EL RINCÓN DEL PINCHA: TUFF DARTS, 'TELONEROS' OLVIDADOS DEL CBGB.

Si te gusta el viejo bamboleo de los Stones, el Lou Reed etapa collar de cuero, los pegadizos acordes de Johnny Thunders y sus New York Dolls, y todavía piensas que no puede haber nada que te sorprenda de todo aquel mítico y maravilloso sonido punk-rock tan simple facturado a mitad de los 70 en la efervescente escena neoyorquina surgida del mítico CBGB... prueba con los Darts. Te dejarán alucinado. Hace poco topé por casualidad con esta obra de arte, y nada más escuchar las primeras notas residuales de canciones como "All for the love of R&R", "Fun City" o "Your love is like a Nuclear Waste", se me puso dura. Sin duda alguna los Darts son el secreto mejor guardado de toda aquella movida. Rock&Roll sin pretensiones. Petardazos de dos acordes, de los de toda la vida. Estribillos pegadizos y sencillos. Letras de sincero descontento que hablan sobre perdedores, amores despechados, juergas... y el fantasma de la peligrosa e hipnótica noche neoyorquina planeando y respirando sobre cada una de estas historias que aullan tan pegajosas canciones. Y lo más importante: Todo con mucha diversión. Visto todas esas fantásticas bandas y músicos que han salido de la factoría CBGB y que a su manera han escrito la Historia Oculta(No Contada) del Rock (Dolls, Dead Boys, Television, Richard Hell, Heartbreakers...), uno no entiende que un grupo como TUFF DARTS y su disco homónimo (Sire Records, 1978) no tuviesen más relevancia de la que han tenído. Otro de los grandes misterios del Rock. ¿Mala suerte? Solo decir que semejante repertorio de hits rockeros no tienen nada que envidiar a cualquier otra composición punk-rock que sonase cualquier noche sobre las tablas del viciado ambiente cebegebero. Escúchen el disco y ya me contarán. Como bien dícen en uno de sus temas, lo suyo es amor por el rock and roll. Y yo me lo creo. Como anécdota decir que el gran Robert Gordon fue el primer vocalista de los Dardos, aunque sería con la llegada de Tommy Frenzy cuando nos brindarían este clásico de leyenda. Un único disco, sí. Pero que discazo, óigan...

TE PRESENTO A... GARY SHERMAN: EL CINEASTA ENTERRADO.

Siguiendo con el repaso a olvidados cineastas de lo fantástico que allá por tiempos del vetusto VHS reinaban en las polvorientas estanterías de cualquier videoclub fétido que se preciara, sería un error monumental no mentar a uno de los directores de culto del género: Gary Sherman (Chicago, Illinois, 1945). El hombre cuenta con cuatro apreciables películas, por lo menos. Pero al final le pasaría igual que al título del film que lo encumbró como tal director de culto: MUERTOS Y ENTERRADOS (Dead and buried, 1981), ya que hoy son pocos los que se acuerdan de su nombre. La cinta es una gran película de temática zombie, con mad doctors incluidos, que en su momento supuso un soplo de aire fresco (recordémos que eran los tiempos del terror y psycho-killers para adolescentes y un film como éste rompía todos los esquemas). El guión era obra de los mismos responsables que escribieron la aclamadísima Alien. Una pequeña joya del género, que más allá de una película de terror propiamente dicha, profundiza como pocas en todo lo referente a la estética del horror, y que termina con una de las conclusiones/moralejas más sarcásticas, pesimistas e impresionantes de toda la historia del cine de terror. El film, y su final, encierran una macabra y retorcida mala leche. Anteriormente Gary Sherman había debutado tras la cámara con un documental sobre ¡¡Bo Diddley!! (The Legend of Bo Diddley, 1966), el cual, y muy desgraciadamente, no he tenido el placer de videar. Su primer largo antes del citado Dead and Buried, fue otra interesante cinta de terror: SUBHUMANOS (DEATH LINE, 1972); también conocida entre nosotros como La Línea de la Muerte, o por su otro título en inglés RawMeat. Financiada y rodada en Gran Bretaña, hecho que puede explicar el parentesco estético-visual que el filme pueda tener con ciertos films tardíos de la Hammer, la película cuenta con la presencia del magnífico actor inglés Donald Pleasence, en el papel del inspector Colhaun de Scotland Yard, además de brindarnos una fugaz aparición el gran Christopher Lee. En la historia del film, que funciona como parábola de la realidad social que atravesaba la Inglaterra de aquel entónces, Sherman nos propone un viaje a las catacumbas del metro londinense. Nos introduce en los subsuelos. Allí habitan los famélicos descendientes de una gente habandonada a su suerte durante las excavaciones del complejo de túneles construidos a finales del siglo XIX. Imagínense como podrían haber sobrevivido... Podríamos encajar pues, este título, en la lista de films con temática canibal de la que tanto gustamos en esta casa (link). Otro interesante trabajo en la carrera fílmica del de Chicago lleva por título LA JAURÍA DEL VICIO (Vice Squad, 1982). Es una movie de patrullas y brigadas anti-corrupción de las que tanto gustan a los americanos y en la que no faltan los sádicos asesinos, las prostitutas indefensas y toda la acción y violencia de la que hacían gala aquellos polvorientos films ochenteros. El relativo éxito (en medida de lo que se gastó) que tuvo con algunos de sus films menores como "Se Busca Vivo o Muerto" (Wanted: Dead or Alive, 1987) -de la que ya hablamos con motivo de aquel reportage sobre 'Gene Simmons en el cine'- le hizo aspirar a cotas más altas. Alturas éstas, como Poltergeits III, de las que no saldría bien parado. O por lo menos, no representan al mejor Sherman que conocemos y apreciamos los amantes chalados del fantástico. ¿Qué hace hoy? Pues ni idea. Buscaría acomodo en la televisión, eso sin duda. Algunos de sus añejos guiones todavía tienen acomodo en el cine de terror actual de bajo presupuesto, sin ir más lejos: "La Mansión del pánico"(The Golow, 2002). Pero ya no es lo mismo. Gary Sherman no será ni el primer ni el último artesano director desplazado por la industria y los nuevos tiempos, pero valgan estas míseras líneas para recordar su aportación, si bien no tan abundante en cuanto a títulos, sí más que digna en cuanto a ideas, propuestas e intenciones.

