EN BUSCA DEL CINE PERDIDO: "EL VISITANTE NOCTURNO" (The Night Visitor. 1970)

LA TRAMA:  Un hombre es encarcelado injustamente por un delito que jamás cometió. enloquecido, escapará de la cárcel cada noche para ir asesinando uno a uno a los miembros de su familia, responsables de su desgracia. Tras cada crimen, retorna a su celda, lo que hará que la policía sospeche que los hermanos se están matando entre sí.

He aquí un pequeño tesoro oculto en la filmografía de un director a reivindicar, Laszlo Benedek. Por si no lo recuerdan el húngaro fue el que filmó al mejor Marlon Brando en la modélica "The Wild One" (Salvaje, 1953), un film que creó tendencias y catapultaría a otro "de los nuestros": Lee Marvin. Sus furiosos inicios como cineasta en la meca del cine darían paso a una corta e irregular carrera finiquitada en el viejo continente (Suecia puso los dólares) con esta admirable cinta ambientada en el universo neo-noir. En The Night Visitor no faltan las motivaciones psicológicas, la violencia explícita, asesinatos en serie, rituales vengativos, el suspense y demás piedras angulares que acostumbra a lucir este tipo de movimiento genérico. Será gracias al ingenioso guión de Guy Elmes -al que pone sintonía el maestro Henry Mancini- que la película se convierta en una interesante variación sobre la figura del psicho killer. Pero si algo resalta de manera primorosa en esta película sueca es la sobrecogedora atmósfera, a base de desolados paisajes nevados, por los que pululan los grandísimos intérpretes que aparecen en pantalla. No todos los días se topa uno con un reparto de relumbrón dando lo mejor de sí, y encima, en registros a los que nos tienen poco acostumbrados. Hablamos de algunos de los mejores actores del cine de autor europeo de siempre, Max Von Sydow y Liv Ullmann, tan alejados de los papeles en pareja que tantas veces interpretaron en los films escuela de Ingmar Bergman y que aquí los disfrutamos alegremente deshubicados y maravillosos. Añádan al curtido Per Oscarson -bordando su papel de malhechor- y al siempre cautivador Trevor Howard -ejerciendo de brazo fuerte de la ley- (y cuyo rostro tumbero es al cine de horror germano-europeo lo que Boris Karloff es al norteamericano) y tendrán ustedes el guiso perfecto. Cómo para perdérselo.

EN BUSCA DEL CINE PERDIDO: "ÚLTIMOS DÍAS DE LA VÍCTIMA" (Adolfo Aristaráin, 1982)

Un poco de ternura y Mendizábal (Federico Luppi) se nos desarma. Él, asesino profesional a sueldo de políticos y empresarios mega corruptos, sicario pulcro y sabio que vende su pistola a quien la pueda pagar, un individuo que normalmente cuando tiene que matar es por algo... acabará disolviéndose como un azucarillo víctima del afecto y la seducción. Este solitario necesitado de amor, hundido en sus muchas contradicciones, pronto se dará cuenta de que algo no funciona con su nueva víctima, que quizás este nuevo objetivo no sea tan "matable".

Estamos ante uno de esos densos y perversos thrillers de culto que nos vuelven tarumbas. Un deslumbrante neo-noir argentino de tono muy contenido y sin apenas diálogos, basado en la novela homónima de Jose Pablo Feinmann y dirigido a quemarropa por un Aristaráin en estado de gracia. Podía haber sido giallo italiano, yakuza-eiga japonés, si acaso film-noir francés... pero es cine negro de La Plata. En "ULTIMOS DÍAS DE LA VÍCTIMA (1982)" se aprecian referencias genéricas y visuales que la emparentan con títulos que están en nuestra lista de clásicos canallas: Scorpio (Michael Winner, 1973), Hard Contract (S. Lee Pogostin, 1969), Point Blank (John Boorman, 1967)... Aunque la más evidente de todas esas influencias repose en la obra maestra de Coppola "La Conversación" (1974), y, rebuscando un poco más, en un film hoy olvidado de Robert Mulligan titulado "El Hombre clave"(The Nickel Ride, 1975), interesante película que rara vez se menciona cuando se analiza la obra del director de "Matar a un ruiseñor". Incluso habrá quien sincronice "La Ventana Indiscreta" (Rear Window; Alfred Hitchcock, 1954) con toda esta historia negra de la Pampa...

