miércoles, 20 de agosto de 2014

OBITUARIOS: JOHNNY WINTER. Un trago por el bluesman de marfil



Olvídense desde ya del Johnny Winter fantasmal, desafinado y afónico, fallando sencillas notas de guitarra, ciego de un ojo, desnutrido y sostenido en una silla sobre el escenario de cualquier barraca de feria, plaza al aire libre o en el cartel de las fiestas patronales de tu pueblo, acompañado de una panda de músicos mercenarios que poco o nada tienen que ver con el alma del blues y tocando un repertorio de canciones que no se ha renovado en 30 años. No se puede ser más cruel. Lo reconozco, yo mismo me negué a presenciar doloroso esperpento en directo hace unos años. La crítica se la dejo a todos aquellos que pagaron una entrada para ir al matadero y hacer sangre del toro tejano. Están en su derecho de sentirse decepcionados pero nadie les obligó a ir. A buena hora se arrepienten. No pensaron ni por un momento en lo que debería estar sufriendo la otra persona, el enfermo y dolorido guitarrista de blues y rock que prefería arrastrarse por los aeropuertos europeos de país en país y de pueblo en pueblo antes que mecerse en soledad en el porche de su hogar natal esperando la jodida muerte. Por eso murió en Zurich a los 70 años y no en su rancho de Texas. Conocerás pocos valientes así. Yo elegí quedarme en casa y pinchar Rock and roll hoochie koo hasta la saciedad, ese fue mi tributo al Albino de Oro. Al éxtasis le siguió una impresionante actuación en dvd del año 1979 en el programa Rockpalast. Ese es el Winter que nos llevaremos a la tumba. El virtuoso bluesman al que BB King cedió su querida y célebre guitarra Lucille en un garito de Beaumont para que la arañase a su antojo, el legendario guitarrista que dejó su sello en Woodstock y cuya técnica llegaría a equipararse con la de maestros a la altura de Muddy Waters o Jimi Hendrix. Hablamos de la creme dela creme de las seis cuerdas. El más blanco de los bluesman blancos, el referente de un estilo pionero de blues eléctrico cien por cien enraizado en el Sur, sonido que más tarde proseguiría su evolución en vaqueros como Stevie Ray Vaughan o ZZTop. Hay quien sostiene la teoría (sensibilidad patriótica) de que Winter representaba la esencia del blues americano ante la imparable avalancha de blues británico comandada por Clapton, Mayall, y cía. Menuda idiotez. Dar y recibir, de eso se trata. De eso, y de enseñar tu estilo e influencias musicales al mundo entero. Alzo mi jarra de cerveza y doy una calada a este habano por tí, amigo Johnny. Allá donde vas no necesitarás afinar tu guitarra....Rasgala en paz.

