JUDY HOLLIDAY. Dulzura y encanto.

Judy Holliday fue la típica actriz encasillada en papeles de rubia tonta. Cuando pienso en élla me viene a la cabeza Melannie Griffith, que llegaría a interpretar el mismo papel que en su día interpretara la Holliday (un soso remake de la estupenda "Nacida Ayer"). Pero basta echar un vistazo a su corta carrera -apenas una docena de films- para darse cuenta que estábamos ante una portentosa actriz; amén de una portentosa mujer. Esta hembra nacida y enterrada en New York City (1921-1965) entraría en el "negocio" de la mano de Orson Welles como telefonista. Aunque sin lugar a dudas se encontraría más a gusto como cabaretista (durante los años 40 conseguiría trabajo en el cine gracias a ello, el más sonado: "Un día en Nueva York") que como encargada de pasarle las llamadas al director de Ciudadano Kane.

Sus mejores papeles vinieron de la mano del genial George Cukor. Cinco films codo con codo con el director que mejor supo sacarle partido. Desde "La Costilla de Adán"(49), en la que participaría en un pequeño papel, hasta los destacados títulos: "Nacida Ayer"(1950), acompañando al chico de oro por aquel entónces William Holden y por la que recibiría el Oscar a la mejor actriz robándoselo ni más ni menos que a Gloria Swanson y Bette Davis; "Chica para matrimonio"(52) y "La rubia fenómeno"(54), de corte parecido ambas, y en la que la podíamos disfrutar, ésta última, al lado de un jovencísimo e incipiente Jack Lemmon, actorazo con el que volvería a repetir ese mismo año en otra disparatada comedia de título onomatopéyico "Phffft!"(Mark Robson, 1954). La quinta película con Cukor, y primera en el tiempo, llevaba por nombre "Cita en los cielos"(44) y no deja de ser un título olvidable, tan sólo reseñable por ser la primera vez que ambos tuvieron el honor de conocerse y trabajar juntos. De no ser por éste señor, poco o nada nos sonaría el nombre de la judía neoyorquina. Una actriz tan desaprovechada como encantadora. Desgraciadamente un cáncer de garganta segaría su vida a la edad de 43 años. Una garganta de la que salía una vocecita "marca de la casa", singular y característica. De la que aconsejo toméis nota visionando en v.o.s. cualquier película suya arriba citada.

REPASANDO EL CINE AUSTRAL DE BRUCE BERESFORD

No me importa su último trabajo (The Contract). No me interesan sus premios de la Academia (Paseando a Miss Daisy). De Bruce Bersford (Sydney 1940) me interesan sus dos primeros trabajos en tierra australiana, antes de oir cantos de sirena provenientes de Hollywood. Aunque no está de más defender que su primer film americano, "Gracias y Favores" (Tender Mercies, 1983), es un excelente drama protagonizado por el gran Robert Duvall, título referencial de otra gran película sobre el mismo tema: "Corazón Salvaje"(2009). Al que habría que añadir otra excepción como la lírica "Black Robe"(El Manto Negro, 1991), ya comentada en cierta ocasión en alguna otra entrada con motivo de una lista de grandes películas del cine australiano (título, éste último, incluido, sin haber visto un servidor las dos primeras obras de Beresford). Dos claros ejemplos de lo mucho que ha cambiado el estilo y la forma de hacer cine, de un director, que iba para figura y a tenor de lo visto se nos ha quedado pequeño.

-ASALTO AL FURGÓN BLINDADO (Money Movers. 1978)

Nada de aspavientos. Nada de dramatismo melodramático. Nada de demagogia barata... Estamos ante un thriller extraordinario a todos los niveles. Seco. Un debut digno del más talentoso de los directores. La ópera prima del australiano es un denso, complejo y tirante ejercicio de cine con mayúsculas (Si no recuerdo mal Richard Fleischer rodó en 1950 un loable thriller con el mísmo título en castellano; y más recientemente parece ser que se estrenó un remake del cual no sé nada... ni quiero saber). El original guión, obra del propio Beresford, gira en torno, como su título en castellano indica (mucho más ocurrente suena el original, algo así como "los motores/movedores del dinero"), al atraco que planean, en el más absoluto secreto, tres empleados de la empresa Darcy. Los cuales ven complicado su plan, cuando por sorpresa un anónimo avisa a la empresa del inminente golpe. El final es merecedor de todos los elogios. Un impresionante estallido catártico de violencia y sangre, a lo Peckinpah de Grupo Salvaje...