CURIOSIDADES DE UN THRILLER DE RESONANCIAS METAFÍSICAS ...

- "¡CÓGEME, CÓGEME!" ("¡Fóllame, fóllame!")... Era la primera vez que se decía algo así, tan crudamente, en el cine argentino (Aristaráin tuvo que ensuciar un poco el sonido en dicha escena entre Soledad Sylveira y Luppi para que no se notara tanto). Debido a alusiones sexuales de este tipo la película tuvo algunos problemas con la censura, pero a cambio de modificar alguna secuencia, pasaron por alto otras cosas: como los símbolos militares en el escritorio del tio que le paga a Luppi por matar gente...

- LA CINTA gustó a críticos y crítica (ganó el festival de Huelva), pero en taquilla, sobre todo en Argentina, no funcionó tan bien como el anterior trabajo de la dupla actor/director, "Tiempo de revancha". Adolfo lo achaca a que el estreno se produjo en los mismos días en que empezó la guerra de Las Malvinas...
- ... Aunque otros apuntan a que el motivo de que no gustara tanto al público se debió al cambio de arquetipo de Luppi, convertido en un asesino con el que resultaba dificil identificarse. Por cierto, Don Federico está inconmensurable.

CIENCIA FICCIÓN. Beyond the black rainbow.

BEYOND THE BLACK RAINBOW (Panos Cosmatos, 2011).

-Para pirados del cine de David Lynch y demás compinches surrealistas metafísicos de postín. Para amantes de la farándula canadiense por la ciencia ficción más chunga y virial; a la que homenajea. Cronenberg (Videodrome) o Vincenzo Natali (Cube) son la punta del iceberg de un cine que ha contaminado nuestras mentes prenatales como pocos han logrado. Estamos ante una de esas cintas que suscitan cultomanía o repugnancia a partes iguales.  ¿Compleja? ¿Inverosímil? ¿Excesiva?... Ustedes dirán. En este fanzine somos más primitivos y más simplones. Suspiramos por proyectos atrevidos que se escapen del resto y rescaten el género que tanto nos gusta. En definitiva, aquí tienen una peli para quienes sientan respeto por el cine de terror y ciencia ficción más disparatado y honesto.

NEW HOLLYWOOD: 3 WOMEN (1977. Robert Altman)

La última joyita del cine norteamericano de los 70 que me he zampado ha sido esta rareza de Robert Altman. Corrosivo, polémico, controvertido..., el cine de este caballero era el martírio del espectador palomitero. Cine a contracorriente realizado con la libertad que pregona. Un activista, un ideólogo; siempre explorando al individuo, su entorno social y psicología. Genérico, pero a la vez desmitificador y original. Artístico e independiente. Veneno para Hollywood; por tanto tentación. Un director dueño de un microcosmos particular: El mensaje metafórico de sus films, el humor, el cinísmo, el compromiso político, las alucinaciones, autoparódias, teorías, personajes corales, romanticismo..., y por qué no, tomaduras de pelo, definen a la perfección el espíritu del cine de aquella gloriosa época. De todas sus películas -las buenas: Mash, El largo adiós, Los Vividores, Nashville, Vidas cruzadas, El juego de Hollywood, El último show..; y las malas: Buffalo Bill y los indios, Popeye, Pret a porter...- esta 3 Women (3 Mujeres, 1977) es sin duda la más excitante y extraña que ha rodado el añorado director de Kansas City. Para mi gusto está entre lo mejorcito de su repertorio. Olvídense de la historia o de la trama como tal, y déjense seducir de buen cine. La péli no es más que una escusa del director para profundizar de forma abierta en la compleja personalidad de la mujer. Altman cuenta que tuvo la idea de hacer esta película tras una serie de sueños que había tenido cuando su esposa Kathryn estuvo seriamente enferma ingresada en un hospital. Altman rodó claramente influenciado por Persona (1966), en lo que puede definirse como una aproximación del autor al cine bergmaniano (incluso hay planos muy similares). Lo que más me ha impresionado, además del carácter tenebroso de la banda sonora (y de toda la cinta en general), han sido las interpretaciones de sus dos actrices principales, Sissi Spacek (Pinky) y Shelley Duvall (Millie), sobretodo la de esta última actriz a la que Altman dejó absoluta libertad para crear su gran personaje. Me río yo de Almodovar y sus marujas desesperadas. Aquí hay una historia para comerse el tarro de verdad. ¿Y qué me decís del final?... ¿No pueden ser todas la misma persona?...

