LUIS GARCÍA BERLANGA: Adiós camarada anarquista

El sábado 13 de Noviembre de 2010 será recordado como el día en que MURIÓ el MEJOR DIRECTOR DE CINE QUE HA DADO ESTE MALDITO PAÍS. Esto no és una noticia. Esto es mucho peor. Muchos nos temíamos este día, pero ha sido mejor así, ¿Porqué sufrir? La enfermedad de la memoria le privó de reconocerle lo grandísimo que había sido... pero el colectivo no olvidará nunca. Nosotros recordaremos por usted, maestro. Qué empiece el luto... (me niego a tener que recordarles sus grandes logros, algo que a estas alturas deberían de saber quienes alguna vez hayan sentido pasión por el verdadero arte de narrar historias... de personajes)

RETOMANDO AUSTRALIA: UNA "MONSTER-MOVIE" Y UN POQUITO DE AUSSIE ROCK

RAZORBACK / LOS COLMILLOS DEL INFIERNO (1984). D.: Russell Mulcahy. I.: Gregory Harrison, Bill Kerr, Chris Haywood y Arkie Whiteley.

- Antes del caos sembrado por el jabalí gigante que asola a los protagonistas de nuestra cinta, el cine fantástico ya había imaginado todo tipo de desmanes argumentales protagonizados por especies animales de considerable tamaño: Cocodrilos (Alligator), Gusanos (Temblores), Tiburones, Ratas (El Alimento de los Dioses), Pirañas, Tarántulas, Murcielagos (Alas en la Noche), Cefalópodos, y el resto del mapa zoológico que se os ocurra... Así que el argumento de Razorback, original, lo que se dice original, no es que sea mucho. Pero esta producción australiana de serie B de los años 80, es una más que aceptable moster-movie que hará las delicias de los incondicionales al género. Por qué esa falta de originalidad argumental la suple la péli con cierta elegancia visual y sin demasiados artificios. Claro está, se vale de influencias reconocibles: el cine de George Miller (Mad Max) y todas aquellas producciones adrenalínicas Ozploitation facturadas en la década anterior por cinéfagos de serie B.

Reconozcámoslo, para bien o para mal, cada país tiene su estilo de hacer cine, de hacer las cosas. Y un menda, -tal vez por lejanía, desconocimiento o por pura curiosidad-, siente especial predilección por la forma en que los australianos cuentan sus historias. Y ya no digamos, de su personalísimo estilo a la hora de crear grandes bandas de rock'n'roll... Pero ésa es otra historia...

ULTIMAS REFERENCIAS ROCKERAS DESDE LAS ANTÍPODAS

-DEAD HORSE PROBLEM (Beast Records, 2010)

Tremebunda portada, calcinante sonido. Oscuros y ruidosos temazos brotan de su interior. Música hecha con muy mala leche, con pleitesía por lo malsano. Necesitas varias escuchas para encontrarle el regusto al asunto. Pronto descubrirás que guitarras crujientes como éstas ya las habías escuchado antes en grupos como Beast Of Bourbon o Gun Club, aval más que suficiente para adentrarse el el reverso tenebroso de este cuarteto australiano.

-JAMES McCANN "Last Night I Meet the Devil" (Bang, 2006)

La música de este miembro fundador de los Drones es un viaje fascinante por toda la fauna pantanosa del rock australiano, de principio a fin. Desde el folk más aborigen que crece hasta convertirse en preciosas baladas, hasta el lado más salvaje y supersónico reminiscencia de los esenciales Scientists. Rock and Roll en su extremos más honesto, crudo y vital.

ESCENAS MUSICALES: EL PUNK-ROCK DE LOS ANGELES (75-81)

Ya hemos tocado en alguna ocasión la escena punk-rock del CBGB neoyorquino. También, de pasada, comentamos una buena parte de la escena pub-rock inglesa con aquellos grupos protopunks amamantados en el seno del sello Chiswick. Algo suelto, más bien poco, del mejor rock australiano (cuenta que todavía sigue abierta)... Entiendo qué, así a todo, me será imposible visitar la cantidad de lugares y ciudades en los que germinaron movimientos o escenas musicales que harían cambiar el curso de la historia de la música que amamos: el Rock & Roll. Me gustaría en un futuro recalcaros la importancia del denominado sonido Detroit, la característica impronta del blues destilado en Chicago, el coralino arrecife que rodea al jazz de Nueva Orleans, por qué no, la escena mesetaria, con los grupazos olvidados de La Movida madrileña (qué los hay), el nacimiento del rock malasañero (Enemigos, Sex Museum, Pleasure Fuckers...) o aquel otro movimiento mal denominado "Rock Radikal Vasco". Para más tarde embarcarnos en alisios vientos que nos lleven corriente Stax, la escena y estilo de los grupos de Boston, los nuevos/viejos sonidos de Memphis, el high energy nórdico de primera generación (Nomads, Union Carbide Productions...) Berlín en los 70, San Francisco en los 60, el hardcore manufacturado en Washington DC... Ya véis... Proyectos no me faltan. Así qué manos a la obra y pasemos a reivindicar una escena musical, el PUNK ROCK ANGELINO (1975-1981), igual de interesante, excitante y necesaria como cualquier otro viaje que les hayan propuesto. Un puñado de bandas -y un momento en el tiempo- que injustamente se suelen olvidar a la hora de darles su merecida importancia en la historia y posterior evolución de los sonidos del rock & roll. La efervescente escena Punk de Los Angeles preludió y apadrinó la posterior escena Hardcore. Bandas y canciones que ELEVARON EL PUNK A LA CATEGORÍA DE ULTIMO MOVIMIENTO ARTÍSTICO-REVOLUCIONARIO DEL SIGLO XX Algunas de estas bandas punk77, que dieron forma a todo aquel revolucionario movimiento angelino, ya han sido mencionadas en anteriores entradas con motivo de la fascinación que sentimos en aTumbaAbierta por la calidad cosechera de dicha añada. Extensible también a nombres claves de toda aquella pre-movida (protagonistas de la tranformación del glam en punk) que también han asomado su jeta por este fanzine en diferentes momentos: artistas como David Bowie, Kim Fowley, Runaways, Iggy and the Stooges, o Jim Morrison (primer punk de L.A. por méritos propios), Penelope Spheeris (The Decline of Western Civilization)... pioneros inspiradores e innegables figuras totémicas que resultaron indispensables a la hora de catapultar el nacimiento de todas estas bandas punk que a continuación recopilamos (otros nombres propios como Rodney Bingenheimer, Peter Case, Billy Zoom, Darby Crash, Black Randy... y alguna anécdota más, tendrán informe individual en futuros post). Sin más miramientos Ahí va la lista de trallazos que retumban estos días mis altavoces Pioner. Sin licencias. Los más representativos (siento no tener discos de los Pils, Bags, Go-Gos, Screamers, Adolescents, Agente Orange, etc. etc. referentes que sin duda aumentarían todavía más dicha lista) para adentrarse en todo aquel mapa vital y escena volcánica erupcionada al este y sur de Califoria duante el periodo 1975/1981.