miércoles, 13 de agosto de 2014

ORGULLO DE LLAMARSE HARRY DEAN STANTON


 HARRY DEAN STANTON: PARTLY FICTION (Documental emitido por Canal +)
Como no amar a Harry, a Travis. Porque ambos, persona y personaje, son el mismo ser. Un ente sensible, vulnerable, que abre su corazón al espectador y le deja hurgar en los espantos de su alma. El Travis de París Texas (Win Wenders, 1984) no deja de caminar, no puede. Igual que el Harry actor, no encaja en ningún sitio, no sigue un orden. Algo lo empuja a vagar errante y marginal por la vastedad del desierto. No necesita contar su historia, su rostro, su mirada, 58 años de vida lo expresan todo.
Como no amar a todos los Harry Dean Stanton de este cochino mundo. Forajidos salvajes, rebeldes orgullosos, legendarios indomables con hígados de hierro. Seis décadas de cine a cuestas y más de 200 rodajes en el saco. Como secundario de lujo fue testigo en primerísima persona del mejor cine estadounidense de siempre. Harry es un gallo de pelea que en los dorados años del New Hollywood cabalgó y 'disparó' con Jack Nicholson y Marlon Brando por Missouri (Arthur Penn, 1976), gamberreó al lado de Dylan, Kris Kristofferson y James Coburn en Pat Garrett y Billy The Kid (Sam Peckinpah), se unió a la banda de Dillinger (John Milius, 1973), navegó con el octavo pasajero de la nave Nostromo (Alien, 1979)... y su careto indefenso se convirtió en presencia habitual del mejor cine de autor (Tavernier, Wenders..), del cine más raro e independiente (Sangre Sabia, Sonny....), de la serie B más molona (Repoman, Christine, 1997: rescate en New York,...) y así hasta el infinito, aportando su granito de arena en cualquier género cinematográfico que le reportase ingresos con los que pagar juergas, vicios, alcohol, tabaco y mujeres, muchas mujeres.
Como no amar a Harry Dean, me repito. Pregúntale a David Lynch porque le ofreció trabajo en 6 de sus películas; otro tanto a Coppola (3), John Carpenter (2), John Millius (2), Scorsese, Sean Penn... Todos antepondrán la persona al actor, te hablarán del hombre que trabaja de sol a sol, del tipo tímido, solitario y poco hablador que si tiene que abrir la boca es para dignificar la palabra, decir lo justo y necesario en el momento preciso, dar una calada a su cigarrillo y guardar silencio mientras el 'filosófico apunte' descansa en el aire. Sincero y noble en sus actos y pensamientos. Todos a su alrededor te dirán que es un honor ser amigo del amigo Harry. Lo mismo susurrará el camarero que lleva cuarenta años sirviéndole copas en el mismo bar. Debbie Harry (Blondie) le dedicó una canción y llegó a conocerlo intimamente, élla te dirá que Travis hace pequeñas actuaciones por los alrededores de Kentucky con su banda "the Harry Dean Stanton Band" y que te cantará viejos clásicos si tú quieres. Tennessee whiskey, Danny Boy....son temas para sobrellevar el camino, elegidos salmos de despedida silbados con la voz marchita del ultimo y genuino actor sobre la faz de la tierra. Y llegará el día del juicio, y Harry no se arrepentirá de nada. El cine seguro que de muchas cosas.
 "Es un alivio no ser nada" (palabra de Harry)


viernes, 8 de agosto de 2014

MONDO NEW YORK. Tinta, celuloide y esquelas de rock&roll.


¿Qué se cuece en nuestra metrópoli favorita? Pues cosas muy lirondas, como veréis. La guarida volcánica escupidora del más guarro y genuino punk-rock, el documental más cafre y transgresor, la literatura más junkie y canalla, el cine de autor más nihilista, independiente y rebelde posible, sin olvidar la calaña de famosos gangsters, chulos, locutores radiofónicos, polis corruptos, transexuales, periodistas, amas de casa, taxistas, camellos, productores, abogados, brokers, mafiosos, showgirls, púgiles y demás séquito de ciudadanos ilustres de la colonia neoyorquina, presenta una febril actualidad. Digamos que son varios los focos de interés tumbero que nos llevan a darnos un garbeo por La Gran Manzana. Se ofician funerales, se estrenan películas, se preparan documentales, se presentan discos y libros relacionados con la ciudad que nunca duerme y eso es motivo de sobra en esta casa, siempre. New York calling!!




-Cuando todavía escuece la muerte de Gerry Goffin (11 Feb. 1939; 19 Jun. 2014), genial letrista de Brooklyn que escribió temas inmortales de la historia del pop para, entre otras, brillantes voces como la de Carole King (ex mujer del finado), Eric Burdon, Rod Stewart, Bobby Vee o Aretha Franklin, todo un neoyorquino de leyenda al que nuestro querido maestro radiofónico Juan de Pablos honró el día de su fallecimiento en su mítico programa "Flor de pasión" (emitido en Radio3) como solo él podía hacerlo: con emotividad, respeto y agradecimiento, Nueva York se despierta un 12 de Julio conociendo que los RAMONES, una de las bandas de rock más emblemáticas que hayan surgido jamás de las cloacas de esta city, ya no tienen quien le sostenga el mito. Tommy Ramone (Thomas Erdeyi, 1949-2014), fundador, mánager, baterista, productor, 'arquitecto' del sonido ramoniano y 'hemano' mayor (sin duda el miembro más "normal" de una de las familias más disfuncionales de la historia del rock), el último chamán original del clan Ramones (Marky fue solo un "parche" que sigue sacando réditos por ahí sin vergüenza alguna), ha sido borrado de la faz de la tierra por un maldito cáncer que le afectaba al hígado. Al grito de "Hey, ho, let's go" lloran en Queens al equilibrado, visionario, consejero y creativo músico que juntó los mimbres para crear a la banda definitiva de nuestras vidas. Va por usted, señor Blitzkrieg Bop.