EN BUSCA DEL CINE PERDIDO: "TRENES RIGUROSAMENTE VIGILADOS"

OSTRE SLEDOVANÉ VLAKY (Checoslovaquia, 1966)

TRENES RIGUROSAMENTE VIGILADOS es uno de los mayores éxitos críticos de la historia del cine checo, escrita y dirigida por Jiri Menzel, que también cuenta con una interesante carrera como actor. Para más señas y, de manera meritoria, la cinta se haría al año siguiente con la estatuilla a la mejor película extranjera. Además de hacer gala de un humor inteligente, capaz de traspasar fronteras y perdurar en el tiempo, la cinta es una sensible (que no sensiblera) fábula sobre la pérdida de la inocencia de un joven aprendiz de ferroviario (Milos) bajo el advenimiento del nazismo, amén de una tierna mirada a la vida cotidiana desde los andénes de la pequeña estación de tren en la que nuestro protagonista deberá madurar y aprender. Como toda obra maestra añadiríamos que es rica en implicaciónes morales y metafísicas, un películón que sin duda calará en el aficionado al buen cine. Habrá quien opine que películas como esta hay a montones...Puede... Pero éstas ya no se hacen. Y lo que es peor, ya no se ven.

SALVATORE GIULIANO.

Ya se sabe lo que pasa con la historia y con los mitos. De la vida del célebre siciliano Salvatore Giuliano y su lucha sin cuartel contra el gobierno de su país, se han escrito libros (El Siciliano, de Mario Puzzo) y películas (El Siciliano, de Michael Cimino), pero cualquier parecido con la realidad es pura coincidencia. Cierto es que se nos dan pistas: su ayuda al campesinado, su juego con la mafia, los americanos... Pero tal vez séa Salvatore Giuliano (1962), film de Francesco Rosi, el que proyecta una visión más acorde sobre la figura del héroe separatista. En cualquier caso las confabulaciones, traiciones y engaños solo las conocen quienes las cometen. Y si detrás de todo esto está la mafia, el poder y los políticos corruptos... entonces la muerte del Robin Hood siciliano estará rodeada de mayor misterio si cabe. ¡Viva la revolución!

¡MI NOMBRE ES PHOOLAN DEVI, CABRONES!

BANDIT QUEEN (1994). Sorprendente película biográfica de origen hindú financiada por los ingleses de Channel Four. Polémica, censurada y prohibida por el gobierno de la India debido a sus desnudos, sexo y violencia; que los tiene. Pero sin duda alguna lo que más debió de molestar a los censores del film es la verdadera denuncia sobre las desigualdades del sistema de castas que existe, todavía hoy, en su sociedad. Lucha de clases. Y es que enfrentamientos a lo largo de la historia entre hombres de castas superiores (los Behmar Thakur del film) y gente de castas inferiores (los Bandidos y los aldeanos de Uttar Pradesh en este caso) los ha habido siempre y desgraciadamente siempre los habrá. Por no hablar de violaciones, misoginia, machismo, hambruna, guerras y fundamentalismos religiosos tan de moda por estas y aquellas latitudes, que dificultan todavía más los derechos y la vida de aquellas gentes. Niños y mujeres, expuestos a todo tipo de brutalidades, son los que sufren en mayor medida. Pero no nos pongámos a llorar señores. Es triste sí, pero mientras existan valientes mujeres como la venerable Phoolan Devi de nuestra historia algunos cabrones tendrán su merecido. De vez en cuando salen hombres o mujeres así. Zapata, el Che... Seguro que Devi no tenía conocimiento de éstos y otros personajes libertarios de la Historia antes de que las circunstancias la convirtieran en la más famosa y temida bandolera de la India, pero llevaba sus genes. Algunos (los de castas superiores, claro) la consideran terrorista, valgame Diós. Pero no opinan lo mismo los más de 10.000 seguidores que la aclamaban como una heroína nacional en el momento de entregarse, bajo sus propias condiciones, a las autoridades competentes tras algo más de cinco años evitando su captura y luchando por la libertad en las áridas montañas de su tierra. De ahí que Phoolan Devi y su grito desesperado de lucha y liberación sean un ejemplo para todos (los de casta inferior, claro está), y que películas como Bandit Queen nos parezcan tan necesarias. Decir que la Reina Bandido todavía sigue presa -la acción del film se desarrolla entre los años 70 y 80-, y que fue allí, durante el cautiverio, donde escribió sus diarios "Goddess of the Flowers. The Bandit Queen", los supuestos eventos y hechos reales en los que se basa la película. Añadir que la falta de medios, poca profesionalidad de los actores y carencias en la dirección, por otro lado lógicas en una industria que por aquel entónces empezaba a aflorar, no empañan para nada el visionado de un film más que notable. Una de sus virtudes es que durante muchos momentos llega a recordar a aquel spaghetti western de Damiano Damiani titulado "Yo soy la revolución", y eso ya es un buen principio...

