Aubrey Morris. RÉQUIEM POR EL HISTRIONISMO TELURICO

Aubrey Morris (1926-2015) no era una estrella de cine. Su nombre ni siquiera figura entre los secundarios más reconocibles o emblemáticos de la pequeña o gran pantalla. El aquí despedido, "simplemente" fue un más que eficaz actor de reparto. Y a mucha honra. Todo un profesional de los escenarios. Al consumidor de lecturas tumberinas no hará falta recordarle los títulos con los que Morris dio rienda suelta a su histriónismo de escuela británica. Sin duda el papel más popular, el Deltoid de La Naranja Mecánica (Kubrick, 1971). Pero sus antecedentes no terminan ahí. Frecuente en el West End londinense, e incluso en Broadway, dejaría los textos de altura de Shakespeare para otros. Así, son varios y frecuentes sus saltos de género en género, de extravagancia en extravagancia. De la comedia excéntrica de Mel Brooks (El hermano más listo de Sherlock Holmes, 1975) o Ken Rusell (Lisztomaia, 1975) pasó al humor más físico del primer Woody Allen (La última noche de Boris Grushenko, 1975). Del otrora glorioso cine de miedo de la Hammer (La sangre en la tumba de la momia; Seth Holt, 1971) acabaría por intervenir en uno de los títulos más emblemáticos del género de ciencia ficción: Fuerza Vital (Tobe Hooper, 1985). Antes había dejado su humilde huella en otro film de culto tumbero: The Wicker Man (1973). Al margen de todas esas colaboraciones en películas que hoy son referentes para muchos de nosotros, también pudimos disfrutarlo como el Harry Dix de Si hoy es martes, esto es Bélgica (1969), comedia turística de Mel Stuart perdida en el limbo del olvido en la que Morris dejó tras de sí una de sus mejores actuaciones; la marca de un método. Así recordaremos al currante de La llamada del espacio (John Gilling, 1965), con gratitud y respeto. Sí señor. Todo un lince en el arte de construir personajes al borde de la caricatura. Historia(s) de la cripta. Descanse en paz.

SIX-STRING SAMURAI: A LOS COMUNISTAS NO LES GUSTA EL ROCK'N'ROLL

Elvis reinaba en Las Vegas, el último reducto civilizado que les quedaba a los estadounidenses después de que los rusos les venciesen en una guerra nuclear a dos bandas. Pero el Rey a muerto, y ya se sabe, a rey muerto rey puesto. Buddy (Jeffrey Falcon) va para allá con su eléctrica del 57, su katana de lobo solitario y su resaca de holocausto: quiere el trono. Qué se preparen los caníbales trogloditas madmaxianos de serie Z, los uniformados comunistas de las dunas o cualquier mercedario cazarrecompensas con zapatos de gamuza azul que ose deternerle. ¡Ni los Red Elvises con sus compases tóxicos podrán con él!. Solo Muerte -villano que defiende la música heavy metal con su banda de asalariados cuervos negros-  parece ser el único capaz de impedir que nuestro héroe gafapasta logre llegar de una pieza al final del polvoriento camino de baldosas amarillas. Lo quieran o no los rusos, el Monstruo de las Espinacas o el pegajoso 'cachorro' que le sigue a todas partes y del que no logra desprenderse ni a golpes.

 SIX-STRING SAMURAI (Holocausto Samurái; Lance Mungia, 1998)) es una cinta que hay que recuperar del cubo de la basura pero ya. ¿A qué tarado tumbero no le seduciría un guión como éste?. Tiene referencias al cine de samurais (Lone Wolf and Cub, 1972), al western sicotrópico anarcosurrealista (El Topo, 1970), a las pelis apocalipticas era post-Mad Max (Hardware, progamado para matar. 1990; Kamikaze 1999,. 1983), escenas de acción al estilo 'poético' hongkongés... Buddy Holly en el recuerdo, la reconocible voz de Wolfman Jack en las ondas, el reflejo de aquellos Leningrad Cowboys de Kusturica bien patente, un paródico duelos de guitarra a lo "Cruce de Caminos"( Walter Hill, 1986)... Nada de esta locura financiada con cuatro dólares y hecha por un puñado de amigos fumados -multiplicándose en mil labores- sería posible de soportar de no atronar en stéreo melodías de surf infra-arenoso, psicho-billy macanudo, polka-roll casposo y todos esos sonidos bastardos de rock fifty-sixty subterráneo que tanto gustan en este sótano. Lo dicho, serie Z rescatada de la basura para empacharse y repetir.

BUEN VIAJE, Dr. GEORGE. Nos vemos en el año 80270 (ROD TAYLOR: R.I.P.)

Rod Taylor (1930-2015)

El pasado día 7 partió hacia las estrellas uno de esos actores que dejan huella. El soñador rebelde marsupial fue uno de los grandes Ladrones de trenes del dorado y añejo Hollywood de los años 60, el primer y más entrañable personaje que viajó en La máquina del tiempo ideada por H. G. Wells, el pájaro galán que compartió carantoñas con Tippi Hedren, el mercenario héroe de acción bastarda que engatusaría a un tal Tarantino (Ultimo tren a Katanga), un intérprete notable, entregado y apasionado de su trabajo que incluso llegó a dejarse seducir por los transgresores cánticos del cine underground saliendo airoso (Zabriskie Point, 1970; Michelangelo Antonioni). Del cielo al infierno hay un peldaño y la figura del abandonado Rod Taylor se fue deteriorando por el inexorable paso del tiempo condenado al purgatorio de la Serie B. Desde aquí queremos despedir con honores de piloto interestelar a todo un clásico de la ciencia ficción y el cine de aventuras. Volver a repasar la trepidante y decimonónica THE TIME MACHINE (George Pal, 1960) es recordar la grandeza de un cine ya perdido. Para gente como nosotros  -profanadores de tumbas y románticos empedernidos- una obra maestra entrañable e irrepetible. Va por tí, australiano! Morlocks y Elois te aguardan en la dimensión desconocida.