-Las noticias relacionadas con los Ramones no acaban aquí. Aprovechamos para notificar que el primer álbum de la banda ¡ha llegado a disco de oro: 500.000 unidades vendidas!, saber 38 años después lo que ya era una evidencia en el negocio de la música (el impacto cultural de los Ramones es imposible de computar por el numero de discos vendidos), no deja de causarnos cierto estupefacto, cierta (maldita)gracia. La última aportación de verdadera relevancia respecto al nutrido universo ramoniano nos llega en forma de caldosa biografía post-mortem: Commando, de Johnny "punky ruín" Ramone, y recién traducida por Malpaso. No fue el guitarrista un tipo querible. Mis gustos situan al majadero y kamikace Dee Dee y al bicho raro de Joey muy por encima del ultraderechista, xenófobo, autoritario y antipático Johnny. Ver a los cuatro juntos en un escenario era otro cantar. Aquellos zoquetes en chupas de cuero, tocando a piñón fijo, destilaban cultura basura estadounidense a raudales. Nadie, ni radios, ni productores, fueron capaces de diluir su mágica fórmula, pero sí de imitarla. Los orígenes de la banda, sus canciones colosales, sus personalidades freakis, las anécdotas circenses y todo lo que rodea a los Ramones es uno de nuestros temas favoritos  en este cochambroso fanzine y jamás nos cansaremos de éllos. El libro aportará renglones de gamberradas, mosqueos, trifulcas, golosinas y catatónico punk-rock al lector que se preste. No lo duden.

-Y de las aceras de Forest Hills saltamos a los suburbios de Manhattan, concretamente al tugurio del CBGB, sito en el East Village neoyorquino, el mítico local regentado por el llorado Hilly Kristal en el que los dichosos Ramones y otras bandas pioneras del punk-rock dieron sus primeros batacazos. El motivo no es otro que asistir al estreno de la película CBGB (Randall Miller, 2013), film que pretende biografíar dicha escena. y qué, una vez más, cae en la trampa de confundir política y ficción con realidad y anarquía, perdiéndose así una oportunidad única de rendir un tributo a la altura de la leyenda. Tan afamado local se merecía algo mucho mejor, pero que vamos a pedir al cine de Hollywood cuando las autoridades locales y la industria musical entera no hizo nada por impedir el cierre y posterior demolición del CBGB. Vale, siempre es un 'placer' rememorar la mamada que Stiv Bators (Dead Boys) le hizo a Iggy en los sidosos baños del garito, saber que el pulgoso perro de Hilly tenía total libertad para husmear y defecar por todo el local, o que una banda de motoristas chungos tenían barra libre por decreto de ley (estaban allí antes de que llegaran los jodidos punks y habían "ayudado" al dueño en un problemilla con la mafia del barrio). Ahí se terminan las expectativas: Los jóvenes actores nunca dan la talla embutidos en papeles estereotipados hasta la ordinariez, la banda sonora son 'solo' versiones de los originales (está de moda no pagar derechos de autor), Ah! y los New York Dolls y Wayne County no aparecen por ningún lado. Si alguien sale bien parado en el film este es Hilly Kristal, el film debería titularse "El bar de Hilly" y la cosa hubiese funcionado mejor. Demasiada dinamita para tan poca mecha. Aún con todo, guardamos la cinta en nuestra videoteca.