EN BUSCA DEL CINE PERDIDO: "QUINTET" de Robert Altman

-¿Qué les queda a los pocos humanos supervivientes de un cataclismo nuclear en un mundo totalmente congelado donde la supervivencia es lo unico que importa y toda esperanza una quimera?... Pues poco, la verdad, como no sea calentarse unos a otros... o jugar como posesos a un juego de "status" llamado Quinteto que les anima la maldita existencia. -QUINTETO (Robert Altman, 1979. USA) pertenece a esa rara corriente de Sci-Fi antiutópica y postapocalíptica -de autor- que tan buenos títulos nos brindó durante la década de los 70 ("Zardoz", "El Hombre Ilustrado"...), en donde se nos presentaba un futuro invertido que retraía a la humanidad a tiempos pasados e instintos remotos que poco o nada tenían que ver con nuestra idea utopica del progreso. Se suponía que había un numero de espectadores adultos e inteligentes que reclamaban cine culto de ciencia ficción. Flims en todo caso pretenciosos, pero distintos al fin y al cabo de las demás ofertas que el genero podría ofrecer y que han quedado como recuerdo de aquel cine experimental surgido de las mentes inquietas de sus directores en aquella época dorada de la Historia. -En Quinteto el futuro es de todo menos futurista y la trama no podría ser más clasica. Dirige, para sorpresa de todos, Robert Altman, un director independiente conocido por reventar las formulas y convenciones de todo film de género que rodase (el western con Los Vividores, el bélico con MASH, el negro con El Largo Adiós, el musical con Nashville...). De ahí que experimentase con la película llevándola a su terreno (colocó una lente opaca en la cámara para crear una sensación de "efecto nevera", creo yo), alejándose de todo efecto especial y espectacularidad que acompañan a obras de este tipo. Más sorprendente es la elección de la superstar Paul Newman como protagonista (da la impresión de que no se cree su papel ni por un segundo) dado que Altman no es de los que permiten a las estrellas inmiscuirse en su trabajo (si no que se lo pregunten a Warren Beatty). Para nada es el mejor trabajo del rubio actorazo (yo diría que de los peores) pero en las escenas con el gran Fernando Rey se pone las pilas, ya que el actor gallego borda -y le planta cara- con papel de villano con la solvencia de siempre (recordad French Connection). Todas estas elecciones hacen de Quintet una rara avis, no solo de la Sci-fi sino del resto de las filmografías del realizador y del actor; acentuada por el estrepitoso fracaso del film y su rápida desaparición del mercado. A la larga estas son las cosas por lo que una película pasa a convertirse en titulo de culto (y no precisamente por su guión, cogido con pinzas). Pese que a Altman el experimento le salió mal (... o por contra se podría pensar que hizo el encargo lo mejor que pudo) Quinteto se vé como una rareza de su tiempo, un testimonio de una época irrepetible del cine americano (70's) que dificilmente sería estrenada por unos grandes Estudios hoy día. Un film tan curioso como interesante, que se disfruta a gusto si se sabe bien lo que uno busca.