CIENCIA FICCIÓN: PREDESTINATION (2014). Cronocrimenes desde las antípodas

Producción australiana ambientada en el fascinante mundillo de los viajes en el tiempo y las consabidas y complejas paradojas que esta clase de relatos encierra. Decir, que PREDESTINATION (Peter y Michael Spierig, 2014) no alcanza la categoría de 12 Monos (Terry Gilliam, 1995), por citar una de las cumbres del género, pero sin duda supera con creces propuestas de índole similar lanzadas a bombo y platillo como pudieran ser Minority Report (2002) en su momento, o Looper (2012) más recientemente. Por eso es de agradecer el esfuerzo de los hermanos Spierig por brindarnos esta nueva y eficaz vuelta de tuerca espacio-temporal tan notable como modesta.
Los que en su día celebramos con entusiasmo una "broma de culto" como Los Cronocrímenes (Nacho Vigalondo, 2007) entenderán el magnetismo, o el sinsentido, que esta clase de artefactos provoca en el tumbero ortodoxo. Estamos pues ante una película menor altamente recomendable. Un rompecabezas futurista en clave de serie B, basado en un relato corto del escritor de ciencia ficción Robert A. Heinlein (Forastero en tierra extraña, Amos de títeres, Puerta al verano...) y protagonizado por el mejor Ethan Hawke posible (Gattaca). Dicho sea de paso, la máquina del tiempo imaginada por H.G. Wells está camuflada aquí en el interior de un estuche de violín... ¿Se puede ser más romántico?

ADIÓS A H. R. GIGER creador de monstruos biomecánicos

A Hans Giger (Chur, Suiza, 1940-2014) se le recordará como a uno de los más grandes visionarios de la raza humana. El creador del monstruo 'Alien', aerógrafo en mano, supo ilustrarnos un futuro erótico y perverso fusionándolo con lo orgánico  y lo artificial fruto de sus bellas pesadillas biomecánicas. La obra del genial y obsesivo artista suizo perdurará en nuestro ADN visual generación tras generación, por derecho propio, y por naturaleza misma. Y todo gracias a sus múltiples visiones, esculturas e ilustraciones nacidas tanto de bucear en  ideas freudianas como en su gusto por las armas de fuego (que coleccionaba, soldaba y reparaba), el sexo (le encantaba masturbarse durante las clases de instituto), la literatura de H.P.Lovecraft (¿les suena el Necromonicon?) y toda una amalgama ósea de cráneos, vértebras, penes erectos, parásitos revientapechos, signos del zodíaco y singulares formas sinuosas que dan forma a su obra, a sus pesadillas.
Descanse plácido y eterno en su silla Harkonen el jinete galáctico que tripuló las entrañas del Nostromo adentrándose en el espacio blanco-sideral de los sueños

SNOWPIERCER. Distopía de un futuro verosímil y aterrador.

Estamos ante una desbordante obra maestra del cine moderno y del cine de género de todos los tiempos. A ver, que no me líe, SNOWPIERCER (Seolgungnyeolcha; Corea del Sur, 2013) es ciencia ficción visionaria. Una alegórica película repleta de capas (cada vez que se cambia de vagón, "Rompenieves" parece una cinta distinta) capaz de provocar extrañeza, generar perplejidad  y asombrarnos con el más libre y anárquico vendaval de creatividad que se recuerde en mucho tiempo. Y es que así son los films y la idiosincrasia del cineasta surcoreano Bong Joon-ho (Memories of Murders; The Host). Proyectos de gran envergadura que pretenden confinar el cine de autor con el más puro entertainment, siempre dentro de los parámetros y códigos del cine de género, aunque mezclando en la coctelera sátira política y social, thriller, acción, comedia y reflexión filosófica en films en absoluto complacientes y cargados de riesgo.
En Snowpiercer se revelan todas las dotes y poderes artísticos característicos del joven director de Mother (2009). De entrada elige un espacio único -un tren que transporta a los últimos individuos que quedan en el mundo después de que el planeta se congelara devido a una hecatombe medioambiental- claustrofóbico, un microcosmos repleto de odio y tensión -en la parte delantera viajan las clases privilegiadas mientras que en la cola de la incombustible e imparable locomotora se hacinan en un solo vagón cientos de personas sometidas a la explotación dictatorial de la clase dirigente- del que aflora una fábula apocalíptica, un viaje con carácter simbólico (el tremendo personaje de Curtis, interpretado a lo grande por Chris Evans, parece un héroe sacado de la mitología griega), introspectivo y mental que obliga al espectador a resituarse en la historia a cada rato. Sentados en primera fila seremos testigos de la descomposición del ser humano y del destino distópico que le aguarda. La fuerza expresiva y el poder de las imágenes (decir que la peli es una adaptación muy muy libre de una novela gráfica francesa titulada "Trasperceneige") hacen el resto. De diez.