1. "Give it Back" / THE DICKIES
2. "Behind the Door" / CIRCLE JERKS
3. "Man & Machine" / T.S.O.L
4. "When You Find Out" / THE NERVES
5. "Sneakin' Out" / THE ZEROS
6. "Johny Hit and Run Pauline" / X
7. "Manimal" / the GERMS
8. "Depression" / BLACK FLAG
9. "I Love Livin' In The City" / FEAR
10. "Marie, Marie" / THE BLASTERS
11. "Fire Spirit" / THE GUN CLUB
12. "We Got The Neutron Bomb" / the WEIRDOS
13. "Life Of Crime" / the WEIRDOS
14. "Telling Them" / SOCIAL DISTORTION
15. "Clockout" / DEVO
16. "Los Angeles" / X

"SIENTASE BIEN" SEÑOR EARLE.... QUÉ YO ME SENTIRÉ MEJOR

¿Porqué tanto alboroto? Fue lo primero que pensé cuando oí por vez primera el nombre de este fulano harapiento, músico country para más señas, en las páginas de Popular 1 con motivo de la reseña de su apabullante disco I Feel Allright (1996). Todo un orgullo y un placer para mis oídos, el descubrir, no sólo una música como pocas, sino al hombre que habitaba bajo aquella pinta y, tras aquella voz, sublime en todos los sentidos. Una persona que ha dado muestras sobradas de un compromiso verdadero, que se dedica a ser él mismo, a vivir la vida y a extraer valiosisimas canciones de esa experiencia. Años más tarde se realizaría mi sueño de oir aquellos -y demás- grandes temas de su repertorio en directo (el AzquenaRock para más señas), para comprobar abobado que aquel forajido de leyenda que rasgaba las cuerdas de su guitarra con fuerza, escupiendo con rabia, deseos y lamentos humanos, sobrado de una dignidad que para sí quisieran el noventa por ciento de los que se dícen músicos, sería una de las mayores fortunas qué un servidor haya tenído el gusto de encontrar. Un tesoro en mi búsqueda de lo auténtico y lo real. Porque Steve Earle señores, és uno de esos perdedores (en el fondo de todo "ganadores") que habiendo caído lo más profundo abismo, a las mismas puertas del infierno, viviendo en el fuego purgatorio durante años, ha sabído regresar a casa para contarnoslo. Ganarlo todo y perderlo todo, para empezar otra vez desde cero, no és cosa fácil, y más si regresas de la manera en que lo ha hecho nuestro trobador con un disco bajo el brazo, el eterno I Fell Allright, convertido desde ya, en una de esas cosas que solo suceden una vez en la vida por mucho que intentes repetirlas. Al año siguiente lanzaría El Corazón (1997), un disco sin fisuras y cási al mismo nivel del anterior, pero será dificil que Steve vuelva a parir una obra semejante a I Fell Allright, cumbre e hito musical de su discografía. Un sonido REAL (permitanme el subrayado y la reiteración del término "real"), directo a la columna vertebral del oyente. Surcos que abarcan desde el country más vibrante ("You're Still Standing Here", a duo con Lucinda Williams), lo más parecido al pop sincero qué conozco (la preciosa "More Than I Can Do"), el rock'n'roll más elegante ("The Unrepentant") y rabioso ("Hardcore Troubador"), al folk más elemental y sufrido (las expeluznantes confesiones de "CCKMP" y "South Nashville Blues"). El disco del año. Música que te anima a seguir viviendo.

-El señor Earle es una contradicción andante: un artista country con actitud rock (en la capital del country, Nashville, nunca le vieron con buenos ojos. Se empeñaban en verlo como un jonqui bocazas forastero que se mofaba de la imagen hipócrita y conservadora de la ciudad), un portavoz de los desamparados, de la clase obrera, qque no ondea barras ni estrellas, un motero grasiento que deboraba literatura cual intelectual, a la vez que un paleto que luchaba contra la pena de muerte, el penoso sistema sanitario, la guerra de Irak o en favor de los nativos americanos. No es de extrañar que sintieran antipatía y se mostraran inquietos ante la actitud de un tío (que plantaba cara al sistema, sobre todo al de la industria discográfica de la que forma parte) como nuestro músico de Virginia (17-1-55). Lo que uno más aprecia de Steve -aparte del compromiso con su trabajo y sus ideales-, és su naturalidad. Sin vanas escusas. Díganme: ¿Cómo no va a ser buena la música, si está hecha desde las entrañas de un corazón rebelde?...

"SI GARTH BROOKS ES UN CANTANTE COUNTRY, RUEGO A DIOS QUE YO NO LO SEA."