MÁS CINE PERDIDO: "THE LAST RUN"

FUGA SIN FIN (The Last Run).- EE.UU.,1971. D.:Richard Fleischer / G.: Alan Sharp / M.: Jerry Goldsmith. / I.: George C. Scott, Tony Musante y Coleen Dewhurst. Una de las pocas películas que me quedaban por visionar de Richard Fleischer, y la verdad... otra maravilla de film. El director de El Extrangulador de Boston filma una de esas genuínas historias de "perdedores" en contínua huída hacia ninguna parte, y lo hace de manera que Monte Hellman ("Two-Lane Blacktop") y Sam Peckinpah ("Quiero la cabeza de Alfredo García") se sientan orgullosos. No en vano fue otro afín a ese estilo de cine pendenciero, John Huston, el encargado de empezarla a rodar (aunque desconozco los motivos de su abandono). El film, rodado mayoritariamente en la provincia de Almería (España), narra la historia de un oxidado gangster -enorme George C. Scott- retirado desde hace 9 años en la zona del Algarve (Portugal) cuyo sueño siempre fue ser conductor profesional de coches de carrera. Resignado y sin nada que perder, -pués ya lo ha perdido todo: su mujer que se largó con otro, su hijo de corta edad murió, apenas le quedan ganas de vivir...-, decide aceptar un último trabajo de pasar a Francia a un prófugo criminal y su atractiva pareja. Ellos serán su familia a partir de ahora. Parece un trabajo fácil, pero las cosas se le complicarán por qué él así lo desea. Desde el volante de su inseparable BMW de 1957, al que mima como un hijo (resulta metafórica la conexión que da Fleischer al auto y su dueño, ése vínculo queda magistralmente plasmado en la última y fenomenal secuencia final), asistimos y nos movemos en un ejercicio de cine primoroso, templado en su velocidad, donde la "aventura" no está en su mínima y sosa trama, si no en el viaje interior que realizan sus personajes, sobretodo el de Scott. Podíamos afirmar que estamos pues ante una road movie pseudo-psicológica-policiaca. Los que esperen una pelicula de acción deberán buscar en otra parte. -Mención especial a uno de los actores españoles que aparecen en la cinta, ALDO SAMBRELL, que desgraciadamente nos ha dejado hace poco. Aquí tiene un pequeño papel como el amigo marinero de Scott, pero atrás quedan más de 170 films, rodados aquí y allá, en toda clase de cine de género. Especialmente será recordado por todos los seguidores del spaguetti western europeo, al ser partífice de un gran puñado de éllos (la saga Leone por ejemplo). No sólo hay que acordarse de los grandes cuando mueren, también los más humildes secundarios merecen homenaje, por los buenos ratos que nos han hecho pasar...

-EN BUSCA DEL CINE PERDIDO: SANGRE SABIA ("Wise Blood", John Huston. 1979)

El cine de JOHN HUSTON (1906/1987), desde su ópera prima "El Halcón Maltés(1941)" hasta su testamentaria "Dublineses"(1987), ha estado repleto de grandes obras maestras que no debería hacer falta recordar salvo que se sufra algún tipo de demencia senil ("La Jungla de Asfalto", "El Tesoro de Sierra Madre", "El Hombre que pudo reinar", "La Noche de la Iguana"...). También cosecharía fiascos, cierto, a ver quien es el listo que sobrevive íntegro a más de cinco décadas de curre en Hollywood.. Pero no estamos aquí para recordar sus mediocridades, sino para repasar uno de ésos tantos títulos "menores" que suelen olvidarse a la hora de ensalzar la filmografía de genios como Huston. Títulos que quedan ofuscados, a la sombra de sus grandes obras. Títulos que hay que tener en cuenta, y dejar en el lugar que se merecen. Una de ésas películas olvidadas del director de Moby Dick que recientemente he tenido el placer de descubrir lleva por título SANGRE SABIA (Wise Blood, 1979). Uno no entiende porqué películas como ésta no obtienen beneficios ni aceptación popular. Tal vez se deba a lo atormentado del relato. Tal vez se deba al pesimismo del que hace gala. Tal vez porque uno no sabe si reírse o quedarse horrorizado... En cualquier caso historias originales y arriesgadas como ésta, que se salen de la mediocridad reinante, son recelo para los inversores y acaban teniendo -vaya usted a saber porqué- poco atractivo para el público. Es una verdadera lástima que se desechen títulos del calibre de Wise Blood. A un servidor siempre le ha llamado la atención ése otro cine: El que te hace pensar, el que te tortura la inteligencia. Un cine más absurdo que perfecto. Un cine de espíritu rebelde. Un cine que, con cariño y respeto, retrate a personajes "perdedores" como se merecen. Un cine del que gustaba John Huston. Cuya reputación como hombre de mundo y director cinematográfico está fuera de toda sospecha.