DISCOGRANDE: HOT TUNA, "STEADY AS SHE GOES".

¡QUÉ SE JODAN LOS ATEOS!... Un disco como Steady as she goes (Red House, 2011) nos enganchó a la primera. Igual que pasó cuando escuchamos por primera vez Derek & The Dominos, JJ Cale, Warren Zevon... y demás bluesrockers de postín. Los que están al loro de todo ya tendrían conocimiento de una banda como Hot Tuna. Nosotros, no. Grácias al Ruta 66 (la mejor revista musical en habla hispana) los hemos descubierto recientemente. Y qué placer, oígan. Ni idea teníamos de que la pareja formada por Jorma Kaukonen y Jack Casady (un bajista al que pocos pueden hacer sombra) emprendieran esta aventura tras la disolución de los míticos Jefferson Airplane. Por lo tanto estamos ante unos pioneros del rock americano. Hablamos de músicos de primer orden. Gente que lleva casi cuatro décadas a rastras por la carretera (aunque lancen este discazo tras 20 años de 'silencio') y a los que evidentemente no se les ha olvidado emocionarnos después de tantos años. Y es que Hot Tuna noquéan por KO desde el primer surco: "Angel of Darkness" es una maravilla de tema, desde ya, historia viva del rock. Imposible no quedar prendado del disco ante semejante inicio. Regreso al pasado. Regreso a las grandes bandas de funk-rock rocoso setentero, educadas en la psicodelia de ácidos blues acústicos y eléctricos. No entiendo muy bien eso del termino 'americana', cuando en realidad lo que estamos escuchando es rock americano de toda la vida. Y este disco, para un servidor, ya está entre los grandes discos del rock americano de siempre (y con una gran portada, como debe de ser). Al final, y lo más probable, es que será otro gran disco que pasará desapercivido. Allá los ateos... Nosotros nos alegramos de haberlo encontrado en el camino.

MONDO LIRONDO: CHAPARRÓN DE ESTRENOS CON TEMÁTICA TUMBERA.

Gente de la nuestra... ¡La que se nos viene encima! Expectantes contamos los días que faltan para que directores afines a esta casa láncen sus ultimos largos cinematográficos. Mientras los cinéfilos esperan la última perogrullada del manchego Almodobar, nosotros, cinemaníacos tumberos, ansiamos que la vieja guardia de malsanos artesanos -en muchos casos vilipendiados, o cuando no, directamente olvidados (léase Abel Ferrara o William Friedkin)-, den señales de vida. Los que gusten de cine autoral a quemarropa, están de suerte. La cosa no es para menos.

-AKI KAURISMAKI: LE HAVRE (2011)

Algún día de estos analizaremos como se merece la carrera del autor finlandés. Alguien que tenga a Chaplin como maestro y esté enamorado del rock'n'roll clásico de los años 50, no puede ser mal tipo. Existe Aki Kaurismaki, y el resto del rebaño. Cine a contracorriente. Pura mágia (al menos que te guste soñar). Y ya tardaba. Tiempo pasó desde sus ultimas maravillas "Un hombre sin pasado"(2002) y "Luces al atardecer"(2006), así que no véan ustedes lo impacientes que estamos por adentrarnos en otra bonita historia llena de imágenes ensoñadoras.

-TAKASHI MIIKE: ICHIMEI (2011)

Sorprendente. Al igual que ustedes, teníamos al autor de Audition, Ichi the Killer y demás brutales gamberradas fantamafiosas, reconocido como el Scorsese japonés. Eso sí, elevado al cubo. Siempre un paso por delante. A la vanguardia del cine más bruto, bizarro y bárbaro hecho jamás. Pues bien, visto su ultimo flim (13 Assassins, 2010) y a la espera de poder ver "Ichimei"(2011), hay que reconocerle una nueva faceta, un antes y un después en su carrera. Son dos remakes de películas clásicas del cine de samurais nipón, cierto. Pero no le resta mérito alguno. Miike quiere dejar claro que él es un cineasta total. Kurosawa, Kobayashi, Hideo Gosha y demás maestros del género Chambara estarían tan orgullosos de su paisano como lo estamos los amantes del buen cine.

-ABEL FERRARA: 4:44 LATS DAY ON THE EARTH (2012)

Ya está aquí, incordiando a periodistas, productores, progres, críticos y demás jauría del circo, nuestro noctámbulo preferido. Al neoyorquino le va la marcha. A alguien capaz de rodar aquella pasada de péli que fue "Teniente Corrupto", no se le olvida facilmente. Hay que seguirle la pista allá donde vaya. Quien sabe, puede que algún día recupere algunas de las pinceladas que hicieron que gente brutta como nosotros le tengamos en tan buena estima. Su ultimo trabajo reseñable, Chelsea on the Rocks (del que ya dejamos constancia meses atrás), fue un documental, y su último largo interesante, "Un Cuento de Navidad", data del 2001. De ahí las ganas que tengo de incarle el diente a esta historia apocalíptica, que en manos del director del Bronx, no se parecerá en nada a los blockbusters de Roland Emmerich y mercenarios similares. Además corre la suerte de poder apreciar la grandeza interpretativa de Willem Dafoe. Un actor 'de los suyos', y de los nuestros. No te mueras nunca Ferrara, contamos contigo.

-ROMAN POLANSKI: UN DIOS SALVAJE (2011)

Suerte de tener al 'enano polaco' (como lo denominara Jack Nicholson) con vida. Nadie parece quererlo hoy día. Al no ser de ninguna parte, no pertenece a ningún sitio (la historia y su vida así lo demuestra). La dicha del cineasta errante. Del exiliado. Bajo arresto domiciliario, está más productivo que nunca. Todo hay que decirlo. Y nosotros tan contentos. Christoph Waltz y el gran John C. Reilly completan el pastel.