-La adolescencia de este bandido del country americano se basó en aprender el oficio del desaparecido Townes Van Zandt, mentor y héroe además de fuente de inspiración ("...aunque un modelo humano realmente malo", en sus propias palabras) mientras paseaba su guitarra haciendo auto stop por Texas, viviéndo una vida de excesos como hiciesen otros íconos rock como Gram Parsons o Keith Richards. Epoca en que cogería gusto a sustancias peligrosas como la heroína, siempre sin un céntimo en el bolsillo, tocando en tugurios del 74 al 82, año en que grabaría su primer disco (un EP de actitud rockabilly), esperando un reconocimiento que parecía resistírsele. Un puñado de grandes canciones ("Someday", "My old friend the blues"..) le permiten salir del anonimato y coger cierta fama gracias a la moderna sonoridad de su country rock, ideal para las radiofórmulas del momento (tipo Springsteen y John Mellecamp, que dicho sea de paso son unos entusiastas de su sonido). Son los tiempos del "Copperhead Road" (89) disco que exhibía en la portada el simbolo pirata de la calavera con las tibias, presentado como "heavy-metal-bluegrass" por su autor. Tiempos de sudores fríos, de crack, de coca... de posesión de armas sin licencia, de cinco matrimonios. Tiempos de camellos y hip-hop. Horas de deambular por las calles enajenado mientras su sulfúrico rock and roll ("The other king", "West Nashville boogie"..) suena en todas las emisoras de radio del país. Pero llega otra redada. Esta vez condena. Solo unas semanas despues de soltarlo de la cárcel, en noviembre del 94, Earle ya estaba en su querido Nashville grabando el acústico "Train a Comin". Fresco y reabilitado tras su año a la sombra, decidió que ya era hora de mostrarse(-nos) a sí mismo, su verdadero potencial. El resto es historia.

Gentes tan respetadas presumen de ser sus amigos: Jason & The Scorches, Waylon Jennings, Emmylou Harris, Jayhawks, Uncle Tupelo, Mike Ness y tantos otros colegas de profesión. Por algo será....

-TE PRESENTO A... YASUZO MASUMURA

-Yasuzo Masumura(1924-1986) es otro de esos poderosos y fascinantes cineastas japoneses apenas conocidos en occidente. Poco a poco vamos descubriendo, -más allá de los clásicos como Kurosawa, Ozu, Mizoguchi y algunos otros más modernos como Oshima-, la grandeza e infinita variedad de la historia del cine nipón. La prueba está en maestros como Seijun Suzuki, Shoei Imamura, entre otros, amén del director que nos ocupa, a los que tenemos acceso gracias vendito DVD, y por qué no decirlo a las descargas de la red.

-EL ARTISTA:

Masumura comenzó muy joven a trabajar en los famosos estudios Daiei y, gracias a una beca, tuvo la oportunidad de viajar a Europa y estudiar los métodos de trabajo de los maestros italianos del momento (tiempos de revolución, como bien sabrán, a todos los niveles sociales y culturales) Antonioni, Fellini y Visconti. No es de extrañar, que de regreso al Japón, la impronta de esa floreciente manera de hacer cine de los directores italianos (extensible a la nouvelle vague francesa, free cinema británico...) quedase profundamente marcada en la obra posterior de Masumura, dotando al extenso catálogo de su obra -más de 50 films- de una personalidad universal añadiendo (y desmontando) a su vez, las costumbres y raíces más clásicas del cine japonés. Esas señas autoriales inequívocas, ése mezclar, o reconciliar, occidente y oriente, le llevará a convertirse en gurú de la Nueva Ola del cine nipón, sin cuya mirada y estilo directores modernos como Takashi Miike o Shinya Tsukamoto serían incomprensibles.

SU ARTE:

-Desde que debutara en 1957 con Kisess, la extensa carrera del director oriental le llevaría a cultivar todos los géneros: la comedia -Giants and Toys (58)-, el cine yakuza -con Man of the Biting Wind (60), protagonizada por el mismísimo samurai Mishima en persona (al film de Paul Schrader me remito, para conocer a tan enigmático personaje del arte y el pensamiento japonés), el melodrama erótico -Manji (64)-, el romance violento -The Spider Tattoo (66)-, etc. etc... Trabajos de una elegancia sin igual, sin embargo, no exentos de elevadas cotas de locura. El ejemplo más claro lo tenemos en la que podría considerarse su obra maestra, Blind Beast (69). Un genial melodrama de horror, amor a tumba abierta y erotismo surrealista -mezcla de un Dalí o Buñuel más pasados de vueltas-, que revela los aspectos más morbosos y perturbadores de la psique humana. Al mismo tiempo asistimos a un elegante trabajo del autor, apasionado, estético y emocionalmente metafórico.

-Aventúrense pues a descubrir el placer fetichista del potente cine post-moderno underground de la mano de un génio loco llegado del país del Sol naciente. Recuperar el cine de Yasuzo Masumara -al igual que el de otros "afines" como Fuller, Wilder, Siegel, Ray...-, és no sólo una obligación, sino una prueba más, real y palpable, de que el cine todavía tiene mucho que ofrecernos.

-DISCIPULOS DE DIONISOS. Regalando porno-punk desenfrenado

SENSUALIDAD, LICOR Y ÉXTASIS...

-Si te gustan Ramones (sonido Animal Boy), The Dwarves, GG Allin, Angry Samoans y demás punkrockers de rapidísimos acordes distorsionados, si te deleitas con el porno guarro de Ron Jeremy y hembras de vicio como Ginger Lynn, y todavía esperas pasartelo bien sin más pretensiones... espera a oir a los Discípulos. La mezcla de drogas, cultura basura, alcohol, pornografía y demás tabúes de la sociedad, unidos a una pasión desenfrenada por el punk rock rápido, al placer de tocar en vivo, a una arrolladora puesta en escena, sana perversión, y a un derrame de intenso hedonismo, la banda donostiarra (procedente de la escuela Buenavista: Señor No, Nuevo Catecismo Católico, Why Not?, La Perrera...) se ha convertido en un grupo de culto. Una combo para valientes.