-BREAKER MORANT (akí "Consejo de Guerra". 1980)

Si algo demuestra este film, además de lo bien que se movía Beresford por terrenos tan dispares como el thriller violento y el drama bélico, es lo comprometido que parecía estar el realizador australiano en denunciar la corrupción de nuestra sociedad en todos sus niveles. Una lástima que no siguiese por ése camino. Personalmente estámos ante una obra maestra. Puede verse como una película "anti" (anti-imperialista, anti-inconstitucional, anti-bélica...) pero sobretodo me quedo con la sensación de haber visto una gran obra de cine clásico de toda la vida. Con una historia muy parecida a aquella otra maravilla llamada "Senderos de Gloria". Del mismo modo que en el título de Kubrick está basado en un hecho real acaecído duranta la Primera Guerra Mundial, la péli de Beresford están basada en un suceso real ocurrido durante la Guerra Anglo-boer. Tres tenientes australianos bajo mando inglés serán juzgados, en éste otro caso, por supuestas irregularidades en el frente de batalla. Buenas interpretaciones, sobretodo la de Edward Woodward y, por encima de éste, la de Jack Thompson ("Feliz Navidad, Mr. Lawrence"). Me recuerda también al western americano: La época en que está ambientada la historia es la misma; hay tíros al galope; salen "indios", en este caso aborígenes; el precioso paisaje austral bien podría salir en un western de John Ford ("El Sargento Negro" por ejemplo)... y así hasta acabar elogiando detalles como la textura o la fotografía, que en otras películas serían simple anécdota pero aquí redondean una de por sí majestuosa película.

-SWITCHBLADE SISTERS.

Desde la polvorienta estantería reservada al cine pandillero y macarra del viejo videoclub de Tarantino, nos llega esta pasada de cinta. Cine gamberro para adolescentes, reserva del 75. Mierda de la buena.

Degustando SWITCHBLADE SISTERS (Jack Hill, 1975) como se merece (usa tu imaginación), uno disfruta de lo lindo . Estámos ante un cruce de varios films del género exploitation que tanto nos gusta (a los nostálgicos tumberos sobretodo). Referencias a títulos como "Carcel Caliente"(Caged Heat, 1974) de Johnatan Demme, "Más allá del Valle de las Muñecas" (Beyond the Valley of the Dolls, 1970) de Russ Meyer; o sin ir más lejos, del género blaxploitation como "Coffy"(73) o "Foxy Brown"(74) por nombrar dos de los anteriores films genéricos rodados por Jack Hill. Al que se le nota que aprendió el oficio trabajando para el gran Roger Corman, pues también hay mucho del director de "Mamá Sangrienta"(1970) en Switchblade Sisters (también conocida en España como "Las Navajeras" o por su título original USA "The Jezzebels"). La péli es la escusa perfecta para fans de "Curso 1894", "Los Amos de la Noche", "The Wanderers"... y demás quinquilladas setenteras. Recubierta de una estética Grease -de botellón-, no apta para estudiantes del OPUS.

El percal.

Los protas de esta cinta gamberra y suburbial son una panda de rudas jovencitas, carne de correccional, que se hacen llamar Las Deidades Desgraciadas. La llegada al barrio de la atractiva Maggie (Joanne Nail) hará cambiar, como siempre ocurre en estos casos, la rutina de la pandilla, en especial la de su guapa cabecilla Lance (Robbie Lee, foto izda.) con la que no tardará en unir fuerzas a la hora de enfrentarse a una pandilla de chicos por el control del negocio de la droga. Entre tanto cachondeo y tanto tópico, suena buena música soul ("Mujer de corazón oscuro" es el tema principal) al ritmo de sexo, navajas y desobediencia. Mucha desobediencia. Esto es cine para adolescentes años 70/80, y no la borralla de pélis politicamente correctas que se hacen hoy día para el público juvenil. Aquí hay violencia bizarra y chulería por un tubo. Sin más pretensión que entretener y divertir. Aunque sólo sea por un rato.

-EN BUSCA DEL CINE PERDIDO: SANGRE SABIA ("Wise Blood", John Huston. 1979)

El cine de JOHN HUSTON (1906/1987), desde su ópera prima "El Halcón Maltés(1941)" hasta su testamentaria "Dublineses"(1987), ha estado repleto de grandes obras maestras que no debería hacer falta recordar salvo que se sufra algún tipo de demencia senil ("La Jungla de Asfalto", "El Tesoro de Sierra Madre", "El Hombre que pudo reinar", "La Noche de la Iguana"...). También cosecharía fiascos, cierto, a ver quien es el listo que sobrevive íntegro a más de cinco décadas de curre en Hollywood.. Pero no estamos aquí para recordar sus mediocridades, sino para repasar uno de ésos tantos títulos "menores" que suelen olvidarse a la hora de ensalzar la filmografía de genios como Huston. Títulos que quedan ofuscados, a la sombra de sus grandes obras. Títulos que hay que tener en cuenta, y dejar en el lugar que se merecen. Una de ésas películas olvidadas del director de Moby Dick que recientemente he tenido el placer de descubrir lleva por título SANGRE SABIA (Wise Blood, 1979). Uno no entiende porqué películas como ésta no obtienen beneficios ni aceptación popular. Tal vez se deba a lo atormentado del relato. Tal vez se deba al pesimismo del que hace gala. Tal vez porque uno no sabe si reírse o quedarse horrorizado... En cualquier caso historias originales y arriesgadas como ésta, que se salen de la mediocridad reinante, son recelo para los inversores y acaban teniendo -vaya usted a saber porqué- poco atractivo para el público. Es una verdadera lástima que se desechen títulos del calibre de Wise Blood. A un servidor siempre le ha llamado la atención ése otro cine: El que te hace pensar, el que te tortura la inteligencia. Un cine más absurdo que perfecto. Un cine de espíritu rebelde. Un cine que, con cariño y respeto, retrate a personajes "perdedores" como se merecen. Un cine del que gustaba John Huston. Cuya reputación como hombre de mundo y director cinematográfico está fuera de toda sospecha.