CIENCIA FICCIÓN. Beyond the black rainbow.

BEYOND THE BLACK RAINBOW (Panos Cosmatos, 2011).

-Para pirados del cine de David Lynch y demás compinches surrealistas metafísicos de postín. Para amantes de la farándula canadiense por la ciencia ficción más chunga y virial; a la que homenajea. Cronenberg (Videodrome) o Vincenzo Natali (Cube) son la punta del iceberg de un cine que ha contaminado nuestras mentes prenatales como pocos han logrado. Estamos ante una de esas cintas que suscitan cultomanía o repugnancia a partes iguales.  ¿Compleja? ¿Inverosímil? ¿Excesiva?... Ustedes dirán. En este fanzine somos más primitivos y más simplones. Suspiramos por proyectos atrevidos que se escapen del resto y rescaten el género que tanto nos gusta. En definitiva, aquí tienen una peli para quienes sientan respeto por el cine de terror y ciencia ficción más disparatado y honesto.

UNA SAGA DE CULTO: "DETRÁS DEL PLANETA DE LOS SIMIOS"

Secuelas, precuelas, series de tv., remakes, comics, merchandising, libros... Metáforas (irónicas) aparte, todos conocemos lo que puede dar de sí una historia tan magistral -y tan universal- como la de El Planeta de los Simios. Aberraciones al margen (el último estreno relacionado con el film sin ir más lejos), el film creado por Franklin J. Schaffner es hoy un título primordial de la historia del cine, y no solo de la ciencia ficción. Pasarán los años y seguirá acumulando valor. ¿Quién no se ha extremecido con ese maravilloso final? Imposible olvidarse de semejante "shock"; sobretodo si te ha pillado a una temprana edad. El hecho de que exista un documental como "Behind the Planet of the Apes" no hace más que poner de relieve la grandeza e importancia de esta película de culto. Los fanáticos del astronauta Taylor, del sabio Dr. orangután Zaius, de la dulce chimpancé Dr. Zira y los demás simios creados por el genial maquillador y ortopedista John Chambers (Star Trek, Perdidos en el espacio, Los Munsters...), disfrutarán como bellacos con los secretos y curiosidades que hay detrás de este clásico. Un documental que se disfruta con encanto. En el que a través de los comentarios de sus protagonistas y creadores: el publicista Arthur Jacobs que compró una novelucha al escritor francés Pierre Boulle; Helston, la estrella de Hollywood que decidió apostar por una película por la que nadie apostó; el nuevo mandamás de la Fox Richard Zanuck, cuyo concurso relultó crucial para llevar a buen puerto el proyecto; el dificil trabajo con el guión de Rod Serling primero y, Michael Wilson después; la música tenebrosa y opresiva compuesta por el gran Jerry Goldsmith, que le valdría un Oscar; la estupenda fotografía de Leon Shamroy; la impresionante caracterización del actor Roddy McDowall (Cornelius) bajo un maquillaje que marcó una época; los monumentales paisajes y localizaciones exteriores (los desiertos de Utah, el entorno del rio Colorado, y en el propio 'estudio-al-aire-libre', o Rancho, que la Fox tenía en Los Angeles, California, hoy día reserva natural) elegidos para filmar....; y de todas las mil y una curiosidades y pormenores que sobre el film se nos cuenta, recibirémos este documental con cierto grado de nostalgia también. Cierto que hay foros y páginas web especializadas en las que poco queda por discutir, y descubrir, sobre el tema. Los simiescos eruditos ya estarán al tanto. Pero para los que se conformen con pasar dos agradables horas frente al televisor, disfrutando a la antígua usanza, como buen tumbero, uno no puede pasar por alto un documento como este ¡y en primera persona!. Aunque solo sea para rememorar por enésima vez la imagen de la estátua de la libertad hundida en la arena de aquella playa... Y las muy humildes continuaciones de tan fantástica saga.