Esta historia está basada en la novela homónima de Flannery O'Connor. Huston sitúa la péli en Georgia. En élla nos narra, haciendo gala de un humor negro encomiable, la breve rebelión de un joven fanático religioso contra Jesucristo. La idea de "una iglesia sin Cristo" es lo que lleva a este joven a pregonar sus ideas a los cuatro vientos; entre un divagar teológico y una tortura interior que resulta digna del más tarado de los predicadores. Mención especial para el papel protagonista: un Brad Dourif magnético y desfasado. Haciendo gala de un talento tremebundo, casi siempre desaprovechado por la industria (David Lynch contó con él para Dune y Terciopelo Azul...). Éso es lo que tiene poseer un rostro singular... que te hace quedar encasillado en ciertos papeles a las primeras de cambio. Otro tanto se podría decir de otro de los "desconocidos" actores del reparto, el gran Harry Dean Staton, como bien sabréis uno de nuestros favoritos aquí en ATumbaAbierta.

Una grata sorpresa púes. Como también lo fueron en su día, para el que suscribe, películas como "Fat City, Ciudad Dorada"(1972) y "Bajo el Volcán" (1984) -de las que sin duda habría que hablar largo y tendido en otra ocasión-. Otras dos maravillas olvidadas de ayer y de hoy que nadie debería perderse.

EN BUSCA DEL CINE PERDIDO: DEAD PRESIDENTS

DEAD PRESIDENTS (Albert & Allen Hughes, 1995/USA) 119 min.

Lo negro como sinónimo de delincuencia...

La causa principal de muerte entre varones negros entre 18 y 25 tacos durante los años que van desde 1968 a 1972 era el homicidio, más que por sobredosis de drogas, accidentes automovilisticos, cáncer... Y ese es el breve periodo histórico que cubre Dead Presidents.

Los protagonistas de esta historia tanto saltan del podrido guetto del Bronx en el que nacieron (sito en los Racistas Unidos de América) como deambulan por la selva vietnamita sobreviviendo esta vez al lado de los blancos que tanto les odian. Guerra aquí, guerra allá, regresarán al hogar para seguir con sus miserables vidas vislumbrando un futuro no mucho mejor del que sufrieron en Vietnam. De factura de thriller clásico americano, los giros y montaje del film lo dotan de un aire caótico y dramático. La violencia repugnante que destila nos atrae (castran a un tipo y le meten sus huevos en la boca, su colega decide matarlo porque literalmente "no puede regresar así") a la vez que resulta grotesca y divertida (las mascaras del atraco al furgón blindado, o el motivo del mísmo: quemar los billetes llamados "presidentes muertos", así lo denotan). Si bien es cierto que la péli rodada por los hermanos Hughes bebe de la mejor estética del cine blaxploitation de los años 70, su lugar exacto en el tiempo (y en su discurso) debería estar al lado de cineastas y películas "black" como Haz lo que debas (Spike Lee, 1989), Los Chicos del Barrio (John Singleton, 1991) o New Jack City (Mario Van Peebles, 1991) por citar algunas de las más significativas. Toda una acertada perspectiva de lo que significaba ser negro en la sociedad USA, entre el 68 y el 2000. Carne de cañon empujada a dilinquir.

Sumémosle a esta buena Dead Presidents una banda sonora de aupa, como no era menos de esperar suenan coros celestiales de hermanos como Sly & The Family Stone ("If you want me to stay"), Issac Hayes ("Walk on by"), James Brown ("The Payback"), The Dramatics, Al Green, Harold Melvin, Curtis Myfield, San & Dave, Steve Wonder, The Impressions... La creme de la creme. Todo parido por los hermanos gemelos afroamericanos Hughes, a los que recordaréis por títulos como Desde el Infierno o la más reciente El Libro de Eli, que tanto ansío ver dado el tema a tratar... mi querida sci-fi post-apocalíptica.