Esta historia está basada en la novela homónima de Flannery O'Connor. Huston sitúa la péli en Georgia. En élla nos narra, haciendo gala de un humor negro encomiable, la breve rebelión de un joven fanático religioso contra Jesucristo. La idea de "una iglesia sin Cristo" es lo que lleva a este joven a pregonar sus ideas a los cuatro vientos; entre un divagar teológico y una tortura interior que resulta digna del más tarado de los predicadores. Mención especial para el papel protagonista: un Brad Dourif magnético y desfasado. Haciendo gala de un talento tremebundo, casi siempre desaprovechado por la industria (David Lynch contó con él para Dune y Terciopelo Azul...). Éso es lo que tiene poseer un rostro singular... que te hace quedar encasillado en ciertos papeles a las primeras de cambio. Otro tanto se podría decir de otro de los "desconocidos" actores del reparto, el gran Harry Dean Staton, como bien sabréis uno de nuestros favoritos aquí en ATumbaAbierta.

Una grata sorpresa púes. Como también lo fueron en su día, para el que suscribe, películas como "Fat City, Ciudad Dorada"(1972) y "Bajo el Volcán" (1984) -de las que sin duda habría que hablar largo y tendido en otra ocasión-. Otras dos maravillas olvidadas de ayer y de hoy que nadie debería perderse.

-EL RINCÓN DEL PINCHADISCOS: "New Values"

Siempre fiel a los principios del auténtico rock, Iggy Pop es de esa clase de tipos de leyenda capaz de aglutinar, por sí solo y sin demasiada ayuda, un sin fin de calificativos. Radical y visceral desde sus inicios (fue punk antes que nadie), la Iguana ha sabido adaptarse a los tiempos de una forma pasmosa. Pasando por alto su etapa Stooges, imprescindible y esencial (la de antes no la de ahora), la carrera de Iggy en solitario ha compaginado obras maestras con trabajos endebles. Así son los monstruos... Uno de esos long play maestros (y malditos) de los que hablo -y que quiero reseñar desde mi rincón de fanático yonki pinchadiscos- lleva por título "New Values"(1979). Un disco brillante que vendería miserablemente. Grabado entre el arrollador "Lust for life"(77) y el malsano "Soldier"(80), las canciones de este discazo suenan a gloria. La impecable calidad sonora del disco, y el grado de innovación, no serían de resaltar si la voz desatada de Iggy, y el nervio de su aquí templada garganta, no impregnasen las composiciones de principio a fin. El que fuera su crepuscular guitarrista en aquella maravilla de "Raw Power", James Williamson (el de la dcha. en la foto), fue el encargado de producir (también compuso un tema) semejante alegato al buen gusto. Aunque grabado en California, fue durante su estancia en Berlín donde Iggy escribió los temas empapándose de los básicos Chuck Berry y Keith Richards. Asistimos desde la inicial "Tell me a Story", a ese estilo chulesco y vibrante que define a la perfección al génio de Michigan. La cálida "Dont Look the Down"; la hipnótica "The Endless Sea"; la tremenda "Girls"; la amarga "Angel"... Y más que ninguna otra: "I'm Bored", sin duda alguna otra de las grandes canciones de su, por otro lado, tremendo repertorio ("Lust for life", "The Passenger", "Candy", "Sister Midnight"...). Como curiosidad decir que para la gira de presentación en Europa Iggy utilizaría a la banda que grabó el disco. Entre varios de los desheredados de los que se suele rodear Iggy, estaban Jacke Clark (Ike&Tina Turner) que en las sesiones de grabación se ocupó del bajo, siendo sustituido en vivo por el Sex Pistols Glen Matlock (pasando aquél a la guitarra), y el bateria de Tangerine Drem Klaus Kruger. Disfrutadlo como se merece: ¡A todo volumen!... O cómo dirían los SpinalTap: ¡Al volumen 11!