EN BUSCA DEL CINE PERDIDO: "QUINTET" de Robert Altman

-¿Qué les queda a los pocos humanos supervivientes de un cataclismo nuclear en un mundo totalmente congelado donde la supervivencia es lo unico que importa y toda esperanza una quimera?... Pues poco, la verdad, como no sea calentarse unos a otros... o jugar como posesos a un juego de "status" llamado Quinteto que les anima la maldita existencia. -QUINTETO (Robert Altman, 1979. USA) pertenece a esa rara corriente de Sci-Fi antiutópica y postapocalíptica -de autor- que tan buenos títulos nos brindó durante la década de los 70 ("Zardoz", "El Hombre Ilustrado"...), en donde se nos presentaba un futuro invertido que retraía a la humanidad a tiempos pasados e instintos remotos que poco o nada tenían que ver con nuestra idea utopica del progreso. Se suponía que había un numero de espectadores adultos e inteligentes que reclamaban cine culto de ciencia ficción. Flims en todo caso pretenciosos, pero distintos al fin y al cabo de las demás ofertas que el genero podría ofrecer y que han quedado como recuerdo de aquel cine experimental surgido de las mentes inquietas de sus directores en aquella época dorada de la Historia. -En Quinteto el futuro es de todo menos futurista y la trama no podría ser más clasica. Dirige, para sorpresa de todos, Robert Altman, un director independiente conocido por reventar las formulas y convenciones de todo film de género que rodase (el western con Los Vividores, el bélico con MASH, el negro con El Largo Adiós, el musical con Nashville...). De ahí que experimentase con la película llevándola a su terreno (colocó una lente opaca en la cámara para crear una sensación de "efecto nevera", creo yo), alejándose de todo efecto especial y espectacularidad que acompañan a obras de este tipo. Más sorprendente es la elección de la superstar Paul Newman como protagonista (da la impresión de que no se cree su papel ni por un segundo) dado que Altman no es de los que permiten a las estrellas inmiscuirse en su trabajo (si no que se lo pregunten a Warren Beatty). Para nada es el mejor trabajo del rubio actorazo (yo diría que de los peores) pero en las escenas con el gran Fernando Rey se pone las pilas, ya que el actor gallego borda -y le planta cara- con papel de villano con la solvencia de siempre (recordad French Connection). Todas estas elecciones hacen de Quintet una rara avis, no solo de la Sci-fi sino del resto de las filmografías del realizador y del actor; acentuada por el estrepitoso fracaso del film y su rápida desaparición del mercado. A la larga estas son las cosas por lo que una película pasa a convertirse en titulo de culto (y no precisamente por su guión, cogido con pinzas). Pese que a Altman el experimento le salió mal (... o por contra se podría pensar que hizo el encargo lo mejor que pudo) Quinteto se vé como una rareza de su tiempo, un testimonio de una época irrepetible del cine americano (70's) que dificilmente sería estrenada por unos grandes Estudios hoy día. Un film tan curioso como interesante, que se disfruta a gusto si se sabe bien lo que uno busca.

BREVE ANTOLOGÍA DEL FANTAS-TERROR PATRIO: "ATOLLADERO" (ANEXO: IGGY EN EL CINE, 2ª Parte)

A PROPÓSITO DE "LA IGUANA"...

-Atacar la peli de culto de Oscar Aibar nos permite continuar con un tumbero repaso a los titulos relevantes del cine fantástico español, y de paso, retomar la prometida 2ª parte del reportage Iggy el el cine. Habíamos abandonado al padrino del punk en los tiempos de "Repoman" y del primer "Coffe & Cigarretes" (93) de Jim Jarmush (otro músico/actor, Tom Waits, compartía escena con él), papel que retomarían músico(s) y director diez años más tarde en película del mismo título, esta vez con más presencia y mayor diálogo. Por aquel entonces, antes de embarcarse en Atolladero, Iggy participaba en series de TV como Miami Vice y Tales from the Crypt, haciendo apariciones especiales. Shannon's Deal es otra de aquellas diversiones televisivas en las que intervenía nuestro artista, pero no es de extrañar que Iggy guarde un mejor recuerdo de Pete & Pete un show para niños en el que hacía de padre de familia suburbana, un yuppie de mediana edad, ex-delincuente y ex-rockero.

1994 es el año en el que interviene en mayor numero de pélis. La directora Rachel Talalay (Pesadilla Final: La muerte de Freddy) lo contrató para la que acabaría siendo una cult movie de los 90, Tank Girl. Estaba enfrascado en un film independiente, del que no sé nada, titulado Wayne County Rambling y acababa de finalizar el rodaje de esa pequeña joya del western onírico y poético de nombre "Dead Man" (un corto cameo casi irreconocible vestido con ropas de mujer) cuando recibió el guión de un joven e inexperto realizador español, Oscar Aibar. Para sorpresa de todo el mundo Iggy acabaría aceptándolo encantado, tanto es así que compondría tres temas para la banda sonora del film (qué Virgin nunca dejó publicar más allá de la película, el tema "Atolladero" es una balada gloriosa y bella, una rareza en su discografía). Fue durante el difícil rodaje de esta película cuando Iggy se daría cuenta de lo duro que és trabajar -y hacer cine- en España (Aibar comentó en una ocasión tras ver el docu "lost in La Mancha", sobre el accidentado rodaje de la versión de el Quijote de Terry Guilliam, que aquel fue un chiste de mariquitas comparado con su rodaje de Atolladero). Era la primera vez que Iggy tenía un papel tan extenso en una peli, duras jornadas de trabajo agrabadas por inoportunas condiciones atmosféricas, a lo que hay que añadir el idioma, la presión (se dice que tuvo fuertes discusiones con el actor Joaquín Hinojosa, su rival directo en el film), y el trágico fallecimiento de uno de los actores principales, el intérprete Felix Rotaeta, al que Iggy tenía en buen aprecio. Se largaría del país sin saber si la película acabaría estrenándose. No sería esta su última aparición en pantalla. Continuó y continúa siempre que puede con su hobby de aparecer en el cine. Siempre en breves apariciones -el bodrio El Cuervo Ciudad de ángeles(96), la estúpida Fiesta en la nieve (2000), decenas de series de tv americanas...- pero a día de hoy su papel como Madden en "ATOLLADERO" continúa siendo su mejor interpretación, su personaje más estelar en el mundo del celuloide, el de mayor presencia y mayor calado (otra cosa sería su aportación a imnumerables bandas sonoras, Trainsppoting, The Brave, Life Acuatic...).

-A PROPÓSITO DE "ATOLLADERO" (1995)...