-Una de las voces más críticas con la película del CBGB ha sido la de Debbie Harry (Blondie). La maravillosa cantante y bella mujer se quedó disgustada tanto como nosotros, bueno, mucho más. La artista, que recientemente estrenó un nuevo trabajo discográfico: Ghost donwload (2014), es una testigo principal de aquella escena vivida en N.Y. hacia mediados de los 70 y como es lógico no comparte toda esta farsa. Mencionamos el nombre de Blondie porque se da la casualidad de que con suerte se esté preparando un documental biográfico sobre la vida de la rubia cantante y los músicos que le ha acompañado a lo largo de su dilatada carrera, hablamos como no de Chris Stein y Clem Burke, miembros originales del grupo Blondie y tan importantes en la historia del rock como lo es la figura de Debbie. A buen seguro tendremos oportunidad de conocer la realidad tal como fue. Esperamos impacientes el proyecto Blondie.
- Y ya que estamos con el celuloide de La Gran Manzana a cuestas, sería un error no recomendarles la última obra maestra del temperamental cineasta neoyorquino JIM JARMUSCH. Se titula "Only lovers left alive" y encaja perfectamente en esta revista. Jim es un artista en plena madurez, un rebelde y tenaz individuo a contracorriente que no teme al ridículo. Aquí se destapa con una rara película de vampiros lynchianos, filosofía rockera, anarquía visual y desmitificaciones literarias. Tuvimos que esperar 6 años, pero mereció la pena. Nuestro cinemusicólogo favorito está de vuelta. Brindamos por ello.
- Para finalizar este garbeo por la Gran Manzana  -mientras escuchamos en nuestro tocadiscos el sensacional último trabajo del septuagenario vecino Garland Jeffreys (Truth Serum,2013)- decir que otro neoyorquino peculiar que lleva por bandera el nombre ABEL FERRARA se ha vuelto a meter en la boca del lobo una vez más. Su peli sobre el affaire sexual violictivo de un mecenas y banquero francés ya es un escándalo como lo fue en la realidad. Todos sabemos de quien estamos hablando ¿verdad?. A ver como acaba la cosa. Grande Ferrara, siempre rodeado de polémica.




domingo, 3 de agosto de 2014

PAPELES: "ARTE SALVAJE". Una biografía de Jim Thompson

Digamos que muy poquitos mortales deciden (o se les está permitido) convertirse en escritores de culto pasados los 46. Lo inusual es que esto suceda, y llegado el caso, uno dificilmente se imaginaría que su obra acabase consagrada en lo más alto de la literatura noir más marginal y salvajemente auténtica de la noche a la mañana. Pero pasó. Jim Thompson se pasó esta lógica por los forros. A saber qué explosionó en la mente de este cuarentón de Oklahoma antes de aquel otoño de 1952, pues en los 19 meses siguientes escribiría 12 novelas, entre ellas, futuros clásicos del género como El asesino dentro de mí, La mujer endemoniada, Un cuchillo en la mirada o 1.280 almas. Si desean aclarar el misterio del escritor tardío no tienen más que leer la sorprendente biografía titulada ARTE SALVAJE (Es Pop, 2014) firmada por el bostoniano Robert Polito, estudioso fan del añorado Thompson y que dedicó más de media vida a la realización de este trabajo biográfico perfectamente sentido, documentado y (re)construido. El libro perfecto para sumergirse en los profundos confines del macerado universo Thompson. Un universo en los que los supuestamente héroes, los aparentemente buenos, resultan ser los más villanos. El libro de Polito es la escusa que tenemos para hurgar en la herida de un ser atormentado, palpar el dolor y la amargura de su alma y ahumarse en sus fantasmas personales. Página a página el lector se zambulle en el interior del forajido artista, de sus fantasías, descubre el pasado de aquel 'fuera de la ley' que no encajaba en ningún sitio, del niño de infancia arrebatada al que el recuerdo de su odiado padre perseguiría el resto de sus días.

domingo, 27 de julio de 2014

TUMBADOCUMENTAL: A BAND CALLED DEATH. El amanecer de una nueva especie

Fascinante. Situémonos. Detroit, 1973. Tres hermanos de color, gamberrillos descarriados del soul, rinden pleitesia al muro sónico de unos británicos que se hacen llamar The Who y se cuelan en conciertos de Bob Seger. Mientras todos los 'hermanos' de piel oscura que se abren camino en el negocio musical en Detroit aspiraban a seguir los pasos de las Supremes, los Four Tops y similares paisanos bronceados al sol/son de la Motown, los hermanos Hackney soñaban -y sonaban- con ser estrellas del Rock'n'Roll. Las imágenes y testimonios del film A BAND CALLED DEATH (Mark Covino, Jeff Howlett. USA; 2010) dan buena fe de que los tres lo intentaron con ahínco. Pero, ni les ayudó el nombre que le pusieron a su banda: Muerte, ni la música que tocaban y con la que pretendían conquistar el mundo, un innovador y duro sonido proto-punk iluminado con la actitud rebelde y reaccionaria de su carismático líder David Hackneyel, desaparecido guitarrista, compositor y mánager de la familia Death. Esta película es la historia de un descubrimiento. El amanecer de una nueva especie animal que se creía extinta. El rescate de las grabaciones originales de este poderoso trío pionero del punk y el hardcore moderno es una estimulante noticia para la manada de lobos tumberos sedientos de jugosas aventuras y fábulas rockeras a las que hincarle el diente.
En su momento resaltamos recientes y similares trabajos  como  Searching for Sugar Man o Last Days Here, films emparentados con este A Band Called Death en lo que parece viene a ser el nacimiento de una nueva corriente dentro del cine docu-musical. La clase de trabajos cultomentales, estudios arqueólogo-musicales que han calado hondo en la redacción de esta revista, tanto, que ya son clásicos imperecederos de nuestra colección maníaca. Artefactos que arrancan altruistas carcajadas, asombros varios y alguna que otra lagrimilla de felicidad, además de aportar nuevas canciones al repertorio de nuestras vidas.