-JOHNNIE TO: LIFE WITHOUT PRINCIPLE (2011)

Al magnífico director honkonés ya os lo presenté en su momento. Filmes como Election o Exiled no tienen parangón en su género. Impecables, relucientes, sensibles... los trabajos tonianos resultan poéticas radiografías de la violencia. Gangsters trajeados que se convierten en hombres de negocios asoman en este thriller de acción, con la crisis y el descalabro económico ultraliberalista ejerciendo como el malo de la película. Sabémos que como mínimo será correcta, como toda su flimografía.

-DAVID CRONENBERG: "UN MÉTODO PELIGROSO"

Lo último que estrene el doctorado canadiense siempre será un acontecimiento. Relaciones sentimentales y profesionales entre titanes de psicoanálisis parece ser lo penúltimo. ¿Cronenberg retratando a Freud? No se engañen. El autor de La Mosca hace tiempo que dejó atrás sus delirios fantásticos para inquietarnos de otra manera mucho más realista. Su actor fetiche Viggo Mortensen, y el expléndido Michael Fassbender (Hunger, 2008), prometen divertirnos. Cronenberg nunca ha hecho una mala película, y apuesto a que nunca la hará.

-WILLIAM FRIEDKIN: "KILLER JOE"(2012)

Una película de Friedkin, como ocurrió con su anterior "Bug"(2006), por muy buena que sea, pasará desapercivida para la gran mayoría de consumidores de estrenos (si es que llega a estrenarse). Supongo que para un hombre que firmó en los 70 obras maestras de la categoría de El Exorcista o French Connection le importará una mierda si sale del ostracismo o no con cada nuevo trabajo. Su tren ya pasó. Lo que no es de recibo alguno, es ver como trata la industria (a él como a tantos otros) a alguien que ha hecho tanto por este podrido negocio. Parece un apestado. Nosotros no te olvidamos William. Has dado muestras de ofrecer algo distinto y honorable. Killer Joe parece ser un thriller negro con humor solapado. Veámos si todavía te quedan balas en la recámara, viejo zorro.

-STEVE McQUEEN: "SHAME"(2011)

Tan pronto acabamos de visionar un film como "Hunger"(2008), no dudamos en calificar a su joven director como una de las grandes promesas a seguir en un futuro. Todavía hoy al recordar semejante y estremecedor relato sobre aquel preso del IRA, se me pone la carne de gallina. Así que no es de extrañar el fervor con el que esperábamos en esta casa el siguiente paso a dar por el director y videoartista británico Steve McQueen (nada que ver con el genial actor americano de mismo nombre y apellidos; vasta con ver la oscura tonalidad de su piel para estar seguro de ello). La historia que nos viene, al igual que ocurriera en su ópera prima, gira en torno a las libertades del ser humano. Si el prota de Hunger caecía de libertad alguna, el de Shame (en ambos filmes interpretados por un asombroso Michael Fassbinder, un actor que sin duda, y con el tiempo, se convertirá en una gran estrella de cine), disfruta de élla a raudales. Mejor dicho, a gusto. Su retrato de un perturbado adicto al sexo promete distanciarse de los demás films que sobre el tema se han hecho. McQueen rema a contracorriente, así que nos esperamos una película en las antípodas del cine comercial actual. Bravo irlandés. (Si la péli es una mierda serémos los primeros en admitirlo... Aunque lo dudámos mucho)

NOVELA GRÁFICA: "ELECTRIC REQUIEM"

Jimi Hendrix (Seattle, 1942-Londres, 1970), mal que le pese a B.B. King, Clapton o Pete Townsend, bien podría ser considerado el mejor guitarrista de la historia del rock. Cuarenta años después de su desaparición todavía se le echa de menos. Nadie puede discutir su talento ni su legado artístico. Pero no estámos aquí para descubrir la trascendencia musical del negro cheyene que tocaba la guitarra con los dientes. Su nombre vuelve a estar de actualidad. Y todo grácias a dos dibujantes y guionistas italianos, Mattia Colombara y Gianluca Maconi, que nos trasladan al blanco y negro del papel la biografía de este superhéroe de verdad. Como si de un album conceptual se tratara, el cómic está dividido en tres partes: nacimiento, auge y declive. Las partes más conflictivas y oscuras de su vida (la soledad, la falta de amor, una infancia dificil al cuidado de su abuela tras morir su madre de alcoholismo, etc...) digámos que no son del interés de los autores. La atmósfera que recorre las páginas del cómic/novela gráfica resulta ser muy espiritual, muy de 'alma negra', por así decirlo. Podrían tomarse la historia de otra manera, de eso no cabe duda, pero para mi gusto han acertado con la propuesta. Incluir el surrealismo en la novela es otra de las virtudes del cómic. No obstante, los autores italianos relatan y pintan en las viñetas de ELECTRIC REQUIEM (La Cúpula, 2011) hechos y caras conocidas de aquella majestuosa década de los 60: cómo se formó The Jimi Hendrix Experience, la famosa pelea con los Who en el Festival de Monterrey, ilustraciones de Mick Jagger, Brian Jones, Chas Chandler, diversas groupies y novias... Retratando con maestría y nostálgia, una época, y una figura, irrepetibles. Esta emotiva novela gráfica viene a rellenar, aunque sea un poco, el vacío existencial de un hombre y un músico que ha dejado una profunda huella en la (contra)cultura contemporánea. De lectura obligada para todo tumbero.