Amor de padre. La ópera prima del barcelonés Oscar Aibar (cosecha del 67) fue en su día una propuesta inusual dentro de nuestro cine y continúa siéndolo hoy. Como vengo demandando desde este blog fanzinero cada vez que tengo ocasión, necesitamos cineastas que arriesgen... que sean capaces de ofrecernos algo diferente y rompedor, que sepan desprenderse de su sensatez. El miedo al fracaso no les deja moverse más allá del cine social y eso de aventura tiene poco, de ahí que gente como Aibar merezcan siempre la pena (su bizarra "Platillos Volantes" me encantó; no trataba sobre la cuestión de si hay vida extraterrestre en otros planetas, sino que cuestionaba si realmente hay vida inteligente en la Tierra). La péli tarda en arrancar, pero una vez puestos termina siendo un agradable desastre. Un western de ciencia-ficción triste y melancólico, y sobretodo original.

El cómic "Atolladero, Texas", escrito por él y dibujado por Miguel Angel Martín, es el punto de partida de tan encomiable film. Una Divertida y arriesgada gamberrada de serie B. Olvidada y Maldita desde que nació. Una pelicula de culto del cine español. Protagonizada por actores y personajes que bien podrían haber salido de las historietas de Mortadelo y Filemón. Un cóctel estimulante de cinefágia, repleto de referencias y homenages al cine y a la cultura subterránea. El film, que sitúa la acción en la Texas del año 2048, recuerda a los spaguettis-westerns del maestro Leone (el paisaje parece almeriense, pero se rodó en las Bardenas navarras). Guiños a B. De Palma, a pélis como Alien, Robocop, Terminator y por supuesto a Mad Max. Pero hay que recordar que ésta no es una producción made in USA, de ahí que salgan a relucir temas tipicamente ibéricos: la envidia, el feudalismo, servilismo, ignorancia... ¡Chapó! para Aibar y sus colaboradores por llevar a buen puerto, pese a tempestades, una historia diferente que quedará en los anales del "otro" cine español. Encima -y si todo esto no tuviese suficiente atractivo-, recordad que sale el salvaje IGGY POP, bordando su papel de malo malísimo...

RÁFAGAS DE SERIE B: "LIFEFORCE" FUERZA VITAL

LIFE FORCE/FUERZA VITAL (Tobe Hooper, 1985. USA.) 111 m.

Si te gustan los combinados de Ciencia-Ficción, Terror barroco afrodisíaco, delirantes "series B" de antaño tipo "¿Qué Sucedió Entonces?(67), unido a un delirante sentido del ridículo, aprobarás LIFEFORCE como un título digno de adornar tu videoteca.

En esta "pizza de cuatro estaciones" encontrarás todos estos elementos genéricos, y más. Ambientada acertadamente en un Londres que parece devastado por una plaga de zombies (cómo en Quatermass...). La péli -algo lenta en algunos tramos de su argumento- tiene como punto de partida la novela de Colin Wilson Los Vampiros del Espacio. La nave anglo-estadounidense Churchill (buen guiño) descubre en la cola del cometa Halley una enorme nave alienígena llena de cadáveres con forma humana y tres cuerpos -dos hombres y una mujer- encerrados en cápsulas cual ataúdes de cristal, en aparentemente estado de invernación. Ni que decir tiene que lo que parece una antigua especie de vampiros espaciales, no tardarán en resucitar.

Como os decía, todo un espectáculo híbrido que resulta una producción llena de exotismo gracias sobre todo a la presencia femenina de MATHILDA MAY una actriz capaz de chuparle la fuerza vital a cualquiera. La francesa (Paris, 1965), de origen islámico, acabaría por ahí perdida en un cine que no me interesa (Bigas Luna contó con ella -mejor dicho con sus tetas- para su "La Teta y la Luna", foto3) pero quedará en la mente de todo buen aficionado al fantastic-terror por su papel de chica vampírico-espacial de qualité. Por si el delicioso cuerpazo de la May no fuese suficiente, dirige todo el cotarro el texano Tobe Hooper (La Matanza de Texas) que venía de hacer Poltergeits (82), a mi entender una cursilada en comparación con esta divertida y estimulante LIFEFORCE.

¿Os acordáis de aquellas por lo general insufribles producciones Cannon? (American Ninja, Masters del Universo, Yo el Halcón, Cyborg, Desaperecido en Combate...) Pues quizá éste sea el título por el que tal bizarra productora merezca ser recordada...

CULT MOVIES: "VIDEODROME"

Estamos ante una película de culto, de esas de verdad. Pocas pelis de 1980, son de rabiosa actualidad hoy día. Digamos, que David Cronenberg se anticipó a muchas de las constantes vitales de la televisión de nuestros días. La historia de Max Renn (James Woods) es una pesadillesca y memorable incursión en esos mundos llenos de fabula e imaginación ("el placer de la carne") que tan bien se le dan al director de Cromosoma 3 (79). Mucho se ha hablado y comentado de esta sugestiva cinta. Puede gustar o no, pero nunca dejará indiferente al sufrido espectador. Comercialmente ya fue un fracaso en su día (algo común en las pelis de culto, pero sobretodo con las de su autor), pero es que a Cronenberg -una de mis mayores debilidades- eso del éxito... se la traía floja (y hablo en pasado porque tal vez haya cambiado el chip). Y es que no podemos hablar de la impresionante VIDEODROME (Videodrome, 1982) sin acentuar el nombre del genio canadiense. "Su" cine, es un genero en si mismo. Pocos directores hay, que arriesguen con cada trabajo y, al mismo tiempo, apuesten valientemente por propuestas sugestivas, siempre fieles a sus principios artísticos.