-EL RINCÓN DEL PINCHADISCOS: "Exile On Main Street"

Damas y caballeros. Queridos tumberos... "Exile on Main St" (1972) es para el que suscribe el último gran disco grabado por Sus Majestades Satánicas. Estarían por venir grandes canciones, sí. Pero nunca un albúm tan inspirado y redondo como éste. Un disco que marcaría un antes y un después en la carrera de los Stones. Keith y Mick en estado de gracia. Iluminados. Colocados día y noche. Rodeados de un séquito babilónico en su mansión del sur de Francia. Liberados (tras abandonar Inglaterra por problemas con el fisco), lograrían rodear a todos los temas del disco de un aura mágica. Experimentaron como solo los grandes maestros saben hacerlo: buscando, y encontrando, la inspiración en los rincones de la música negra americana que tanto amaban. Retazos de viejo blues, country, gospel, soul... y por supuesto: el rock and roll de Chuck Berry. Más tarde se diría con razón que fueron los Rolling Stones quienes devolvieron la música negra a los americanos. Como siempre sucede en estos casos con los discos experimentales (llámense transgresores), la crítica, por naturaleza escéptica y siempre muy por detrás de la música y el arte de sus creadores, no tardaría en ponerlo a parir. Y es que semejante engendro sonoro corre en quince direcciones distintas que no puedes etiquetar. Pero ha sido el tiempo, siempre justo, el que lo ha puesto en el altar que se merece: Uno de los mejores Lps de rock'n'roll de todos los tiempos. Tiempos aquellos en los que se respiraba sin duda... un aire distinto. La grandiosa portada (doble disco en vinilo) ya auguraba que lo que te ibas a encontrar en su interior no sería algo convencional. Imposible resaltar un tema de otro. Hoy amo "Sweet Virginia", el mes que viene te diré que "Rip this Joint" me llega al alma, y así sucesivamente... pues cualquier composición que pinches será lujo para tus oídos.

-Como complemento a la escucha del legendario Lp stoniano, los que quieran saber más sobre el proceso de grabación del mísmo y sobre toda aquella época dorada del rock (los Stones eran algo así como el centro del Universo) recomendaros el reciente documental "Stones on Exilie"(2010). Una delicia impagable de documentos, música, imágenes de archivo, anecdotas y comentarios de todo aquel proceso creativo. Un único pero. Se hecha en falta información sobre aquella mítica sesión de fotos con la actriz Joan Crawford que a buen seguro se verá cubierta en el libro "Exile on Main Street" de los Rolling Stones, que tan deseoso estoy de leer, y que viene a redondear toda la información posible (papel, imágen y sonido) sobre una banda en su cumbre. Como para perdérselo.

SONS OF ANARCHY. Anarquía sobre ruedas

De inicio, el título ya suena bien. Si además Ron Perlman (Hellboy) es el cabecilla de este club de moteros traficantes de armas y suena rock'n'roll por un tubo... la cosa promete. Los rebeldes personajes de la serie son capaces de regalarnos diálogos soéces, y tan metafísicos(!), como "la vida era más facil cuando chupaba pollas..." u otras muchas perlas por el estilo. Un estilo que bebe de la magnífica Los Soprano, por supuesto sin llegar a alcanzar el nivel de ésta. Pero no seámos tan exigentes... Los fans de Tony Soprano encontrarán en HIJOS DE LA ANARQUÍA de Kurt Sutter (The Shield), motivos más que suficientes para pasar un rato entretenido frente a la pantalla del televisor. Así que tendremos "negocios de familia" y trifulcas con otros clubs motarras (los Mayas); asuntos súcios con negratas, terroristas del IRA, neonazis y fascistas (en la segunda temporada el cantante de hardcore Henry Rollins interpreta a un matón y fanático ario)...; y mucho humo de marihuana alrededor de los diferentes problemas que éstos duros personajes deberan capear. Mientras, a éstos caballeros de la moto les da tiempo, a su manera, de ir manteniendo el club (familia) y su pueblo (hogar), limpio de drogas y disturbios. Digamos que prestan un servicio a la comunidad. Una ayuda más que interesada. Pero noble.

Lo más flojo de la serie, para mi gusto, es la típica historia de amor de sus jóvenes y guaperas protagonistas (Charlie Hunnam/Maggie Siff). Nada nuevo que contar. Por lo demás Perlman, como siempre, se sale. Tal vez el aparecer continuamente en pantalla resalte sus carencias actorales, pero yo no me cansaré nunca de ver a esa bella bestia neoyorquina llamada Ron Perlman (Clay, en la serie) moverse tras la cámara. Otros personajes interesantes son los de la estupenda Katey Sagal (Gemma Teller) como la maquiavélica y protectora matriarca del Club. Amén de unos secundarios de lujo, los interpretados por la banda de moteros anarquistas, en el que sobresale Mark Boone Junior (Memento) y Daiton Callie (el Charlie Utter de la estratosférica Deadwood) como sheriff asalariado de la banda. Mención especial, como ya hemos apuntado, a la banda sonora. Desde la Creedence... a Monster Magnet. Destilando la serie, un humor resacoso y lleno de malaleche (ver sino los "guarros despertares" en la guarida de los motarras tras sus genuínas fiestas) que ya quisieran para sí otras series supuestamente más exitosas.