Desde el lejano 1994, año de salída de "ADICTOS AL PORNO GUARRO"(la mecha que prendió la llama), pasando por los siguientes "Con Pelos En La Lengua" y "Como Una Droga", estos pendejos macarras derraman cera ardiendo sobre nuestras cabezas si és que aceptas seguirles el juego. La formación de la banda ha sufrido alteraciones desde su puesta de largo a principios de los años 90. La ultima de la que estoy enterado la formaban Titto Sifreddi (guitarra), John Stagliano (bateria), Spartakus/Lavadora (Bajo) y Juan Holmes (guitarra y voces). Cuatro gamberros interesados en los mismos temas de siempre: la comida, el sexo, los casinos, las peliculas de Eloy de la Iglesia y las vedettes. Con todas estas obsesiones és normal que las letras de sus canciones suenen de lo más divertidas... aunque haya quién las considere jocosas. Temas como "Coca Ardiendo Sobre Mi Glande", "Playa nudista", "Vidas Cruzadas", "Sauna China" (¿tal vez experiencias vividas?)... no son más qué la muestra de que lo suyo supera lo desternillante. Resumiendo... Si vás a tocar la música del diablo, asegúrate de querer ir al infierno.

MÁS "COCA", MÁS SARLI.

Como está mandado que la Sarli és una criatura que levanta pasiones y vuelve tarumba las hormonas de miles de cinemaníacos calentorros a lo largo y ancho del globo terráqueo, he decidído aportar algunos datos más sobre esta supermujer universal como complemento al post que le dedicamos tiempo atrás. Lo poco que presumo saber de semejante semidiosa argentina del sexo bizarro -o si lo preferís, del erotismo basto y populista-, única en su especie, se lo debo al periodista pornógrafo (y cinéfago) Pedro Calleja. A él agradezcanle estas líneas, punto por punto...

ESCÁNER TELEGRAFIADO DE UNA MUJER VISCERAL, PRIMIGENIA E HIPNÓTICA (no encontrarás un perfil igual en facebook)

-Nacida, muy humilde, Hilda Isabel Gorrindo Sarli, "La Coca" para sus familiares, amigos y admiradores, en Concoria, en la provincia de Entre Rios, Argentina, el 9 de julio de 1935 (aunque otras fuentes menos fiables aseguran en 1930). Secretaria y modelo ocasional antes de obtener el título de Miss Argentina en 1955 y quedar semifinalista en el concurso de Miss Universo.

-El Mito. La leyenda cuenta que, durante los primeros 60, muchos acomodadores argentinos colgaban a la puerta de los cines carteles anunciando "Isabelita se baña a las 16:30, 18:30 y 20:30 horas". De esta manera, los espectadores que decidían irse a tomar algo al bar de la esquina, sabían en qué momento de la tardenoche deberían regresar a sus butacas para contemplar, en todo su explendor cinematográfico, el cuepazo desnudo de la loba. El conocido periodista Mario Ferrari Brown dejaría esta perla para definir como pocos la figura de la Sarli: "suculenta, rebotona y dionisiaca".

-Encantos y Atributos. Primer mito erótico del cine argentino. Musa en exclusibidad del cineasta Armando Bo en cerca de una treintena de films sicotrónicos de serie B. Películas de cinco dólares, repletas de localizaciones exóticas, truculencia argumental y erotismo unplugged. Divina hembra neumática, alejada del prototipo sexy instaurado por otras starlettes de su época (mucho más desvergonzadas y artificiales). Su encanto radica en su potentísima naturalidad. Cuerpo exuberante, pétreo, imposible de disimular. Por otra parte, un rostro inocente, dulce, entre distante e indiferente. Para entendernos: uno no sabe si zampársela prendiendo fuego a todo, o quedar placidamente dormido entre sus tetas como un bebé. La mujer atómica que Russ Meyer nunca pudo tener. De tamaño y proporciones colosales. Capaz de transformar a los hombres en meras bestias salvajes.

-Meat on Meat. El período transcurrido entre la incestuosa "La mujer de mi padre"(67) y la equina "Fiebre"(70), es la época en la que la Sarli trabaja a destajo y deslumbra con mayor poderío. Un cuerpo maduro y vitaminado, cercano a los 40, que parece no envejecer nunca. Películas no aptas para todos los públicos como la ninfomática "Fuego"(68) o la morbosa y excesiva "Carne" (68), tal vez el título más suculento de toda su filmografía (estrenado en España veinte años después de su filmación, en 1989). En él Sarli interpreta a la guapa Delicia, trabajadora de un matadero. Allí es violada todos los días, hecho que desconoce su novio pintor. Un día es secuestrada y encerrada en un camión frigorífico. Así, los colegas del violador, podrán repasársela por turnos siempre qué deseen. Basada en un hecho real, la péli rápidamente se convierte en un título de culto debido a su violencia y a su premeditado sentido del humor (grosero). Su marido Armando Bo rompería tendencias y abriría camino al cine de sexo violento (sexploitation) facturado a contracorriente. El film recibe el apoyo incondicional del gran público...y el rechazo inmediato de censores y crítica. Allá éllos. La peli es apabullante sin más.

-Dos Secuencias Atómicas: Para terminar dos escenas qué ya son historia del cine argentino, dos frases para resumir lo fuerte y la bronca de cruzarse con "La Coca".

UNA: Humberto, el Macho, acosa a Delicia Sarli entre las medias reses colgadas de los ganchos del matadero. En un arrebato de lujuria, arroja a la chica sobre un montón de medias reses apiladas en el suelo. Antes de abalanzarse sobre ella, pronuncia la mítica frase: "¡Así te quería tener! ¡Carne sobre carne!".

Y DOS: Algo más tarde, en el interior de la cámara frigorífica donde Delicia ha sido raptada para que abusen de élla los colegas del Macho, Sarli, desnuda y magullada, se queja ante el tercero o cuarto de sus abusadores: "¿Otra vez? ¿Es que ustedes no tienen madre?"

(apunte): Si no tienen bastante, encuentren el libro Los Films de Armando Bo con Isabel Sarli (Corregidor, 1981), escrito por Jorge Abel Martín, y agarren el calentón de su vida con las decenas de fotos mimosonas de la Sarli.