RAPHAËL SAADIQ: SOUL PARA BAILAR.... Y FORNICAR

Alucinados quedamos al pinchar el ultimo trabajo del afroamericano Raphaël Saadiq, Stone Rollin' (CBS/Sony, 2011). Los que gusten de soul enérgico con aires sesenteros, onda Stax, Atlantic, Motown..., tienen una cita obligada con este señor. Menudo discazo ha parido el de Oakland (California, 1966). Después de todo el revival vintage que está surgiendo alrededor de la música soul nunca está de más escuchar un disco autentico y bailongo para variar. Hay una gran diferencia entre lo retro y lo clásico, y Saadiq parece saberlo. Los nostálgicos encontrarán ecos de Marvin Gaye, Ottis Redding o Stevie Wonder entre los surcos del disco. Lógico, dada la capacidad vocal y compositiva de nuestro artista y, teniendo en cuenta, que estamos ante un trabajo que en gran medida, pretende embriagarse del ambiente sonoro de los viejos vinilos de soul y R&B. Y bien que lo consigue, como se puede apreciar. Temas como la impresionante "Good Man", suenan a gloria pasada, pero además tienen el plus de sonar actuales y nuevas (ese estribillo femenino casi hip-hopero). Y es que Saadiq es un soulman del siglo XXI. Funk, soul, pop, jazz, blues... y clase para dar y tomar. Hay que agradecerle el que haya querido grabar un disco así (de sus anteriores LPs tan solo me gustan canciones sueltas). El tipico disco que no puede faltar en una fiesta que se precie (pincha "Heart Attack" o "Radio" y verás lo que és mover el esqueleto). Poniéndonos románticos, también es de esa clase de discos que podéis escuchar mientras le hacéis el amor a vuestra pareja. Nunca se sabe, incluso puede que os ayude a alcanzar el orgasmo. Por lo de pronto Stone Rollin' , que no para de sonar en nuestro giradiscos, es el disco soul del año. Y Raphaël Saadiq, nacido Charles Ray Wiggins (de quien me entero vió morir a cuatro de sus hermanos -de una familia de 14!- de forma trágica: tiroteado uno, de sobredósis otro, suicidado un tercero, y finalmente una hermana atropellada. Algo que querámos o no, de una forma u otra, marca a cualquiera), empieza a ser uno de los personajes a tener en cuenta en esta casa de aquí en adelante.

TV A LA CARTA: "THE CORNER" (La esquina)

Que David Simon está considerado por méritos propios un creador de culto en la televisión está fuera de toda duda. Basta con ver el éxito (critico y comercial) de series como The Wire o Treme para refrendar lo dicho. Fascinantes y admirables seriales que llavan la inconfundible firma del gurú televisivo norteamericano. Sus personajes nos muestran cómo se sobrevive al día a día. De forma descarnada y realista sabe retratar como pocos lo dramático, por desagradable que sea. Su obra está llena de imágenes impactantes (en The Corner sobresale con descarado su tono documentalista), guiones elavoradísimos y unas interpretaciones actorales de primer orden (aquí aparecen T.K. Carter, Khandi Alexander, o el imponente Clarke Peters entre otros, gente que acompañarán de aquí en adelante cada futura obra del afamado productor). Entre otras de sus muchas virtudes (sus gustos musicales por ejemplo, a Treme me remito), y por si esto fuera poco, la calidad de su trabajo viene avalado por la profesionalidad y la garantía de la mejor cadena de TV que existe: la solemne HBO. THE CORNER (La esquina) fue su primer trabajo. Una mini-serie de seis capítulos con la que se fogueó en el medio y que acabaría por ser la precursora de la volcánica La Escucha (the Wire). En élla Simon nos habla/muestra lo que mejor conoce (no en vano se formó como periodista de sucesos de un periódico de Baltimore). En este caso, las penurias de una pareja de drogadictos y su hijo camello que malviven como pueden en las cloacas y suburbios de la ciudad más poblada del estado de Maryland. Una Baltimore que volvería a radiografiar brillantemente, y a las mil maravillas, en la mencionada The Wire (esta vez a todos los niveles). Un amargo 'blues de la esquina del yonki' que hará las delícias de los abonados a series de calidad.

EL CINE INVISIBLE: "VINYAN (2008)", LA BUSQUEDA DE LA LOCURA

VINYAN es otra de esas Obras Maestras -con mayúsculas- que pasaron desapercividas por el gran público y crítica en su momento. También lo había sido (desapercivida y Obra Maestra) la ópera prima de su director, el belga Fabrice Du Welz, por título Calvaire (2004). Películas atmosféricas, desasosegantes. Maravillas malsanas que llevan a sus personajes (y a los videoespectadores) hasta lo más profundo del horror mundano. El Infierno está aquí, en la Tierra. Con VINYAN (2008) Du Welz nos propone explorar, en un particular viaje al Corazón de las Tinieblas, esas zonas oscuras y umbrales de locura que sacuden y (de)muestran la degradación del ser humano. Obras seminales como "El Señor de las Moscas" y sobretodo la parte final de "Apocalipse Now", vienen a la mente al hablar de un film como este. Films con más preguntas que respuestas. Donde el dolor, el sufrimiento o el sacrificio de sus personajes importan más que las posibles 'lagunas de guión' o escenas de acción que estan puedan tener. -Estamos ante una película apasionante y bella a más no poder. Rara y dramática. Nada que ver con el cine fantástico y de terror al uso (de ahí su anonimato y fracaso comercial). La desaparición violenta del hijo de un matrimonio y la negación de éstos para aceptar este hecho irreparable, será la escusa que utilice Du Welz para que nos adentrémos en su personal universo, mostrándonos la progresiva erosión y 'la muerte anunciada' de tal relación. Impresionantes los exteriores (filmados en Birmania). La guapísima francesa Emmanuelle Béart (Lejos del mundo) y el infra valorado Rufus Sewell (nosotros nunca nos cansaremos de alabar al protagonista de Dark City), bordan sus papeles. Resaltar el inquietante papel del actor birmano (creo) Petch Osalthanugrah, todo un descubrimiento. De ahora en adelante el cine de Fabrice Du Welz será un referente a seguir dentro del fantástico europeo. No se lo pierdan. En ATumbaAbierta ya somos incondicionales del joven talento belga.