-Punk en Río. FORGOTTEN BOYS

Sorpresa. Nadie diría después de escuchar tan excitante banda de rock básico de toda la vida, que estos cuatro mozalvetes de la escuela Johnny Thunders provienen del país de la samba y el carnaval. Salvo Ratos do Porao (nunca fui de Sepultura) desconocía, y desconozco, la escena del rock underground brasileiro. Los cuatro Forgotten: Gus Riveira (guitarra y voz), Chuck Hipolitho (guitarra y voz), Flávio Cavichioli (baquetas) y Zé Mazzei (bajo), aunque citan bandas como Raul Seixas, Irá o los sesenteros Os Mutantes como bandas locales que les gustan, dejan claro que la música de su país no les ha influenciado para nada. Sus enseñanzas apuntan más a las clásicas bandas de rock'n'roll y garage ochentero, y más que nada a los los grupos de punk-rock escuela 77's. Si te gustan los Heartbreakers, Jeff Dalh, Ramones, Radio Birdman, Pistols y cía... disfrutarás de lo lindo con este disco. Stand By The D.A.N.C.E. (2005) es su segundo trabajo, el primero fue Gimme More (2004), desde que decidiesen montar la banda en 1997 hastiados de tanta escena hard-core (antes creo que grabaron 6 temas en un CD a medias con los porteños Killer Dolls). Personalmente me quedo con el segundo Lp, mucho más trabajado a nivel de producción, canciones y sonido; y es que como éllos mísmos dícen "entre uno y otro simplemente aprendimos a tocar mejor". De frescas canciones de rock como "Get Load", "All you see" o la imponente "Stand By the D.A.N.C.E" que da título al disco... deberían aprender engreídas rockstars tipo Backyard Babies y similares... Es mi opinión.

-EL REPORTERO DEL INFIERNO: ¡¡¡ABRACADABRA!!!

MAGIC, 1400's-1950's. Noel Daniel (editor). Textos de Mike Caveney, Jim Steinmeyer y Ricky Jay. 650 páginas.

Recuerdo cariñosamente al gran Juan Tamariz y su magia potagia. Al guapo de Tonny Curtis en la piel de un tal Houdini un sábado a la tarde delante de la téle. Supuestamente, a un alemán de pelo rizo doblar una cuchara con la mente. El miedo, y placer a la vez, que sentía al oir las experiencias de mis amigos con la Quija. Las historias increíbles que circulaban por ahí de gente que iba atravesando murallas chinas y haciendo desaparecer estatuas famosas... ¡Ay, bendita ilusión! El mundo está poblado de criaturas fascinantes (antes más que nunca). Soñadores y farsantes. Este impecable tomo recopila todo lo que buen aficionado al maravilloso mundo de la magia estaba esperando. Ilusionismo, ocultismo, mentalismo, telepatía, levitaciones, desapariciones y apariciones, escapismo... y hasta retazos de filosofía. La historia de este fenómeno desde el siglo XV hasta la década de 1950. En sus páginas encontrarás a los más grandes y famosos ilusionistas de la época dorada de la magia: Harry Kellar, que hacía aparecer a su esposa de la nada, rodeada de flores, y que se autodecapitaba en directo; Howard Thurson, que bordaba el truco de la chica aserrada; el mentalista Alexander; los famosos Robert Houdin y Harry Houdini (nacido Erik Weisz); E. Chambly; Frederick Bancroft...

-MUJERES ATÓMICAS: Judy Cleveland, la Femme Python

Actriz inglesa de comedia (Londres, 1943- ...) considerada por sus desvergonzados jefes como la séptima componente, y gran performance, del grupo Monty Python, certificado por muchos (personas inteligentes en su mayoría) la mejor banda humorística del mundo. Patrimonio cultural de la humanidad, los Pytom, educaron e hicieron reir a distintas generaciones de espectadores de toda condición y edades. Eric Idle, Michael Palin, Terry Jones, Terry Gilliam, Graham Chapman y John Cleese romperían moldes con su mezcla de corrosivo humor satírico y descarado surrealismo de pacotilla con mucha pizca de rebeldía. El complemento ideal para su programa televisivo Monty Python's Flying Circus (1969), y su inimitable estilo humoristico, fue la aparición de la exhuberante JUDY CLEVELAND. Toque picante que hacía subir la temperatura del espectador cada vez que aparecía por alguno de los delirantes sketches del programa. Antes de ser descubierta por los Python a Judy se la pudo degustar en aquella ópera-western-espacial rodada por el maestro Roy Ward Baker para la Hammer titulada Luna Cero Dos (1969). Abocada a pequeños papeles en comedia televisiva y anuncios de motocicletas, la actriz londinense se transformó en manos del grupo de cómicos inglés. Fue contratada según los cánones de belleza de los exigentes Pyton que pedirían a la BBC "...una mujer hermosa". Y así tras el éxito del programa (aunque hasta los 5 primeros capítulos parecía todo lo contrario) y sobretodo después de las películas Los Caballeros de la Mesa Cuadrada (1974) y La Vida de Brian (1979) Judy pasaría a ser reconocida como "La Hembra Pitón"...