-REFUGIO MACABRO. TERROR CON MAYUSCULAS

REFUGIO MACABRO (Asylum) GB. 1972. D: Roy Ward Baker. I: Robert Powell, Peter Cushing, Charlotte Rampling, Barbara Parkins, Britt Ekland...

Imaginacion al poder. Terror de viejo Videoclub

Una de las ultimas grandes películas de la Hammer, sino la mejor -a la par con el "Hombre de Mimbre" (véase). Una historia de terror rodada mediante la formula de episodios, cuatro en este caso, que deslumbra por la unidad de los mismos y por un señor guión, a la postre lleno de sorna, como atesoran los trabajos del escritor de cuentos y relatos fantásticos y de ciencia ficción Robert Bloch (autor entre otros, del Psicosis que llevaría a la pantalla Hitchcock).

La película es una prueba... tanto para el espectador, como para el joven psiquiatra Doctor Martin, el cual se presenta a una solicitud de trabajo en un sanatorio para enfermos mentales, pero para que le den el empleo deberá de descubrir cual de los locos internos es el antiguo director del centro, que enloqueció misteriosamente. Cada paciente tiene su propia fantasía mezclada de realidad, el juego consiste en saber cual esta diciendo la verdad, ¿o hay algo mas?...

Es de esas películas que ya ningún videoclub posee, o que tal vez cogieras empezadas a altas horas de la madrugada en TV. y te preguntas como coño se titularían, o de las que oyes comentar entusiasmado a un buen amigo recomendándotelas como un tesoro escondido... Esto ultimo ocurrió en mi caso, para darme cuenta a los quince minutos, que efectivamente, esta película ya la había visto. Ahora ya conozco su titulo: REFUGIO MACABRO, y tal vez... tambien la hayas visto. Compruebalo en cuanto dispongas de tiempo...

-EN BUSCA DEL CINE PERDIDO: SI HOY ES MARTES, ESTO ES BELGICA.

IF IT'S HUESDAY, THIS MUST BE BELGIUM. (1969; EE.UU.) D.: Mel Stuart.

Si os gustan las comedias clásicas y alocadas, con guiones y diálogos inteligentes a más no poder del tipo Un, Dos, Tres (Billy Wilder. 1961), La Extraña Pareja (Gene Saks. 1968) y similares productos de calidad diez, sin duda alguna de que un filme como SI HOY ES MARTES ESTO ES BELGICA colmará todas vuestras expectativas. Y es que estamos ante una película super entretinida y divertida, de esas que ya no se fabrican (por desgracia), y que ganan todavía más valor con el paso de los años.

-El título de la péli es decididamente genial. La historia coral de un grupo de turistas americanos de tur por Europa -el guía mujeriego; el veterano de guerra; el demócrata hastiado; las viudas animadas; la solterona que viaja sola; el reprimido sexual; el tío que pierde a su mujer a las primeras de cambio; el cleptómano incurable...-, filmada integramente en el viejo continente y con un elenco de actores (todos secundarios) que cumplen su cometido, el cual no es otro que hacernos reir, a la perfección. Incluso se permiten el lujo de aleccionarnos sobre la guerra, el amor o la política exterior estadounidense, con tan sólo dos pinceladas de clase (véase el apretón de manos entre el zapatero italiano -interpretado por el gran Vittorio De Sica- y el desconfiado yankie; o la escena del turista alemán visitando un monumento de la 2ª Guerra Mundial), tal vez debido al pensamiento liberal reinante en 1969, hoy tan lejano como utópico. Todo ello dirigido por Mel Stuart, al que debemos otra pequeña joya como fue "Un Mundo de Fantasía"(1971), aquella deliciosa primera versión sobre el mundo de Willy Wonka y su fantástica fábrica de chocolate (magnífico Gene Wilder en el papel que más tarde retomaría Johnny Depp).

Sorpresa encontrarme, fugazmente, con el gran John Cassavettes (actor a sueldo en La Semilla del Diablo, y director de vocación con Gloria o Killing of a Chinese Bookie), y decepción por la elección de Donovan como compositor del tema principal teniendo en cuenta la lista musical a elegir de la época... Lo cual, bien visto, no deja de tener su gracia (la escena que él mismo interpreta en un garito beat de Paris, así lo refleja).