TE PRESENTO A ... WILLIAM FRUET. CINEASTA MONTADO DEL CANADA

William Fruet(1933- Lethbridge, Canadá). Sus primeros trabajos resultan hoy piezas fundamentales para entender el panorama cinematográfico canadiense de los años 70. Venía del teatro, de la idea de la contracultura y de estar comprometido con 'las películas realistas'. Así que empezó rodando dramas como "Goin Down the Road"(1970) o "Wedding in white" (1972) por los que recibiría varios premios de la Academia de cine canadiense, incluído el de mejor película, como en el caso de ésta última interpretada por el magnífico Donald Pleasance. De hacer digámos 'cine de autor', esos iniciales y seminales films dramáticos que hoy son piezas de historia del cine canadiense, Fruet pasaría a rodar una serie de thrillers (algunos cercanos al cine de terror) desoladores, violentos y originales. Deliziosa carnaza de videoclub de la que siempre estaremos orgullosos de recomendar, y por la que escribímos estas líneas. Cuando quiso forzar la máquina y aspirar a cotas mayores (cineHollywood para entendernos), el interesante -hasta esa fecha- William Fruet, acabaría como acaban la mayoría de innovadores: parodiándose a sí mismos (o a otros). Hasta mediados de los 80 este cineasta montado del Canadá facturó películas interesantes, siendo el puto Amo de las estanterías de la parte de atrás de los videoclubs antes de diluirse en la mediocridad y acabar encajando en el medio televisivo (hasta día de hoy) como le pasó a tantos otros; rodando infinidad de capítulos en series de todo tipo, sobretodo fantásticas (Babylon 5, Amazing Stories...). A continuación señalamos lo que a nuestro entender son sus mejores títulos dentro del cine fantástico y del género duro, violento e impactante que tanto nos gusta en este ciberfanzine.

FIN DE SEMANA SANGRIENTO (Death Weekend, 1977)

-Fruet deja claro que está más cerca del cine fantaterrorífico de Wes Craven que del de su compatriota David Cronemberg. No hay más que echarle un ojo a este trabajo para comprobarlo. Típico thriller violento de los años 70, de los que ya no se hacen. A medio camino entre "La Ultima Casa a la Izquierda" (72) y el "Perros de Paja" peckinpahniano. Una relación extramatrimonial en plena naturaleza dará paso a una merienda de celos, asesinatos, persecuciones, suspense, sadismo y venganza a tumba abierta. Está protagonizada por una excelente pareja de actores: la neoyorquina Brenda Vaccaro (Cowboy de Medianoche, Capricornio Uno) y el hawaiano Don Stroud (La Jungla Humana, Mamá Sangrienta).

MORDISCO MORTAL (SPASMS, 1983)

También conocida como "Muerte por espasmos" es un film más que destacable dentro del global de su filmografía. Aquí se atreve con una monster movie tropical y selvática. Una Serpiente Demonio (N'gana Simbu), guardián de las puertas del infierno, hará las delicias de los amantes a este tipo de películas. Entre tambores, maldiciones y sombras en la isla de Pintu destacan las apariciones de Peter Fonda y Oliver Reed. También aparece la actriz Kerrie Kane, hoy olvidada (Aquella belleza que pudimos ver en series de televisión tan molonas como Kun Fu o Alien Nation entre otras). Además para redondear esta estupenda producción canadiense de aventuras decir que el admirable Dick Smith se encarga de los efectos especiales.

-PERSECUCIÓN IMPLACABLE (SEARCH AND DESTROY, 1979)

Aquí se le da por la exploitation sin más. En la onda independiente y outsider del cine de Serie B de la época. El film patina en muchos aspectos (guión, actores, banda sonora... hasta en la dirección!) pero que se deja ver dado los buenos momentos de acción que tiene (el final en las cataratas del Niágara!! es de locura). Ex veteranos del Vietnam -duros, traicionados y muy mosqueados- pelearán por tí y por mí, limpiando las calles de basura. Sin duda se trata de un título de los más olvidados dentro del más bizarro cine canadiense. Otro título a mencionar, en la misma onda de 'violencia crepuscular' (a lo Peckinpah o Monte Hellman), sería "TRAPPED" (Atrapados, 1982), demostrando lo canalla e impactante que Fruet podía llegar a ser -cuando quería-.

-OJOS INDISCRETOS (BEDROOM EYES, 1984)

Un director tan capacitado como el canadiense -canibal del mejor y del peor cine de género- también patinó calamitosamente intentándolo con copias descaradas de films de éxito, como ocurrió en este caso. Bedroom Eyes es la versión canadiense de "Doble Cuerpo" de DePalma (ésta a su vez lo era de "La Ventana Indiscreta"), pero mucho más nefasta. Patina en todo: los actores están horribles, la banda sonora apesta... Pero con todo, dejó ciertos detalles (excitación sexual palpable) y alguna que otra secuencia original. Otro de esos 'films oportunistas' de los que hablamos podría ser INSECTO (Blue Monkey, 1987), lanzado tras el éxito que su paisano Cronemberg obtuvo con "La Mosca". Si bien es cierto que su obra posterior no alcanzaría nunca los niveles -ni la espectativa- que creó el cine de sus comienzos, es justo reconocer el aporte del señor Fruet al cine fantástico. Si esa huella fue pequeña o no, descúbranlo ustedes mismos. (Nota: no consigo por ningún lado uno de sus ultimos trabajos, "DOG BOYS"(La Prisión de los Perros, 1998), un título que me atrae sobremanera dado el tema a tratar y el hecho de estar protagonizado por uno de mis actores australianos favoritos: el Bryan Brown de "Consejo de Guerra")

ROCK&ROLL BÚMERAN: LAS BESTIAS DEL BOURBON

Esta banda irrepetible no solo creó el mejor y más crudo sonido country swamp-blues surgído en Australia, sino de toda la historia del mundo mundial. Los vinilos de su primera etapa (el período que va de 1983 a 1990) "Axeman's Jazz", "Sour Mash" y "Black Milk" son hoy piezas de legendarias. Un auténtico lujazo. Material cañón. Si te gustan The Sonics, Cramps, MC5, Stooges..., o por otra parte el material 70's de paisanos ilustres como AC/DC o Rose Tattoo (en el que se mueve su último trabajo), y te la ponen dura la psicodelia de Neil Young y sus Crazy Horses entonces serás uno más de la pandilla de las bestias pardas del Bourbon. Los macarras -y geniales músicos- de Sydney facturan rock poderoso y candente, machacándote la sesera con sus cantares de oxidado blues de extrarradio. Los ingredientes son los que tanto exaltamos en esta casa: derroche, desenfreno, crudeza, sentimiento... Rock&Roll tocado alto, escupido fuera de control!!!. Verlos en peligroso directo, sudando alcohol etílico, sería algo así como tener una experiencia de ácido. Su regreso a la palestra -tras un 'tiempo de relax'- ocurrió en 2007 con este expléndido LITTLE ANIMALS (Bang!). Desde ya, uno de nuestros discos preferidos de todos los tiempos. Otra vuelta de tuerca a su intachable carrera musical. Canciones de odio, miserias, sobredosis, muerte, amenazas, amores podridos... impregnadas de una puñetera chulería difícil de explicar. En Julio del 2006 se meten en el estudio (Spencer P. Jones, Charlie Owen, Tex Perkins, Brian Hooper y Tony Pola) y en tres días!!! paren esta obra de arte. Trallazos de puñetazos a hostia limpia marca de la casa. Grandiosos Beast of Bourbon. El secreto mejor guardado del rock and roll.