sábado, 12 de julio de 2014

IN MEMORIAM: MEJOR MUERTOS QUE OLVIDADOS. Obituarios para gente tumbera

BOB HOSKINS (1942-2014).
EL MALEANTE VULNERABLE DE IZQUIERDAS...
Que no te engañen Roger Rabbit, Super Mario ni el capitán Garfio. El Hoskins más memorable -sin restar méritos al don de la versatilidad- dormía bajo semblantes de embrutecidos gangsters capaces de desatar amarga ternura en el espectador más curtido (El largo viernes santo; 1980). El Hoskins soberano se dejaba arrastrar por la pasión y conducía limusinas para prostitutas de lujo (Mona Lisa; Neil Jordan, 1986). El actor al que lloramos se merendaba a figuras star-system (Mikey Rourque en Requiem por los que van a morir; 1987) robandoles planos con mucha más naturalidad que su colega Danny DeVito. El rechoncho, bajito y alopécico norteño inglés, hijo de una maestra y un camionero, curtido en teatros de pueblo, trabajó siembre a su bola y se ganó un lugar en la historia de los grandes actores de reparto (o secundarios), con dos cojones. Esta revista chusquera le agradece su intensa mirada por siempre. Descansa en paz, maleante.

PAUL MAZURSKY (1930-2014).
A la sombra de su amigo y vecino Woody Allen vivió y murió, pero muy poca gente tiene conocimiento de como sobrevivió Paul Mazursky en la Babilonia del cine norteamericano. Era de Brooklyn y también era judío, sí. El neoyorquino igualmente fue responsable de guiones originales propios (Próxima parada, Greenwich Village, 1976), para terceros (Peter Sellers se benefició de ello), construyó un nuevo estilo de 'comedia seria' que hoy conserva toda su socarronería (Una mujer descasada, 1978), actuó a las ordenes de Kubrick (Fear and Desire, 1953) o Brian De Palma (Atrapado por su pasado, 1993), incluso le vimos en celebrados caméos en un par de capítulos en la superserie de culto Los Soprano (foto). Desde aquí queremos despedir como se merece a este intimista cronista de la sociedad, capaz de apelar a nuestros sentimientos cinemaníacos en films tan desapercibidos como ejemplares. Títulos como Harry and Tonto (1974), un canto a la libertad en clave de road movie sobre la tercera edad y, posiblemente, la obra maestra del director, o Winchell (1988), un trabajo menor para televisión que narra la vida de un periodista que se busca problemas aireando los trapos sucios de los famosos, firmas personales que confirman el respeto que sentimos hacia esta clase de currantes cineastas 'de segunda fila', olvidados de su propio gremio. Paradojas del cine, acordarse de que los 'humildes actores' de estas dos últimas películas mencionadas (Art Carney y Stanley Tucci, respectivamente) lograron sendos premios por el mérito de sus interpretaciones (Oscar y Globo de Oro, por este orden), criterios de valor que jamás obtuvo el 'generoso' director y guionista en toda su carrera. R.i.P.