Para más información de voca de la pitonisa y demás componentes de semejante pandilla de cachondos personajes, y ya de paso que estamos con el tema Python, recomiendo encarecidamente el visionado del monumental documental "Monty Python, la version de los abogados" para adentrarse en las entrañas del imaginário universo Python y alucinar, durante aproximadamente 6 horas, de toda clase de anécdotas e historias, relaciones personales, malos rollos, rencores (el de John Cleese con Palin y Jones es evidente), inspiraciones artisticas, conexiones musicales (Elvis Presley, Beatles, Stones, Pink Floyd...), majaderías, sketches (el del loro muerto es tremendo), confesiones, números musicales, gags ... desde sus duros inícios como grupo hasta su triste separación. Para morirse de gusto. Un documental de ensueño.

Por cierto, no dejo de fantasear en lo bien que se lo habrán pasado nuestros caballerosos británicos (Gillian de adopción) trabajando al lado de la simpática y fornida Judy... y cual de éllos sería el afortunado caballero que montase a lomos de tan hermosa mujer (Chapman, eliminado por gay).

DOBLE SESIÓN DE NAZI-MOVIES:

-EL LIBRO NEGRO (Zwartboek. 2006) D.: Paul Verhoeven

Conocida por todos los amantes del buen cine de ciencia ficción la aportación fundamental de Verhoeven al género (Starship Troopers, Robocop, Desafío Total...), no está de más reconocerle sus otras facetas autoriales. El holandés errante ha decidido -no se sabe si de momento- romper con Hollywood y retornar al estilo y al cine de autor de sus inicios -películas de las que nadie suele acordarse (Delicias Turcas, El Cuarto Hombre...)- y que le dieron prestigio necesario para acceder al cine comercial americano. Una opción acertada a mi entender, visto el resultado de su última película hasta la fecha, El Libro Negro. Verhoeven vuelve a sus raíces, a su país de origen, alejándose del mundanal ruido y los cantos de sirena del cine mainstream para parir, sin temor a equivocarme, la mejor película de toda su filmografía. Como suena. La madurez a Verhoeven le ha sentado de perlas (algo parecido sucede con David Cronenberg).

Independientemente de que el film trata sobre una de las muchas historias reales sufridas por el pueblo judío durante los años del nazismo, el film puede verse, y funciona muy bien, como péli de aventuras, como aquellas fantásticas películas clásicas de toda la vida que tanto echamos de menos ("Con la muerte en los talones", "Casablanca"...). Me explico: tiene acción, como no podía ser menos tratándose del director de Los Señores del Acero; un guión prodigioso, al que no le faltan giros inesperados; excelentes actuaciones -Carice van Houten está para comérsela-...; el dramatismo correcto; todo envuelto con maestría en un mensaje de aire libertario.

Lo dicho, una película sorprendente, que se sale de la medianía y la corriente del cine actual. En la que encontramos judíos buenos y judíos malos, nazis malos y nazis buenos, una violencia intrínseca a la obra anterior de su director, que además traza y juega con el erotismo crudo, como pocos saben hacerlo. Amén de una fotografía y una atmósfera acorde al cine del genial director. Un ejemplo más de que el buen cine pasa casi siempre desapercibido...

-MOTHER NIGHT (ídem. 1996) D.: Keith Gordon

De Gordon tuve conocimiento por su curiosa y delirante El Detective Cantante(2003), -en la que como siempre Robert Downey Jr. se salía-, aunque puede que lo conozcáis mejor por ser quien dirige la serie televisiva Dexter. Esta historia es mucho más convencional. Que yo sepa no se estrenó en cines aquí, pasó directamente a video (aunque a mi videoclub jamás llegaría). Rula por ahí en versión original pero podéis conseguir los subs. aparte. Hacédlo si queréis ver una más que aceptable película sobre confidentes de los Nazis. El formidable actor Nick Nolte (fanático de su persona desde que lo descubriera en un film en 1987 titulado "Hombres Marcados" en el que interpretaba a un presidiario marcado por los textos de Tolstoi) hace una de sus mejores trabajos profesionales. Sin duda la historia y el guión ayudan a que Nolte pueda desplegar toda su valía como actor, valía que dificilmente pueden demostrar los actores sin un buen personaje que interpretar. Aquí le vémos en la piel del apestado dramaturgo americano Howard Campbell, que fingió o actuó de manera consciente (ésto el film, no lo deja demasiado claro) como espía radiofónico en la Alemania Nazi durante la Segunda Guerra Mundial, y al que los israelíes retienen en una carcel en espera de ser juzgado por crímenes de guerra. A medida que le obligan a escribir la increible historia de su vida (aquí Gordon inserta el blanco y negro) asistimos a diversos flashbacks que repasan aquellos dolorosos años de su existencia (éstos en color).