SALON KITTY. Porno-nazi de satén

SALON KITTY (Tinto Brass, 1976/Italia).

El erótico director italiano Tinto Brass (Calígula, Los Burdeles de Paprika...) iniciaría con este film un subgénero ya en desuso, el porno-nazi (véase títulos como "La ultima orgía de la Gestapo", "SS Hell Camp", las de Dyane Thorne...), quedando ésta como la mejor realización de dicho subproducto. Títulos de temática nazi tan respetables como La caída de los Dioses y Portero de Noche serían tomados como modelo y punto de partida por Tinto, para imaginar una nueva clase de erotismo masoca-seductor qué atraería a las salas de cine a los más atrevidos y desvergonzados espectadores de una década, los 70, tan irrepetible como añorada. La existencia de películas como éstas, perversas e inmorales, en las carteleras de cine de hoy día resultarían imposibles de creer (hoy la peña se masturba con boludeces como "Saw" y similares). Puestos a romper tabús, qué mejor que los nazis (expertos en sobrepasarlos todos) para dar pie a protagonizar todo tipo de atrocidades y guiones de los más alocados e inverosímiles. En Salon Kitty el III Reich pretende crear una nueva raza de bellas mujeres alemanas, afines al partido, entrenándolas para convertirlas en refinadas prostitutas profesionales. Un cuerpo de élite para saciar los pervertidos juegos de las altas gerarquías de la Gestapo. El lugar elegído para dicho experimento será un conocido burdel de Berlín, en el que trabajan prostituas de orígen polaco. La "resistencia" no se hará esperar, Kitty (Ingrid Thulin) la dueña de tan lujoso lupanar, no está dispuesta a aceptar las nuevas reglas y decidirá plantar cara a todo el cuerpo de oficiales nazi. Sin arma alguna (y sin apoyo aéreo), serán sus encantos físicos, y su inteligencia, todo el arsenal con el que Kitty intente desbaratar los planes proxenetas de los alemanes.

-SOMOS MUERTOS QUE CAMINAN. Duelo por Roy Ward Baker

El año 2010 está siendo devastador. Maldices el día que palmó Alex Chilton (Big Star). Una mañana te levantas con la noticia de la muerte de R. James Dio y al siguiente lloramos al mismísimo Dennis Hopper. En un mes, Octubre (qué será dificil de olvidar) lloramos del tirón, cual plaga apocalíptica, a Solomon Burke (soulmen), Arthur Penn (Bonnie & Clide, La Noche se mueve...), Claude Chabrol y Tony Curtis. Perdidas irreparables todas ellas. Tarde, y con tristeza, me enteré del adiós de uno de los más grandes maestros del animé, Shatoshi Kon (Perfect Blue, Paprika...), éste muy joven, a los 46 tacos. A estas gentes de renombre habría que añadirles las de "segundo nivel", no por ello menos dolorosas: Manuel Alexandre (actor berlanganiano, de los míos), Kevin McCarthy (actor de culto gracias a La Invasión de los ladrones de cuerpos), Clive Donner (director de ¿Qué tal, Pussycat?, El ladrón de Bagdad...), ¿Os acordáis de la actriz de Ultimatum a la tierra, Patricia Neal? (ganadora de un Oscar a la mejor actriz por Hud, y una de las más sólidas intérpretes del Hollywood de los años 50)... pues también partió para mejor vida. Seguro me olvido de más (los más cinéfilos podrían echar en falta a Eric Rohmer; los cantautores y hombres de bien, a Labordeta y...), pero lo que me aterra es qué todavía no ha terminado el puñetero 2010. Y en éstas estamos, recibiendo mazazos uno tras otro. El último en marcharse (-de puntillas-) y dejarnos un poco más huerfanos y jodidos de imaginación, ha sido el realizador inglés ROY WARD BAKER (Londres, 16-9-16/5-10-10). Joder. Los buenos aficionados al cine de género no podemos olvidar qué este tío fue uno de los directores más prominentes de la segunda generación de la Hammer. Antes de embarcarse en la casa del terror, había dirigido 16 episodios televisivos de El Santo (63-68) y ocho de Los Vengadores (65-68), grandes éxitos que le abrieron las puertas de la citada Hammer y también de la Amicus. Pero no solo de cine de terror vivió el hombre. The October Man (47) y A Night to Remember (58) son dos buenos ejemplos (ésta última tras regresar de su periplo hollywoodiense (52-58) en el que llegó a dirigir a la mismísima Marilyn Monroe). Sin olvidarnos de la notable La Ultima noche del Titanic (58), algunas de sus secuencias inspirarían de forma inequívoca a James Cameron cuarenta años después cuando rodó la inferior (para mi gusto) Titanic. Entretanto también rodaría comedias, dirigiendo a la diosa Bette Davis en El Aniversario (68) o al recientemente finado Tony Curtis en Los Persuasores (71); de igual manera que westerns como El Demonio, la carne y el perdón (61). Pero sin duda fueron sus trabajos para la Hammer y la Amicus los que le elevarían al parnaso del cine fantástico para siempre. Hagamos memoria...