El mundo de Videodrome no se olvida facilmente. La obsesiva inquietud que sufre el personaje principal Max Renn (también aparece la rubiaza Deborah Harry, la Blondie que todos conocemos) al descubrir la existencia de un programa pirata de T.V. por cable compuesto por entero de sexo y violencia..., es trasladada a la pantalla por una serie de imagenes explosivas capaces de poseernos, como hace el programa original "Videodrome" con su víctima Max. Un buen ejemplo son las famosas secuencias, que perduran en la mente de todo aficionado, de un inconmensurable (se merece una entrada AtumbaAbierta ¡¡ya!!) James Woods besando unos enormes y carnosos labios rojo carmín que salen del televisor, hasta tragarselo literalmente en una escena llena de erotismo; o aquellas otras en las que Max introduce su mano en la abertura baginal de su barriga, para extraer o introducirse cosas... ¡Una autentica pasada!

Pero Videodrome es mucho mas que una serie de imagenes impactantes. Es un filme trasgresor y visionario, lleno de códigos y mensajes encriptados (mas bien subliminados), nada fácil para el "espectador medio", por lo que su valor todavía sera motivo de análisis para futuros entes generacionales...

-MOON. ALUCINACIONES ESPACIALES PARA EL NUEVO MILENIO

Gracias a Dios (no se me ocurre ningún otro al que dárselas, a no ser a David Bowie... pero sigamos) por esta IMPRESIONANTE pelicula. MOON (Duncan Jones, 2009) es lo que un servidor echaba de menos en cuanto a filmes de Ciencia Ficción, pura y dura. Fiel al genero por el que transita (lógicamente 2001 de Kubrick es un referente obligado, no solo para ésta sino para cualquier peli de C.F. que se precie, añadiendo a la lista aquella pequeña joya que fue "Atmosfera Cero" de Peter Hyams). El guión es superoriginal y nada convencional para lo que nos tienen acostumbrados las ultimas peliculas de dicho genero (en esto coincide con la estupenda Los Cronocrimenes, las dos de lo mejor de la Sci-Fi en años y sin necesidad de gastarse millones en efectos especiales), aportando su joven director un nuevo enfoque en cuanto a lo que nos espera de aquí en adelante como especie humana. Un viaje lleno de "alucinaciones", que no tienen nada de alucinantes.

Esta densa historia, casi de serie B, (como las que nos tenían acostumbrados en los años 60 y 70, películas como "Naves Misteriosas", tanto en pasión como estética) nace de la pasión que Duncan Jones tenia de crió por el espacio, algo lógico cuando descubres que el debutante director es hijo del "extraterrestre" David Bowie, por lo que enseguida te viene a la mente su fantástico tema Space Oddity (en el que un Ziggy Stardust, en su derive espacial, solo alcanza a ver la Tierra del color azul... al igual que nuestro protagonista en MOON Sam Rockwell, la contempla desde su base lunar).

Estamos además, ante una obra que retrata el aislamiento humano como pocas. El papel de Rockwell es quizás el mejor de su carrera ("Confesiones de una mente peligrosa", puede ser otro) y la péli és, en definitiva, entretenida, emocionante y visionaria. UN DIEZ. (Me entero que fue la gran triunfadora en Sitges'09, mejor peli, guion y actor, y no me sorprende...)

EL GUIONISTA ADAPTADO: RAY BRADBURY

En esta ocasión he decidido acordarme de otro escritor de renombre: RAY BRADBURY (1920-...) para seguir repasando mi lista de grandes guionistas adaptados. El autor de Illinois fue considerado durante un tiempo como el mejor escritor de relatos cortos norteamericano grácias a títulos como Cronicas Marcianas (1950. Minotauro) o El hombre Ilustrado (Booket), siendo recordado por todos los aficionados a la buena literatura por haber escrito aquella distopía futurista de nombre Fahrenheit 451 (1953. Minotauro), que más tarde vería una estupenda versión cinematográfica de la mano del francés Truffaut, sin ningún género de dudas la mejor adaptación de un cuento o relato suyo.

Veámos unos cuantos ejemplos más de adaptaciones basadas en sus relatos, siempre a caballo entre la ciencia-ficción y la fantasía... Como apunte, decir que Ray fue el responsable del guión final de un título clave del séptimo vício: Moby Dick (John Huston, 1956) -aunque como sabréis el original fue obra de Melville-.

-EL MONSTRUO DE TIEMPOS REMOTOS (Eugene Lourie, 1953)

Su primera relación con la gran pantalla. Podría decirse que este fue el filme que inauguró una nueva modalidad dentro de la sci-fi: el enfentramiento entre mastodontes supervivientes prehistóricos y los atónitos humanos. La péli partió de un relato de Bradbury (en el que un pre-Godzilla tomaba a un faro por su congénere (?)), el cual a su vez inspiraría a otro génio como Harryhausen para encargarse de los efectos especiales... Sin duda lo mejor del film.

-LLEGÓ DEL MÁS ALLÁ (Jack Arnold, 1953)

O mejor dicho: It Came From Outer Space. Gran película que proponía otra visión de las invasiones extraterrestres dentro de la sci-fi , menos maniqueísta y xenófoba que las reinantes en el Hollywood de los años 50. Basada en un relato de Ray, que imaginó visitantes de otros planetas sin intenciones malévolas y que dieron con la Tierra debido a una avería de su nave. Dirige un maestro como Arnold (La mujer y el monstruo), filmándola en 3D.