CINE DESDE LAS ANTÍPODAS: "the LOVED ONES" (2009)

LOLA, ¿POR QUÉ ESTÁS SOLA?... Prosiguiendo con nuestro particular peregrinaje a tumba abierta por el mejor cine proveniente del continente australiano nos detendrémos hoy en tierras neozelandesas con The Loved Ones (2009). La cinta es la última sorpresa de un cine (y escena musical) que nunca deja de sorprenderme. No es que el cine fantástico australiano sea mejor ni peor que el canadiense o surcoreano (por poner un ejemplo) simplemente que por esa parte del mundo tienen otra manera de explicarse. Una forma distinta de contar las cosas. Historias éstas, como en este caso, que remiten a las teenagers movies de terror tan de moda ultimamente en Hollywood. Pero The Loved Ones no es otra de esas cintas de horror adolescente del montón aunque lo parezca a simple vista. Diríase que estamos ante una grata sorpresa. Una sorprendente película. Nada de sustos gratuitos, giros de guión oportunistas, rostros y torsos lindos y siliconados... y demás lindezas que se le suponen a similares productos genéricos. En esta cinta rodada por Sean Byrne importa mucho más el retrato de los personajes (algo que siempre se echa en falta en el cine de este tipo). Y es aquí donde guarda su fuerza The Loved Ones. Porque ni el guión ni la trama son para destacar (a grandes rasgos: psicópata secuestra y tortura jovencitos). Lo que sí sé, es que esa 'simplicidad argumental' juega a su favor (habría que preguntar al director si fue intencionada o no). Ya hemos visto cientos de cosas similares y como hemos dicho lo importa aquí es la manera de contarlas, sin aspavientos, directo al meollo de la cuestión. Además suena buena música (no sé que banda suena cuando están en el coche fumando maría.. pero es bestial rock'n'roll). Mención especial para la pareja protagonista (Robin McLeavy y John Brumpton). Ellos solitos se meriendan el film (literalmente). Unos personajes sólidos que nos sumerge en situaciones espeluznantemente divertidas o macabramente tórridas (según con qué actitud te tomes su visionado). Sin concesiones. Parece que el reciclaje del género está en buenas manos ayende los mares. Si lo que le pídes a una película es que te entretenga... te gustará The Loved Ones. Hay quien ya la considera un título de culto.

MUJERES ATÓMICAS: LA HAMMERIANA ADRIENNE CORRI

ADRIENNE CORRI (Glasgow, UK.; 1933). El que no sitúe a esta mujer no tiene mas que recordar la escena de la violación a la que era objeto su personaje por parte de Alex y sus drugos en la criminal "La naranja mecánica" (S. Kubrick, 1971). Esa caracterización estigmatizó a Adrienne Corri de forma indeleble, haciendo que incluso llegaran a pasar desapercividas otras interesantes creaciones suyas como la que llevó a cabo con el personaje de Therese Douvier en "La venganza de la pantera rosa" (Blake Edwards, 1978) como pink lady de mucho cuidado, o la algo más olvidada Amelia de "Doctor Zhivago (D. Lean, 1965) (con Otto Preminger participaría en "El rapto de Bunny Lake" y "Rosebud"). Pero es la Corri 'terrorífica' la que nos interesa, la Corri gitana, vikinga, marciana... que tanto nos deleitó en films de la factoría Hammer, así como en las demás correrías fantásticas en las que participó antes y después de recalar e la Casa del Terror. -Nacida y criada en los verdes pastos escoceses (aunque de origen italiano como bien sugiere su apellido) debutó en escena siendo aún adolescente. Pronto cogería experiencia en el campo del cine de horror como marciana en una de ciencia ficción, la playera Devil Girl From Mars (David Mc.Donald, 1955), en una de mad-doctors, Corridors of Blood (1958), al lado de unos pesos pesados como Karloff y Christopher Lee, o así mismo en compañía de otros monstruos del género como Peter Cushing o Rober S. Baker, actor y director respectivamente de El Club del Infierno (Hellfire Club, 1960) un film con orgías de aristócratas y acróbatas de circo. Otro logrado trabajo suyo fuera de los Estudios Hammer -concretamente en la rival Amicus- lo llevó a cabo en la simpática Casa de Locos (Madhouse; Jim Clark, 1972) al lado de los irrepetibles Vincent Price y -de nuevo- Peter Cushing. Y con esto llegamos a los tres títulos bajo nómina de la Hammer. La primera su aventura en La Reina Vikinga (The Viking Queen, 1967) dirigida por el interesante Don Chaffey, en donde interpreta a Beatrice una esclava de los sangrientos romanos de la historia. Este film está considerado como uno de los más celebres títulos de aventuras jamás rodado por la compañía inglesa (recuerden, fundada por dos hermanos españoles), y muy apreciado por erotómanos diversos, valga el caso. Luego vendría el psicotrópico western de sci-fi Luna Zero Dos (Moon Zero Two, 1969) del añorado Roy Ward Baker, una rareza (y un fiasco) de film con samurais del espacio y asteroides de cartón en la que Corri hacía el papel de la elegante astronauta Elizabeth Murphy (¡¡atención a esos trajes espaciales de colores!!). Su particular y otoñal belleza (contaba 40 espléndidos años) queda patente en su última aparición para la Hammer, El Circo de los Vampiros (Vampire Circus, 1972) de Robert Young. La péli es fruto del desaforado momento en que se encontraban los Estudios que buscaban nuevas propuestas de éxito. En este caso la idea es cuando menos sugestiva y, hasta cierto punto, original (la venganza de una vidente gitana mordida por un hombre-pantera convertido en vampiro), rodada con maneras casi teatrales, e impregnado el producto con horror de barraca de feria (espejos cóncavos y convexos, laberintos...). En medio de todo este fantástico delirio: una tropa de perversos personajes prodigio/deformes (un Hercules con pocas idéas, un enano psicópata vestido de payaso, una mujer tigre con domador sádíco por pareja...), criptas, carpas de circo, escalofríos... y hasta un líder caracterizado de tal forma que podría pasar por cualquier cantante de rock de la época en que se rodó el film, asistímos sin lugar a dudas a una de las películas de aventuras más maravillosas jamás rodadas por la factoría británica, por muy (desgraciadamente) denostado y olvidado que pueda estar. Valgan estas líneas para rendir homenage y desempolvar un film como Vampire Circus. Una obra con reminiscencias a películas inolvidables como "La isla de las almas perdidas", "La parada de los monstruos" e incluso "La mujer pantera". Además nuestra Corri tiene un papel estelar y protagoniza lo que muchos creémos és su mejor interpretación. Una atractiva Gypsy Woman vengativa que deja a las claras la más que merecida categoría de Chica-Hammer. Nunca nos cansarémos de exaltar a mujeres de este percal. Indiscutiblemente clásicas... y rebosantes de clase.