ROY WARD BAKER. FILMOGRAFÍA SELECCIONADA:

-¿Qué Sucedió entonces? (Quatemass and the Pit, 67)

-Luna Cero Dos (Moon Zero Two, 69)

-Las Cicatrices de Drácula (Scars of Dracula, 70)

-Las Amantes del Vampiro (The Vampire Lovers, 70)

-Doctor Jekyll y su hermana Hyde (Dr. Jekyll and Sister Hyde, 71)

-Refugio Macabro (Asylum, 72)

-Ahora empiezan los gritos (And now the screaming stars!, 73)

-Kung Fu contra los 7 vampiros de oro (The Legend of the Seven Golden Vampires, 74)

-El Club de los Monstruos (The Monster Club, 80)

-REYKJAVIK ROTTERDAM. CINE POLAR NEGRO

El glamour (perdido), el 3D, el presupuesto desmesurado, las rutilantes estrellas, las nuevas tecnologías, la publicidad... (inclusive el talento) no hacen una buena película. Son las buenas historias las que al final quedan en nuestra retina, y el Hollywood de nuestros días tiene poco o nada que ofrecernos a ese respecto. Y en éso estamos, en buscar por ahí, y por nuestra cuenta, ese otro cine que nos divierta y nos reconcilie con la idea de que no todo está perdido. Y el cine europeo es un buen lugar como otro cualquiera en el que lanzar nuestras redes de pesca. En los últimos años, y más recientemente, han salido una serie de propuestas interesantes (en thrillers y en lo que a cine negro se refiere) que iremos repasando puntualmente, en pequeñas dosis. Hoy toca hablar de una peli islandesa dirigida por un tal Óskar Jónasson titulada REYKJAVIK ROTTERDAM (2009). La cinta está incluida dentro de esa nueva corriente a la que los críticos apresuraron en llamar "nueva novela negra nórdica" (de la que nada sé y poco me importa): Títulos como Millenium o Aurora Boreal, que parten de previas novelas, son los únicos que he visto, y la verdad es que no me entusiasmaron en absoluto. Por el contrario la película de Jónasson, que igualmente viene de una novela titulada Las Marismas (que tampoco he leído), me ha gustado, y mucho. Me parece un policíaco (pero sin policías) como los que se hacían antes. Se nutre de diversas fuentes: Uno inmediatamente piensa en los primeros films de los hermanos Coen (Sangre Fácil, Fargo...) y por momentos recuerda el humor, y situaciones, de los films de Guy Ritchie ("Snatch, cerdos y diamantes"), pero también evoca aquellos viejos films noir de maestros como Jules Dassin (Mercado de ladrones, La ciudad desnuda) o J. P. Melville (Hasta el ultimo aliento), más que nada, por reencontrarse con nostálgicas historias de perdedores. Por qué el (anti)héroe de esta historia, un expléndido Baltasar Kormákur (también director de cine, qué probablemente séa el encargado de rodar el remake norteamericano de éste film) -con un parecido asombroso a Colin Farrell-, es uno de ésos loosers a los que la vida ha pateado y seguirá pateando. Un tío con buenas intenciones al que acabas cogiendo cariño, qué se rige por unos códigos hoy devaluados. Un personaje que intenta redimirse de un pasado conflictivo a sus espaldas (cumplió condena por contrabando de alcohol, por no delatar a su jefe) trabajando de guardia jurado, pero que apenas le alcanza para sacar adelante su familia. Encima su cuñado le involucra en malos líos, y el que creía su amigo, se aprovecha de su situacion financiera para que vuelva a las andadas y poder así cepillarse a su mujer (antigua novia de aquel). Asistimos entónces a una frenética trama de apenas 80 minutos de duración, tan rocanbolesca y negra como aquella nube de cenizas cortesía de Islandia.

TOTO RIINA. El Capo de Corleone.

-EL CAPO DE CORLEONE (Il Capo Del Capi, 2007) es un telefilm dirigido por Alexis Cahill y Enzo Monteleone para la televisión transalpina. La miniserie italiana, a lo largo de 6 capítulos de una hora y media de duración cada uno, aborda medio siglo de violencia extrema cortesía de la mafia siciliana. Fue en un pequeño pueblo de 15.000 habitantes, Corleone, en la provincia de Palermo, donde nació el que será recordado como el "Capo de Tutti capi" Salvatore Riina, más conocido como Toto Riina, álias "el Corto", o también por el apodo más correcto de "la Bestia", como se referían a su persona todos aquellos que sufrieron la brutalidad de sus actos. Pero no sería Riina el único capo que saldría de las calles del apellidado pueblo al que Coppola lanzaría a la fama tras su pelicula El Padrino. Nombres de importantes jefes de la Cosa Nostra como Michele Navarra, Luciano Leggio, Leoluca Bagarella o Bernardo Provenzano nacerían en en el pueblo de Corleone.

-El film arranca en 1943, cuando Toto contaba 13 años. Acaba de perder a su padre y hermano de 5, mientras éstos intentan sacar la pólvora de una bomba abandonada por los americanos durante la 2ª Guerra Mundial, para venderla, y conseguir así algo de comida que llevarse a la boca. Serían años muy duros, entre caciques, barro y hambruna. La Mafia corría por la sangre y ADN de muchos sicilianos, pueblo curtido en mil batallas, que debido a su estratégico enclave geográfico a lo largo de siglos debió de enfrentarse a múltiples invasiones y sometimientos de todo tipo. De ahí que el sentimiento de autodefensa, o mejor dicho, de libertad, estuviera muy arraigado entre los isleños. El norte de Italia, rico y próspero, gobernada por otra clase de mafia, los políticos, tenía olvidado por completo a los analfabetos aldeanos del sur, pastores y campesinos en su gran mayoría. Lo que acontecería después, és historia conocida por todos. A lo largo de la segunda mitad del siglo XX serían ésas pobres "familias" (o clanes) sicilianas, las encargadas de dirigir, según sus propios intereses, el país entero desde la sombra. Poder. El control de los votos en Sicilia, por parte de la mafia, permitía a la extrema derecha gobernar Italia ante el avance de los comunistas y otras fuerzas políticas que hiciesen peligrar el Estado. Gracias al miedo, a los sobornos, a los políticos a sueldo de la mafia, a la permisibilidad de los jueces y fuerzas del Estado, y a las demás ventajas que otorga el poder del dinero, gente sin escrúpulos, como Salvatore Riina y todos los de su sangre y calaña, se convirtieron en los AMOS de todo un país, y quién sabe si en la organización criminal más importante a nivel mundial (No és que lo cuenten así en EL Capo De Corleone... ahí están algunos de los ultimos títulos del cine italiano para desmantelar todos estos temas de su pasado más reciente Il Divo, Gomorra, Roma Criminal...). Siguiendo con Toto Riina y su hambre de poder, el film concluye, como no podría ser de otra manera, con su encarcelamiento en 1993 tras veinte años fugado. Su obsesión por convertirse en el único capo al mando de todo Palermo (y con ello de Sicilia), le llevaría a cometer toda clase de asesinatos, matanzas, secuestros y barbaridades entre su propia "gente" y paisanos (para apoderarse de toda Sicilia liquidó a importantes capos, no quería a nadie por encima de él). Tras matar decenas de esbirros (así llamaban a la policía), importantes jueces y políticos (el lider comunista Pío La Torre, o el sindicalista Placido Rizzoto), infames (soplones), o cualquier "cristiano" que fuese en su contra o hablase mal de él, Riina algún día tendría que pagar por sus pecados. La gota que colmó de la paciencia de toda esta sinrazón fueron finalmente los asesinatos de los jueces Giovanni Falcone y Paolo Borsallino (responsables de iniciar el macroproceso por el que fueron encarcelados casi 500 mafiosos) . El clima de crispación y el sorprendente e insistente clamor popular, llevaría a jueces y políticos a tomar la decisión de poner entre barrotes al responsable de toda esa locura: Toto Riina; ni más ni menos que los mismos politicos y poderosos a los que la Cosa Nostra les estaba llenando los bolsillos.

