHITFIELD AND THE SAVAGES. Otra pieza clave de la escena rockera bostoniana (aunque nació en Florida). Su talento está ligado al de músicos como Don Covay, Tina Turner, Solomon Burke... y a principios de los 80 se daría a conocer como un disco de covers poseído por el alma oscura de Little Richards (ídem, 1984). Todavía continúa predicando para deleite de sus fans. Y que sea por demasiado tiempo.
9. THE BARBARIANS. Otros colegas del "Susie Q". Sandalias y greñas andrajosas que parirían golosinas como "Are you a boy or are you a girl"(Lp, 1966).
10. THE WOODOO DOLLS; THE QUEERS; ATLANTICS; DOWNBEAT 5; LITTLE JOE COOK AND THE THRILLERS; B BUMBLE AND THE STINGERS; FREDDY CANNON; THE OTHER GIRLS..... Suficiente nitroglicerina como para volar un tren!!!!