SCOTT ASHETON (1949-2014).
La influencia y el legado sonico de los STOOGES en la historia del hard rock alcanza dimensiones galácticas, sin discusión alguna. Los acólitos de La Iguana, del Detroit Rock, del high energy proto-punk, y de toda esa maraña de furiosos y transgresores ritmos vandálicos surgidos en el mundo entero a raíz de los tres primeros discos de la banda de Michigan (Radio Birdman, Union Carbide Productions,..) entenderán lo que sentimos por la desaparición del último Asheton (su hermano Ron, guitarrista crepuscular, falleció en 2009). No digamos ya, lo que significa esta pérdida para Iggy Pop. Aunque durante largo tiempo Iggy no quiso reconocer la importancia que tuvo la familia Asheton en su música y en el devenir de su legendaria carrera, lo cierto es que acabaría por rectificar tamaño error. No podía ser de otra manera, el batería fue pieza fundamental, al igual que lo fue la guitarra de su hermano Ron, en la creación de un rock machacante e hipnótico, un sonido denso y punzante, afilado como cuchillas, ondas moleculares que acaban por explotar en tu cerebro. Y no hablamos solo de pertenecer a los Stooges (aunque bastaría), por suerte disfrutamos de su talento en algunas de las bandas de culto más relevantes de esta revista: Sonic's Rendezvous Band (al servicio de otro monstruo 'motorcity5'), Destroy All Monsters (un grupo a redescubrir y reivindicar), Sonny Vincent... Se va pues, un mito, un rockero auténtico. Aunque mucho me temo que ésto a casi nadie le importe una mierda.
 (Gracias genio, por aquella tardenoche que me ofreciste con tu banda de toda la vida en Vitoria. Un momento especial que no tengo palabras para explicar y que me llevaré conmigo a la tumba)





viernes, 4 de julio de 2014

DOCUMENTAL CHACHI DE NASCHY. "EL HOMBRE QUE VIO LLORAR A FRANKENSTEIN"


Al final se hizo justicia con PAUL NASCHY, alias de Jacinto Molina, el más prolífico creador de cine fantástico en España. La amargura de ser ninguneado durante décadas por los críticos sesudos de turno en su propio país contrastaba con la tremenda pasión que levantaba en sus multitudinarias sesiones de firmas y autógrafos a su paso por EE.UU., Alemania o Japón. Satisfacción por el deber cumplido. El documental que rinde tributo al singular director, guionista y actor español se lanzó con el precioso título de EL HOMBRE QUE VIO LLORAR A FRANKENSTEIN (Angel Agudo, 2010)  y narra (Mick Garris, director de Critters 2, es el conductor de la historia) con compromiso y rigor la vida e inabarcable carrera de nuestro actor de culto. Entendidos, grandes aficionados y gente importante del gremio (Joe Dante y John Landis entre otros) han caído rendidos al trabajo de Paul Naschy como dejan claro las imágenes de este documental. Fueron más de un centenar de largometrajes, jaleados por una legión de fans sordos a las malas críticas y a las reseñas desalentadoras que poblaban las revistas de 'cine serio', en los que dejó su impronta este atávico maestro del fantasterror patrio. Además de todos aquellos emblemáticos monstruos del terror, mad doctors, y demás inmisericordes, malditos, dominantes e incontrolables personajes que le hicieron famoso (y que Don Jacinto interpretaría desde sus inicios hasta su muerte: Frankenstein, Jack el Destripador, Dr. Jekyll, El jorobado de la morgue, el conde Drácula, El Hombre Lobo ...), encontramos en el grueso de su filmografía un compendio de tropelías y constantes vitales a destacar: Racionalidad científica, teorías de la autodestrucción, teatralidad, alquimia, paganismo, la fuerza destructiva de la naturaleza, pesimismo realista, el ansia de la dominación, la diferencia entre lo aparente y lo real (Eros-Thanatos), la muerte, el fracaso ... Todo un erudito en favor de la ciencia nuestro Waldemar Daninsky. Mariscal del Infierno que observó la vida, la existencia, con bastante crudeza, y que luego supo impregnar su propia personalidad, o cómo él veía las cosas, a los argumentos de sus películas fantásticas.

No se lo pierdan.

sábado, 28 de junio de 2014

Punk-Rock Nacional: DE LAS CENIZAS DE "LA PERRERA"... AL NUEVO CATECISMO DEL SEÑOR NO