¿QUÉ HA SIDO DE SUS CARNES?: EL POLICLÍNICO DEL DR. HOLLYWOOD (Actores)

Actores de mi infancia a los que he perdido el rastro. El parte médico de las que otrora fueron rimbombantes/rutilantes estrellas de mi videoclub de barrio. ¿Qué les impidió continuar en la brecha? ¿qué ha sido de sus carnes? Víven, o eso creo, pero están desaparecidos en combate. Atormentados por sabe diós que sucesos personales, hoy parecen olvidados... por no decir muertos. Hagamos memoria: JAN-MICHAEL VINCENT: Actor norteamericano (Denver, 1944), algo así como el Tom Cruise de su generación en sus días de gloria; alto, rubio, ojos azules, atlético... Hoy luciría como Sean Connery de no ser por sus días de alcohol y drogas. Su estado actual muestra los estragos de una anunciada caída en picado. En su gran interpretación para esa marivilla de film que fue El Gran Miércoles (John Milius, 1978), en el papel de antibelicista leyenda del surf local, Vincent actuó bebido todo el film (ya era alcohólico a los 18 y diez años después aparentaba 50). Uno poco podía imaginar lo que se avecinaba. Vista hoy, su papel parece premonitorio. Peleas, juícios (tres matrimonios rotos y otras tantas demandas), accidentes (a mitad de los 90 se partió tres vértebras que le dejaron un timbre de voz horripilante)..., hasta puede que padezca amnésia dado que en las entrevistas que le hacen no parece recordar hechos pasados. Con gusto me leería su biografía. No es un gran actor pero películas como "Muerde la bala", "Friamente, sin motivos personales" o la citada película de otro gran olvidado como John Milius, le recordarán como se merece. Mi sorpresa, -y lo último que supe de su persona-, fue verlo en la estupenda ópera prima de Vincent Gallo Buffalo 66 (1998). El dúo de 'Vicentes locos' juntos, debió ser la polla... MICHAEL J. FOX: ¿Nunca se han preguntado por qué no se rueda "Viaje al futuro IV", dado el gusto por rodar secuelas, precuelas y demás continuaciones de éxitos que rige en Hollywood? La respuesta es el diagnóstico clínico de la que tendría que ser su estrella principal: Parkinson (fase 10, muy chungo). Una lástima. Fox siempre ha sido el eterno adolescente. Los 80 no hubiesen sido lo mismo sin su presencia (ni mi infancia), un ejemplo de que no hay que ser gran actor para llegar al corazón de las gentes. Se hizo millonario gracias al amigo Zemeckis y sus viajes en el tiempo, pero además lució pelo en pecho como pocos. Cualquier péli suya de los 80 estaría en la lista de las más alquiladas del año. En los 90 se le vió (envejeciendo como bien pudo) en "Agárrame esos fantasmas" de Peter Jackson y en "Mars Attacks!" de Tim Burton, entre lo más reseñable. Verlo en Stuart Little acabó por matarme... RICHARD PRYOR: El ocaso de un loco de remate. Me acuerdo de Pryor cada vez que escucho de las supuestas gracias de los humoristas de hoy día. Este negro sí que era gracioso.. ¡pero es que además podía ser un estupendo actor dramático!. Ahí están las magníficas "Blue Collar"(Paul Schrader, 1978) o "Carretera Perdida"(David Lynch, 1997), su última aparición digna, para corroborarlo. Gene Wilder no levantó cabeza desde que al bigotudo de Pryor (Illinois, 1940) se le dió por acabar en 'Estado Clínico' (otro título premoritorio), juntos hacían una pareja genial y disparatada (por cierto ¿qué ha sido de Wilder?). Richard pasó de llenar el Madison Square Garden cada vez que daba un gran show a terminar tirado en la acera de cualquier calle. Así acabó el humorista y actor, arruinado, en silla de ruedas, babeando y necesitando cuidados de por vida. Y todo por su adicción a toda clase de polvos y rocas. La esclerósis múltiple que le obligó a retirarse hizo el resto. En este caso poco importa que el actor falleciese en 2005, de continuar vivo mucho me temo que no le huviese importado a nadie. Valga este momento para recordar su existencia... y el porque de su 'desaparición' tras las cámaras durante los años 90 y hasta el final de sus días. (Decir que se prepara un biopic sobre su leyenda.. Solo nos queda rezar y esperar que esté a la altura de su grandeza). LEIF GARRETT (California, 1961): Pensarán ustedes que el mundo de la farándula tuvo suerte de que tipos como Leif -guaperas estrellitas de melena angelical y más chulitos que un ocho- pasasen de fenómenos pop adolescentes para las masas.. a ser justamente olvidados o recordados como algo bizarro, pero se equivocan. Simplemente que las jovencitas/jovencitos han cambiado sus fotos de carpetas del colegio por otros guaperas igual de falsos y gilipollas. Yo lo recuerdo vagamente de cuando nuestro televisor era en blanco y negro, en aquella serie ñoña "Tres en la carretera"(75). Pero si quedó en mi subconsciente fue por aparecer en una de esas pelis que hacían las delícias de pardíllos críos de pueblo como nosotros que apenas veíamos mundo y que absorbíamos el cine adolescente americano como si fuesemos auténticas esponjas, hablo de "Skateboard" (1978) ("Rebeldes" fue otra, pero poco se le vió), film que hizo que ahorrase para un monopatín (de color amarillo), causando furor este deporte entre nosotros mucho antes de lo que lo hiziese otro film clave del género: "Al filo del Abismo"(1989). Ni decir que mi pasión juvenil de skatter terminó el día en que me robaron el monopatín, y de Garrett decir que pasó a ser otro rostro y otra bonita voz olvidada... un confuso recuerdo de mi confusa infancia. Dícen que fueron las drogas y el alcohol lo que acabó con su carrera, pero de ese cerebro poco se podía sacar. Hoy pulula con nuevo look, tiene página web, y hasta cobra por aparecer minutos en films de pacotilla... pero ya no humedece ni a una vieja. A MEDIDA QUE NOS VAYAMOS ACORDANDO DE OTRAS FIGURAS OBSOLETAS DEL CINE OCHENTERO SE LO IRÉMOS ANUNCIANDO. (ME ACABA DE VENIR EL NOMBRE DE PEE WEE HERMAN A LA MENTE, PERO MEJOR LO DEJAREMOS PARA OTRA OCASIÓN...¡pajillero!)