No és una serie redonda ni mucho menos, pero se deja ver. Y seguramente faltará mucho por contar... Pero lo mejor no está en sus imágenes sino en asombrarse y saber, qué todo éso y muchísimo más, ocurrió de verdad... y a buen seguro estará ocurriendo, allí, y en cualquier otro lugar del mundo.

EL RINCÓN DEL PINCHADISCOS: "SWEET WARRIOR" (Richard Thompson)

Escuchando un temazo como "Dad's gonna kill me" ("Papá va a matarme"), blusero y rockero a la vez que oscuro y sombrío, uno tiene la sensación de adentrarse en el universo del mismísimo Nick Cave. Puede que ambos sientan debilidad por las murder ballads rurales, por la paz espiritual y el desaliento, pero creo que las comparaciones terminan ahí. Richard Thompson tiene cuatro décadas de carrera a sus espaldas (en 1967 formó parte del grupo Airport Convention, pionero en el uso de instrumentos eléctricos dentro del folk). Aunque algunos le tilden como "el mejor guitarrista eléctrico de Inglaterra", sus punteos de guitarra son todo un alarde de economía a la vez que expresividad. El escritor y musicólogo Nick Hornby (Alta Fidelidad) definió su música como algo parecido a "música de campesinos satánicos ingleses que sacrifican a sus hijos". Raíces culturales aparte, el folk-rock del creativo inglés puede encontrar paralelismos con génios como The Band, los Byrds o Rory Gallagher (con quien compartió gira), pero siempre más próximos a la alquimia de un Coltrane qué al clásico corte más setentero. Sus letras llenas de historias sobre incestos, asesinatos, vampiros, espectros, etc. abarcan una amplísima discografía. Destacaría discos como "I Want To See The Bright Lights Tonight"(74), haciendo duo con Linda Thompson, o "Mock Tudor"(99) por citar dos de los preferidos por el propio Thompson, pero a mí el que me gusta más -y el que mejor le resume- és sin lugar a dudas este "Sweet Survivor"(2007), un trabajo sepulcral que no para de sonar ultimamente en mi reproductor. Si desconocen la música de Thompson, este es un buen disco por el que empezar a descubrir al guitarrista londinense..

BREVE ANTOLOGÍA DEL FANTAS-TERROR PATRIO: "ATOLLADERO" (ANEXO: IGGY EN EL CINE, 2ª Parte)

A PROPÓSITO DE "LA IGUANA"...

-Atacar la peli de culto de Oscar Aibar nos permite continuar con un tumbero repaso a los titulos relevantes del cine fantástico español, y de paso, retomar la prometida 2ª parte del reportage Iggy el el cine. Habíamos abandonado al padrino del punk en los tiempos de "Repoman" y del primer "Coffe & Cigarretes" (93) de Jim Jarmush (otro músico/actor, Tom Waits, compartía escena con él), papel que retomarían músico(s) y director diez años más tarde en película del mismo título, esta vez con más presencia y mayor diálogo. Por aquel entonces, antes de embarcarse en Atolladero, Iggy participaba en series de TV como Miami Vice y Tales from the Crypt, haciendo apariciones especiales. Shannon's Deal es otra de aquellas diversiones televisivas en las que intervenía nuestro artista, pero no es de extrañar que Iggy guarde un mejor recuerdo de Pete & Pete un show para niños en el que hacía de padre de familia suburbana, un yuppie de mediana edad, ex-delincuente y ex-rockero.

1994 es el año en el que interviene en mayor numero de pélis. La directora Rachel Talalay (Pesadilla Final: La muerte de Freddy) lo contrató para la que acabaría siendo una cult movie de los 90, Tank Girl. Estaba enfrascado en un film independiente, del que no sé nada, titulado Wayne County Rambling y acababa de finalizar el rodaje de esa pequeña joya del western onírico y poético de nombre "Dead Man" (un corto cameo casi irreconocible vestido con ropas de mujer) cuando recibió el guión de un joven e inexperto realizador español, Oscar Aibar. Para sorpresa de todo el mundo Iggy acabaría aceptándolo encantado, tanto es así que compondría tres temas para la banda sonora del film (qué Virgin nunca dejó publicar más allá de la película, el tema "Atolladero" es una balada gloriosa y bella, una rareza en su discografía). Fue durante el difícil rodaje de esta película cuando Iggy se daría cuenta de lo duro que és trabajar -y hacer cine- en España (Aibar comentó en una ocasión tras ver el docu "lost in La Mancha", sobre el accidentado rodaje de la versión de el Quijote de Terry Guilliam, que aquel fue un chiste de mariquitas comparado con su rodaje de Atolladero). Era la primera vez que Iggy tenía un papel tan extenso en una peli, duras jornadas de trabajo agrabadas por inoportunas condiciones atmosféricas, a lo que hay que añadir el idioma, la presión (se dice que tuvo fuertes discusiones con el actor Joaquín Hinojosa, su rival directo en el film), y el trágico fallecimiento de uno de los actores principales, el intérprete Felix Rotaeta, al que Iggy tenía en buen aprecio. Se largaría del país sin saber si la película acabaría estrenándose. No sería esta su última aparición en pantalla. Continuó y continúa siempre que puede con su hobby de aparecer en el cine. Siempre en breves apariciones -el bodrio El Cuervo Ciudad de ángeles(96), la estúpida Fiesta en la nieve (2000), decenas de series de tv americanas...- pero a día de hoy su papel como Madden en "ATOLLADERO" continúa siendo su mejor interpretación, su personaje más estelar en el mundo del celuloide, el de mayor presencia y mayor calado (otra cosa sería su aportación a imnumerables bandas sonoras, Trainsppoting, The Brave, Life Acuatic...).