Odiosa pero inevitable, es la comparación entre Nuevo Catecismo Católico y Señor NO, dos de las bandas más grandes que nos ha dado la maltratada escena estatal del punk-rock cantado en castellano. Si bien nacieron articulados dentro de una misma franqueza, al abrigo de unos mismos gustos y valores musicales (que no por aceptados son obligados y necesarios; o al menos así lo creemos los que confeccionamos este abochornado fanzine) que dejan al descubierto numerosos puntos en común, también sus discos y el paso del tiempo han puesto de manifiesto las diferencias entre los dos grupos. El embrión que hizo posible la eclosión de ambas formaciones norteñas en el panorama del rock huracanado nacional (e internacional) se originó allá por 1987 en los locales de Buenavista, cuartel general del mejor punk-rock donostiarra, y llevaba por nombre LA PERRERA. Tomando como modelo la actitud y agresividad de reconocidos grupos protopunks de la escuela Detroit (MC5, Stooges..), el high-energy aussie (Radio Birdman, The Saints...), y exprimiendo al límite la fórmula mágica ramoniana en canciones que transportaban a uno al mismísimo y andrajoso CBGB en pleno 1976, Gonzalo Ibáñez(voz), Arturo Ibáñez (guitarra), Xabi Garre (guitarra y voces), Mikel Serrano (bajo) y Jimmy Díaz (bataca)(también ocuparía este asiento Edorta Etxeberría) lograron convertirse en una tonificante y autentica rareza, en un vandálico combo rockero al que pocas bandas hacían sombra en este mierdoso país. Así, chapoteando en sonidos crudos, veloces y gamberros fue como los hijos bastardos de LA PERRERA  se labraron una reputación de grupo de culto, a pesar de un corto legado musical (que comprende una demo con 6 temas, un EP -"Romperlo Todo", de 1990-, y un mini LP -"Right side of our minds", de 1991-) que, y hasta día de hoy, influiría y marcaría a toda una generación de inefables bandas punk ibéricas por las que sentimos debilidad en las perreras y cloacas de AtumbaAbierta (Discípulos de Dionisos, Torazinas, Cerebros Exprimidos, Pleasure Fuckers, Sin City Six, The Safety Pins...). Tras la escisión de los de Buenavista en 1993, el punk cortante de febriles guitarras asesinas y endiablada solidez rítmica tendría continuación asegurada. De las cenizas de La Perrera nacerían dos legendarias bandas. Milagrosas, cabría anotar. Pues a día de hoy, décadas después, NCC y Señor NO continúan creciendo y dando caña, a su bola, sobreviviendo y sobreponiéndose a los tiempos duros que les/nos ha tocado vivir. Sirva pues esta entrada tumbera para recuperar -y dejar en el lugar que se merecen-los dos discos debut de ambas formaciones perras. Zambombazos que a día de hoy siguen excitando como a la primera escucha. Descargas de frenesí juvenil, sin contaminar. Con el tiempo llegarían canciones y trabajos más sólidos y festejados, de eso no cabe duda. Pero estos dos cautivadores títulos supusieron el punto de partida, tanto para éllos, como para muchos de nosotros. Si todavía sigues subestimando el punk-rock 'cantado en español'... Estos títulos son para tí.

NUEVO CATECISMO CATÓLICO (ídem. Sello Goo, 1994)
Sin presión de ningún tipo, grabado totalmente a su aire, sin comprometerse con nadie salvo con el catecismo del rock'n'roll más inmediato, salvaje, subversivo y peligroso posible. No se trata de buscar influencias, renovar estilos ni convencer a nadie. La vitaminada declaración de principios de NCC es simplemente escupirte en la cara que el punk no ha muerto, chaval. Y si no te lo crees, no tienes más que convencerte con esta huracanada bacanal de hardcore-punk vitriólico del que jamás renegarán. Los insobornables hermanos perreros Ibáñez, Gonzalo y Arturo, forman el eje central sobre el que gira el sonido y el compromiso existencial del cuarteto donostiarra. Son tan libres, se sienten tan libres, que veinte años después su debut siguen sonando a gloria maldita. Con compromisos de esta guisa ¡A la mierda la fama!