No es una peli redonda. Pero sí es un flim deprimente y lleno de desolación, por lo tanto habrá quien se identifique con este tipo de historias

-MOTLEY CRUE: Sexo, Droga y Rock and Roll... ¡En cantidades industriales!

"Prefiero que Annibal Lecter se coma mis testículos antes de volver a salir de gira con Motley Crüe"

(Dave Mustaine)

Pasemos por alto los millones de discos vendidos (ventas hoy irrepetibles, ya saben ustedes porqué...) y los Estadios abarrotados. Olvidémonos de la música por ésta vez y, pasémos directamente al Gran Circo del Rock'nRoll. Naturalmente que había mejores bandas en toda aquella escena angelina del sleezy-glam-rock y las hair bands (para mi gusto Cinderella, L.A. Guns, Junkyard, los Guns&Roses de Appettitte...) pero sin lugar a dudas fueron los Motley Crue los que elevaron el slogan de "sexo,drogas y rock'n'roll" hasta límites inimaginables. Aquí está el documental MOTLEY CRUE BEHIND THE MUSIC, para descubrirlo por vosotros mísmos.

Wisky a Go Go...

Asesinatos, detenciones, sobredosis, violencia, broncas y peleas por doquier, denuncias, fortunas, dinero, juergas, excesos, chicas fáciles, Harleys, Ferraris, películas, estupefacientes... ¡¡Rock'nRoll Junkies!!. Una locura. Que estos cuatro tipos desquiciados estén todavía vivos me parece algo increíble. No sé que entenderán ustedes por una banda de rock peligrosa -dado el grado de corrección y sumisión y pocas ganas de quemarlo todo que tienen los grupos de hoy día- pero encontrar en la actualidad una banda de nivel masivo que se le parezcan... es una utopía. Estos tíos eran chicos malos de verdad, lo que antes se llamaba rock'n'roll stars. Que mediáticas, auténticas o cirqueras... es a lo que aspiran a llegar a ser todos los musicos poprock del planeta. ¿Acaso no és así? (¿Porqué graban discos, sino?). ¿No és al fin y al cabo el Rock'nRoll pasárselo en grande y divertirte 24 horas al día?... Que no te vendan la moto, perder la rebeldía en esto del rock es perder mucho... Y al paso que vamos, no tardarémos en echar de menos la presencia, actitud, agresivadad, puesta en escena y música (en este caso "Shout at the Devil" y "Theatre of Pain") de una banda como los Motley, que gusten o no, se puede afirmar que eran grandiosos en lo que hacían. Por eso fans de la banda angelina y rockeros en general disfrutarán de las jugosas anécdotas (impagable la de Ozzy ¡¡esnifando una fila de hormigas!!) narradas en este documental lleno de desenfreno y nocturnidad, con una sonrisa cómplice, como se merece. No todo fueron pintalabios, rimel, laca y mariconeo... (¿O sí?)

-ADIÓS A DOS DE LOS NUESTROS

-DENNIS HOPPER. 71 tacos. Finito. Caput. Comida para los gusanos. Maldición, el azote del cáncer sigue cebándose con más de los nuestros... Indomable. Superviviente. Un cawboy sin control. Un proscrito. Toda una vieja leyenda de Hollywood, un rebelde con causa. Cayó en el hoyo y supo regresar del infierno, con dos cojones. Dennis Hopper nos avandonó para siempre. Tras de sí deja un reguero de magníficas interpretaciones (el adicto al éter de Terciopelo Azul, el fotógrafo lunático de Apocalipse Now, su papel en El Amigo Americano de Wenders...) y dignas películas dirigidas (Caído del Cielo, Colors...), algunas de un valor incalculable (Easy Ryder). Estuvo en todos los fregados habídos y por haber. Lo sufrió Nicholas Ray (Rebelde sin causa), lo apadrinó Henry Hathaway, lo lanzó Roger Corman (The Trip), casi acaba con Coppola (La Ley de la Calle), David Lynch lo rresucita (blue velvet), Hollywood lo requiere para sus típicos fiascos (Waterworld...) y para algúna que otra sorpresa (Amor a Quemarropa), participa en cine de serie B (Transporte Espacial), cine independiente (Basquiat) ..., y se gana el pan como bien puede en todo género de películas chorras (comedia, acción, negro...).

No se trata de juzgarlo, se trata de rendirle homenage. Cada vez quedan menos rebeldes, menos soñadores. Todos los que no queramos ser domesticados llorarémos la pérdida de personas como Hopper... Tipos nacidos para ser salvajes.