EL RINCÓN DEL PINCHADISCOS: "EXIT THE DRAGON" (Urge Overkill)

Con este disco de Oro el trio de Chicago (Nash Kato, Eddie "King" Roester y Blackie O) confirmaron algo que desgraciadamente confunden/olvidan la gran mayoría de bandas y solistas de contrastada fama mundial: que lo comercial nunca está reñido con el arte. Urge Overkill y en concreto su Exit the Dragon (Geffen, 1995), representan la autenticidad, sinceridad, riesgo y desenfado comercial que toda banda exitosa de rock debería de poseer. Los Urge, a pesar de las circunstancias, decepciones, los sufrimientos.. y alguna que otra victoria pírrica, no se rindieron jamás a la industria, y eso es de elogiar (la canción/versión que les lanzó a la fama tras Pulp Fiction, "Girl, you'll be a woman soon", de la que hay que decir que fue un tema de puro relleno, se negaron a tocarla en directo, aunque como es lógico dado la calidad de la mísma, acabarían entrando en razón). Facturan estupendos discos comerciales ("Saturation" es otro claro ejemplo), repletos, como este Exit the Dragon, de una elegancia atemporal fuera de toda duda. Su misión siempre fue que el arte, y en este caso el rock que proponen, se impusiera a la moda y a lo comercial. Y vaya si lo lograron. Exit the Dragon (título de un film exploitation de artes marciales con falso Bruce Lee en los créditos) es un disco a la altura de su leyenda. Porque Urge Overkill, pese a quien pese, son leyenda viva del rock. Y esto lo podrán testimoniar aquellos que hayan tenido el privilegio de verles sobre las tablas de un escenario. Los que no, aún estáis a tiempo. Tras 16 años de sequía llegan con nuevo disco bajo el brazo, Rock'n'Roll Submarine (2011), y descargarán sus torpedos de retro-rock atemporal en el la 2ª edición del festival TURBOROCK (Santander/Benidorm, 2-3 de Septiembre). A buen seguro descargarán material del Exit, lógico, teniendo en cuenta que es su mejor trabajo y a día de hoy todavía suena (y sonará) fresco y rockero. Catorce surcos divinos, donde ninguna canción sobresale sobre otra: Hoy me gusta The Break, mañana te diré que The Mistake, Somebody else's body me erizará la piel cada vez que la escuche, Last Night/Tomorrow siempre me animará y así sucesivamente, porque no hay un solo tema de relleno y es uno de esos discos apropiados para pinchar de principio a fin. Un auténtico discazo de ROCK, que suena a gloria (chapó a la producción). Canciones vibrantes y bellas, y al mismo tiempo oscuras, que cambiarán tu estado de ánimo como sólo los grandes discos de rock and roll pueden hacer. Yo no entiendo la vida sin canciones como View of the rain, ¿y tú?.

AMER (2009). UN FILM DESCONCERTANTE

• GIALLO SENSIBLE

Insólita, sorprendente, o fascinante, son algunos de los calificativos que desprende el visionado de una cinta como Amer (Helene Cattet y Bruno Forzani, 2009). Inédita en nuestros cines, la película franco-belga es una propuesta que va más allá del cine fantástico, del cine de horror, del cine experimental y lo que ustedes quieran. Amer es una experiencia totalmente desconcertante. Historia subjectiva -una vida en 3 actos temporales desarrollada dentro de la cabeza de un solo personaje- donde la paranoia, la ansiedad, el deseo sexual, el erotismo, la mutilación, la muerte y lo hipnótico se relacionan entre sí como fragmentos de una realidad por veces fantástica y alucinatoria. Podríamos estar hablando de un giallo sensible, un poema simbólico o simplemente de un film metafísico, pero cualquier racionalidad o intento de comprensión de Amer quedaría mejor para el debate de críticos y cinéfilos de pro. No le demos más vueltas, Amer figura desde ya como una agradable anomalía dentro del cine actual (y no solo fantástico), como en su día lo fueron las películas de David Lynch ("Cabeza Borradora" por nombrar solo una). Además puede verse como una reformulación del género giallo italiano, radical eso sí, como en su momento lo fueron los films de Dario Argento, Bava y cía. en los cuales se inspira (los trucos narrativos o la excitante sexualidad, para más señas). Lo dicho, si desean contemplar algo diferente no duden en dejarse llevar por las hipnóticas imágenes de esta rara maravilla de película.