-FAHRENHEIT 451 (Francois Truffaut, 1966)

Leer libros está prohibido, en el futuro serán los bomberos los encargados de plantarles fuego. Hay quien la encuentre envejecida (tal vez por ese aire pop de la época) pero para mí tal y como están las cosas con los libros y el ejercicio de la lectura, lo augurado por Bradbury es algo que puede hacerse realidad tarde o temprano. Por fin una adaptación a la altura del escritor norteamericano. Añadamos el extra de ver a una mujer atómica como Julie Christie (buscar). Se rumoreó con la posibilidad de que Mel Gibson se atreviese a hacer una nueva versión como actor y director...

-EL HOMBRE ILUSTRADO (Jack Smight, 1969)

Paranoia retro-espácio-temporal de tintes metafísicos, muy de su época. Deja en evidencia la dificultad de adaptar para el cine una novela por relatos del calibre de The Illustrated Man. Eso si añadimos la capacidad para sobreactuar de su intérprete principal Rod Steiger. Así todo, los amantes de la ciencia-ficción sesuda (entre los que me incluyo) tienen una buena historia con la que comerse el coco...

-EL CARNAVAL DE LAS TINIEBLAS (Jack Clayton, 1982)

Bradbury se ocupó personalmente del guión de la misma, basado en su expléndido relato La Feria de las Tinieblas. El resultado es una más que interesante historia de mágia y misterio dirigida por el gran Jack Clayton -recordad A las nueve cada noche o la estupendísima Suspense- que supo mostrarnos las ilusiones de los habitantes de un pequeño pueblo norteamericano a raiz de la llegada de un misterioso carrusel que parece obsequiar a cada uno lo que siempre anheló. Reparto de lujo: Jason Robards, Jonathan Price, Diane Ladd y Pam Grier. A nosotros nos llegó directamente en formato VHS pese ser un producto Disney. Eso explicaría la modificación de algunas escenas para optener un producto más comercial, pese a lo cual sigue quedándonos un estimable filme.

-EL SONIDO DEL TRUENO (Peter Hyams, 2005)

Lo último (que yo sepa) que lleva su firma es esta péli de viajes en el tiempo dirigida por el solvente director de Atmosfera Cero. Desconozco el texto original en que se basa este bodrio, pero estoy seguro de que no será tan previsible ni aburrido como el filme. Una historia vista más de mil veces: un safari organizado para gente rica al pasado, con unas reglas que por supuesto incumplen, y con un presente que arreglar por dicho comportamiento. Qué original...!!

-VUELVE EL REPORTERO DEL INFIERNO CON MAS PAGINAS QUE LEER

El Cine de ciencia ficción. Explorando mundos (Antonio José Navarro. Ediciones Valdemar/2008.- 751 págs.)

¿Quiénes somos? ¿De dónde venimos? ¿A Dónde vamos?. ¿Estamos solos en la galaxia? ¿O acompañados?.... ¿Existe un más allá? ¿Y si hay reencarnación?... Julián Hernández dixit.

La city galáctica, nebulosas, alienígenas, robots, rayos Uva, realidades paralelas, space-opera, viajes en el tiempo, distopías virtuales, virus inteligentes, naves espaciales, explosiones solares, planetas a años luz... Todo un escaparete irresistible, un filón absoluto de inventiva presto a multiples enfoques e interrogativos. Ventanas que hay que cruzar y reglas que están hechas para romperse. El genero de la Ciencia Ficción, -vivito y coleando gracias a su poder de mutación- fascina de tal manera que es inevitable el estudio disiminado del mísmo. En este caso el crítico cinematográfico Antonio José Navarro (Dirigido Por) aporta su mirada reflexiva (y su pluma académica) analizando en profundidad el pasado, presente y futuro del universo Sci-Fi (y variantes). Obras capitales como 2001:Una odisea del Espacio, El Planeta de los Simios, La Noche de los muertos vivientes (sí, yo también me sorprendí...al principio), Blade Runner... una vez más (¡y las que quedan!) destripadas para deleite de nosotros, mortales terrícolas.

-(IN)CULT MOVIES: DUST DEVIL

DUST DEVIL (Dust Devil.- Sudafrica, 1992) Director: Richard Stanley / Género: Terror, Ciencia Ficción /Guión: Richard Stanley / Duración: 103 min. / Intérpretes: Robert Burke, Chelsea Field, Zakes Mokae, John Matshikiza, Rufus Swart.

La historia: Un errante nómada ataviado como Clint Eastwood en "La Muerte Tenía un Precio" de Leone, hace auto-stop a lo largo del ocre y polvoriento paisaje del desierto Namibio para seducir y asesinar a mujeres imprudentes, seccionandoles los dedos para su colección. Los momentos sangrientos se mixturan con tensiones raciales (la lucha por la independencia), con leyendas y supersticiones indígenas (los Hombres del Bosque), con sexo, en una narración de ritmo pausado, extraña y seductora.

El toque: psycho killers fantasmas, brujos pluriempleados, misticismo africano, terror a lo Giallo, reflexiones entre incomprensibles y poéticas, mutilaciones sexuales... todo embuelto en una estética de spaghetti western. ¿Alguien da más?... pues si a esto le añades unos FX que superan a famosas explosiones homónimas de Romero en sus Zombies, o al Scanners de Cronenberg y sobretodo al regusto de contar una historia diferente a lo que nos tienen contado... ya tenemos un film de culto: DUST DEVIL. Por lo menos para mí. Me quedo con la colección de cuchillos del prota y la escena de "salvaje pasión" que tiene este mismo personaje del título cuando rompe el cuello a su compañera en el momento del orgasmo.