-RONNIE JAMES DIO. (The Man on the Silver Mountain). Otro duro golpe. Menuda racha llevamos. Pero que suerte el haber disfrutado de un ser humano tan irrepetible. Si hubiese vivído en la Edad Media, que tanto amaba, sería sin duda un Principe, un Caballero de honor. Como músico, y persona, desbordaba un carisma y una voz enorme, grandiosa. Rainbow y Black Sabbath fueron dos de los supergrupos que gozaron de su poderosa garganta. ROCK con mayúsculas (algunos lo llaman heavy). En solitario, y hasta su muerte, continuó con su banda DIO enarbolando la bandera del rock duro, haciendo lo que había hecho durante toda su vida, ajeno a modas y cambios. A lo suyo.

Intentar hoy día convencer a los "infieles" que desconozcan de la grandeza de tipos como Dio (o Dennis Hopper) es perder el tiempo, tarea inutil. Hoy todo ocurre demasiado rápido. Y desgraciadamente, el pasado, y la historia, o como vulgarmente se díce, separar el grano de la paja,... no es algo que importe a la plebe, al consumidor, al sufrido ciudadano o a quien cojones se créan.

¡¡Long Live Rock and Roll!!

-JACK NICHOLSON. LA BIOGRAFÍA.

T&B Editores, siguen a lo suyo. Esto es, ofreciéndonos deliciosas biografías sobre los grandes del cine. En este caso nos traen la más completa historia de uno de los ultimos dinosaurios vivos, el génio de la interpretación Jack Nicholson. El actor que rompió moldes. Iconoclasta, desfasado, exhibicionista, caprichoso, mujeriego, drogata, alcohólico... y por supuesto, imprevisible. Podía pasar de una escalofriante secuencia interpretativa al desmadre más sonrojante, así era el bueno de Jack... el que se sabía mejor actor del mundo. -El libro de Dennis McDouglan nos presenta las piezas del puzle... Otra cosa es que pretendámos encajarlas. Dada la vida del infranqueable personaje, la labor resultará dificil, por no decir imposible. De ahí que lo mejor sea disfrutar de un relato apasionante con tintes de biografía definitiva, sin preocuparse de mucho más. Un espectáculo de libro que sigue las huellas de nuestra estrella en cinco décadas de la industria del cine. Con Nicholson la frase "...la estrella no es la película, la estrella es el actor..." cobra más sentido que nunca. A parte de sus trabajos, muecas, Globos de oro, fortuna, talento, gusto por las corbatas... lo realmente importante en el libro son, no nos engañemos, los episodios escandalosos de su vida privada: Los polvos locos de una noche; el gran tipo despilfarrador; los centenares de cuernos que puso a sus parejas; lo mucho y caprichoso de sus desmanes y esnifadas; sus conflictos; tormentos... y demás curriculum vitae del hombre que ante todo se mantuvo fiel a sí mismo y a su arte.

-TRUMBO Y LA LISTA NEGRA.

¿Cómo se pasa de ser un reconocido y respetado escritor, rico y afortunado... a ser un apestoso rechazado por la sociedad, delatado por tus amigos, arruinado y silenciado?... Pues de un día para otro. Así de fácil. Para comprobarlo basta hechar un vistazo a este estupendo documental. Para volverse loco, vamos. Yo no sé lo que es perder nada porque nunca tuve nada que perder...pero para alguien acostumbrado a tenerlo todo, que de buenas a primeras se véa vagabundeando debe ser algo dificil de sobrellevar. Máxime si todo el desastre se puede evitar con tan solo admitir que uno es comunista... aunque no lo fuese. Pero las decisiones, las toman los hombres. Y éstos no abundan. Hay cosas que no tienen precio, y la honradez es una de esas cosas. Eso es lo que me atrae de tipos como Dalton Trumbo... la historia de los perdedores, perdedores en el sentido más noble de la palabra. Del cielo al infierno... por una lista: Brusco. Tosco. Testarudo. Apasionado. Decente. Inventivo. Agudo. Un iconoclasta. Un inconformista. Bromista, desgraciado... pero para nada chivato. Integro. Como guionista se mantuvo siempre fiel a sus principios, a su independencia. Supo retratar como los grandes la sociedad americana de su tiempo y fue considerado el mejor guionista de Hollywood gracias a su corrosiva novela "Johnny cogió su fusil". Luego vendrían otras: Papillón (en la péli Steve McQueen no delató a sus amigos), Exodo, Espartaco (con aquella apoteosica secuencia de "...¡yo soy Espartaco!", la escena de valores más inolvidable del cine)... Nunca ganó un Oscar. Para Trumbo la estatuilla estaba manchada de sangre, la sangre de sus amigos, y la odiaba a muerte. Pero ocurrió un hecho digno del mejor de sus guiones... Bajo el seudónimo de Robert Rich fue nominado al Oscar al mejor guión en 1957 por "EL Bravo"...¡¡y salió premiada!!. Por supuesto nunca subiría a recogerla. ¿Quién era el tal Robert Rich?, se preguntaron todos... Estaba claro que no se podía seguir ignorando a los de la lista negra... Lo dicho, un tremendo ducumental que nadie debería perderse.