-A PROPÓSITO DE "ATOLLADERO" (1995)...

Amor de padre. La ópera prima del barcelonés Oscar Aibar (cosecha del 67) fue en su día una propuesta inusual dentro de nuestro cine y continúa siéndolo hoy. Como vengo demandando desde este blog fanzinero cada vez que tengo ocasión, necesitamos cineastas que arriesgen... que sean capaces de ofrecernos algo diferente y rompedor, que sepan desprenderse de su sensatez. El miedo al fracaso no les deja moverse más allá del cine social y eso de aventura tiene poco, de ahí que gente como Aibar merezcan siempre la pena (su bizarra "Platillos Volantes" me encantó; no trataba sobre la cuestión de si hay vida extraterrestre en otros planetas, sino que cuestionaba si realmente hay vida inteligente en la Tierra). La péli tarda en arrancar, pero una vez puestos termina siendo un agradable desastre. Un western de ciencia-ficción triste y melancólico, y sobretodo original.

El cómic "Atolladero, Texas", escrito por él y dibujado por Miguel Angel Martín, es el punto de partida de tan encomiable film. Una Divertida y arriesgada gamberrada de serie B. Olvidada y Maldita desde que nació. Una pelicula de culto del cine español. Protagonizada por actores y personajes que bien podrían haber salido de las historietas de Mortadelo y Filemón. Un cóctel estimulante de cinefágia, repleto de referencias y homenages al cine y a la cultura subterránea. El film, que sitúa la acción en la Texas del año 2048, recuerda a los spaguettis-westerns del maestro Leone (el paisaje parece almeriense, pero se rodó en las Bardenas navarras). Guiños a B. De Palma, a pélis como Alien, Robocop, Terminator y por supuesto a Mad Max. Pero hay que recordar que ésta no es una producción made in USA, de ahí que salgan a relucir temas tipicamente ibéricos: la envidia, el feudalismo, servilismo, ignorancia... ¡Chapó! para Aibar y sus colaboradores por llevar a buen puerto, pese a tempestades, una historia diferente que quedará en los anales del "otro" cine español. Encima -y si todo esto no tuviese suficiente atractivo-, recordad que sale el salvaje IGGY POP, bordando su papel de malo malísimo...

-the RUNAWAYS: EL REFLEJO DE CASI NADA

la película: THE RUNAWAYS (Floria Sigismondi, 2010).

La cosa prometía. El título "The Runaways" daba a entender qué por fin uno de los momentos más excitantes de la historia del rock -el nacimiento del punk- iba a tener hueco en una superproducción hollywudiense. Soñar despierto. Una quimera. Para muchos jóvenes (que sin duda verán la péli reclamados por la presencia en el reparto de la joven actriz "Crepuscular",Kristen Stewart) sería una buena oportunidad de descubrir una banda -y una música- a años luz de la que hoy escuchan, amén de iluminarse con los sueños e inquietudes de toda una generación irrepetible; y los afinionados al rock'n'roll más honesto disfrutaríamos con las historias y personajes que nos gustan... Pero nada. El resultado final no deja de ser un producto más de usar y tirar. Si querían una peli con quinceañeras follando unas con las otras, sexo chungo, y drogas peores, haber recurrido al cine de Larry Clark (Kids), mucho más real y provocador que este biopic supuestamente verídico. La historia de las Runaways se merecía algo mucho mejor (Incluso el gilipollas de su mánager Kim Fowley merecía mejor trato). Es lógico qué en hora y media de metrage se omitan o se queden fuera, incluso se tienda a exagerar, hechos y personajes puntuales de la historia...pero se da la casualidad que aquí ¡¡prescinden de los más importantes!! Vale qué no salga el desplante que les hizo Patty Smith (a la que tenían en un altar), vale qué ni se mencione a Darby Crash (el mayor fan de las Runaways, que años más tarde tendría un papel relevante en la escena punk angelina con su banda los Germs)... ¿pero qué hay del intento de suicidio de la bajista Jackie Fox en la gira de Japón?... ¿Porqué se centran solo en Joan Jett y Cherie Currie? y ¿qué hay de las importantes demás miembros de la banda?... Nada. Ni rastro de los muchos temas que no suenan, mientras llegan a repetir ¡hasta cinco veces! su éxito "Cherry Bomb" a lo largo del film (eso sí, aciertan en contar cómo fue que se compuso el temazo, en lo qué és sin duda una de las mejores secuencias de la péli). En definitiva, otra oportunidad perdida para dejar bien alto el pabellón del mejor rock'n'roll. Una lástima.

Los qué deséen saber más (y mejor) sobre tan importante banda post-glam y proto-punk deberán leerse el libro "Tenemos la Bomba de Neutrones" (Muster Books), así como el documental sobre la banda, de titulo "EDGEPLAY"(2004), tal vez os ayude a entender mejor el enfado que me produjo el visionado de esta decepcionante "the Runaways". Si esto se redujera al simple "pedo, culo, caca y pis"... sólo nos quedaría el pis.