Apuntes: El director Richard Stanley (foto izda.) de origen sudafricano y adopción inglesa, que por la pinta bien podría ser el protagonista de cualquiera de sus películas, debutó con Hardware (1990) otro film "de culto" bien acogido entre los fanáticos al genero de thriller futurista y apocalíptico, que saqueaba de de diversas fuentes (Engendro Mecánico, Robocop, Terminator, Saturno 3..) y que le permitió afrontar su siguiente proyecto: DUST DEVIL, relato mucho más considerable que aquel. Como el propio Stanley describe: "Es un cruce entre Una árida estación blanca, El Topo, y la Matanza de Texas". La película fue drásticamente mutilada por la distribuidora Miramax en USA debido a su crudeza (Ay.. con los delicados americanos, siempre igual) no obstante existe la versión completa que conviene ver, Dust devil: The final cut.

(IN)CULT MOVIES: MOEBIUS

MOEBIUS (Moebius.-Argentina. 1996) / Género: Ciencia Ficción /Director: Emiliano Torres, Natalia Urruty y Gustavo Mosquera / Guión: éstos y tres amiguetes más / Duración: 86 min. / Intérpretes: Guillermo Angelelli, Roberto Carnaghi, Annabella Levy y Jorge Petraglia. La historia: Un tren repleto de pasajeros desaparece inexplicablemente en los túneles del "metro" de Buenos Aires, perdiéndose en el tiempo por algún tipo de misterioso fenómeno dimensional-existencial, numérico-cabalístico, teoría de cuerdas o cualquier otra teoría que nos traten de explicar intelectuales de la talla de Borges o Kafka, eso sí partiendo del pulp y del fantastique más absoluto.

El toque: Impecable, magnífica, singular. Una de las mejores películas de ciencia ficción de los 90, a la misma altura que obras del calibre de Pi (98), Gattaca (97), Dark City (98) y Cube (98), filmadas años mas tarde, y que elevaron la Sci-Fi a niveles existenciales y de estudio (vamos..que a nivel artístico atraían la curiosidad de los críticos). Fábula como he dicho existencial, que aprovecha sus múltiples posibilidades de guión y funciona a diferentes niveles de lectura. Una agradable sorpresa. Una verdadera péli de culto.

Apuntes: Lo más sorprendente de que este film futurista (de un futuro indeterminado), es que está producido por los alumnos de la Universidad del Cine argentina, bajo la coordinación del profesor y cineasta Gustavo Mosquera (del que no he vuelto a saber nada más). Demostrando una calidad profesional digna de todo elogio. Lo qué lograron estos jóvenes debutantes estudiantes argentinos (en lo que seguramente sería algo así como un examen final de curso) con MOEBIUS, además de admirable proeza artística, fue apostar por ofrecernos algo distinto digamos, dentro del género fantástico (desde la ciencia, algo así como un científico, doctor o teólogo metido a director de cine, como acordó hacer a tiempo, con acierto y maestría David Cronemberg), y abrir los ojos a más de uno dentro de una industria y un género que se repite hasta la saciedad, prostituido y remakenizado.

(IN)CULT MOVIES

No tengo hecha una lista de mis películas de culto. Aparte de que no creo en ningún "culto". He creado esta nueva sección en ATumbaAbieta para dar cavida a esos "títulos menores" de diferentes géneros cinematográficos que dejaron (por diferentes motivos) huella en mi memoria. En un mundo tan amplio y extenso como el del celuloide, hay lugar y, momentos, para todo. Sin pretender sentar cátedra, ni rebuscar entre la "B" y la "Z" dándomelas de "enteradillo"...

COMENZÁMOS....

Título: ¡ESTÁN VIVOS! (They Live. 1988)

Género: Ciencia Ficción / Thriller

Director: John Carpenter (USA)

Guión: Ray Nelson

Duración: 89 minutos

Intérpretes: Roddy Piper, Keith David, Meg Foster, George "Buck" Flower, Peter Jason.

La historia: Un albañil sin papeles canadiense con camisa de leñador (que sería la réplica a los característicos Rambos del cine de acción coetáneo) encuentra ocasionalmente unas gafas que le permitirán ver a la gente en su aspecto auténtico. Descubriendo así que personajes del mundo de la política y la sociedad son en realidad extraterrestres.

El toque: Remite con cariño y sentido del humor, al cine de infiltración extraterrestre iniciado por la popular ciencia-ficción de los años 50. Hecha con cuatro duros y actores semi-profesionales, sin necesidad de efectos especiales ... es un film admirable. Bien narrado y extremadamente subversivo, arremete sin piedad contra la política de la era Reagan, por lo tanto no debe extrañarnos su mínimo eco comercial... Apuntes: De lo mejor rodado por el creador de La Cosa, John "Genio" Carpenter, un conocedor del mundo en el que trabaja. Sacando tajada con productos menores y digamos simplemente aceptables, hechos para contentar a unos (productores sedientos de éxitos y público poco exigente, léase Starman, Christine, Halloween..) y con pasta para afrontar trabajos más personales...para contentar a otros (incluido él mismo; sin olvidar a quién van dirigidos...Asalto a la comisaría del distrito 13, En la Boca del Miedo, o ésta, son un buen ejemplo)