SEÑOR NO (ídem. Sello No Tomorrow, 1995)
Xabi y Mikel fueron la otra pareja perruna que labraron pedregoso camino en el punk-rock tras la disolución de la susodicha banda madre . El discurso es el mismo que profesan sus paisanos y ex-colegas de NCC: nihilismo cromático, letras que hacen referencia al cine de serie B, a la velocidad, la violencia, el aburrimiento, el morbo, la libertad ...; el protagonismo de las guitarras, una solidez y cohesión interna inquebrantable, las influencias del hard rock setentero o la profundidad de unos temas brillantemente definidos... Pero también hay diferencias, claro. Y estas radicarían en las preferencias de Xabi (atención: adicto lector de Bukowski) por el rock de espesa densidad molecular, y, en particular, por la manera 'oxidada' de cantar del de Buenavista (nunca fue ni será un gran cantante pero nadie le puede negar que su estilo es personal y no copia a nadie, ideal para esa clase de pose y lírica). La clave está en composiciones como "Prefiero verte" o "Amantes del dolor", claros ejemplos de la majestuosa evolución que le esperaría al grupo norteño, sobretodo al entrar a formar parte de la banda Imanol y Andoni, guitarra y batería respectivamente en la gran etapa dorada del grupo (el cénit lo marcaría el discazo "Siempre te diré que no", 2002), así como en el posterior renacimiento que tendría la banda tras la estampida de aquellos (Roy Loney en el orizonte). Pero ese es otro cantar... 

sábado, 21 de junio de 2014

SEXPLOITATION: LAS REINAS OLVIDADAS DEL PÉPLUM (I)


En medio de todas aquellas ancestrales fantasías hero(t)icas, sangrientas batallas, ejércitos colosales, catástrofes bíblicas, homéricas odiseas, monstruos mitológicos, escenarios paganos, extravagantes decorados de cartón piedra, estética kitsch y demás popurrí temático de profusa inexactitud histórica y épica de saldo que dieron forma a ese circense género cinematográfico al que los franceses denominaron péplum (aunque de pequeños nos referíamos a él como cine "de romanos", independientemente de estar protagonizado por griegos, egipcios, tártaros, sarracenos, mayas o cualquier otro pueblo de la Antigüedad), sobresalen las mujeres atómicas que dan lustre a este afrodisíaco reportaje.
Acompañando al forzudo Hércules, al rocoso Maciste, a los legendarios Ursus, Ulises, Leónidas, Sansones demás titanes musculosos embutidos en minúsculas armaduras, mallas y túnicas encarnados por estrellas de gimnasio como Steve Reeves, Gordon Scott, Mark Forest, o Kirk Morris en viejos films manufacturados por los Francisci, Bava, Tesari, Harryhausen, Fredas y el resto de nombres propios que dieron fuelle al infame y delicioso cine Péplum allá por la década de los 50 y 60, encontramos a una serie de exóticas bellezas femeninas a las que queremos rendir nuestro más hirviente tributo.

De no ser por la presencia devastadora de estas féminas deslumbrantes en dichas y delirantes pélis "de romanos", el éxito y la gracia de éstas últimas hubiese sido bien distinta. A continuación enumeramos con vicio y frenesí un buen puñado de las más deseadas y majestuosas, superdotadas, bizantinas y mesopoatómicas actrices de la era Péplum. Prepárense a conocer gladiadoras, sacerdotisas, emperatrices, diosas, semi-diosas, reinas crueles, institutrices, pitonisas, danzarinas gitanas, voluptuosas esclavas, arqueras bárbaras, virginales princesas y demás macizas fierecillas domadas del harén tumbero.... ¡¡Por Zeus, cómo las queremos!!


CHELO ALONSO (1933- 2... ).-

¡Toma caderas! La cubana -de adopción italiana- es sin discusión alguna una de las Reinas Mayores del género. Estaba rebosante de sensualidad como Tania, la reina jefa de un clan tátraro en La regina dei tartari (Sergio Grieco, 1960); tiraba de bravura, romance y poder de seducción al lado del mazas de Steve Reeves en aquella aventura de mamporros, grilletes y aceite romano titulada El Terror de los bárbaros (Carlo Campogalliani, 1959); se lió con Maciste para que el supermacho diese buena cuenta de colosos, gigantes y cíclopes en dos de sus más descerebradas contiendas: Maciste nella terra dei ciclopi (1961) y Maciste nella valle dei re (1960). Y por si esto fuera poco, esta bella diva iberoamericana dejó para el recuerdo uno de los bailes más calientes, exóticos y provocativos de la época dorada del cine péplum, en la algo limitada -pero entretenida- cinta  Bajo el signo de Roma (Guido Brignone, 1959). Dicho artefacto bilirrubínico tenía como actriz principal a otra de las mujeres atómicas favoritas de esta revista, Anita Ekberg (Zenobia), lo que no fue impedimento para que el nombre de nuestra Chelita Alonso -y su fulgurante danza del vientre- figurase como el mayor reclamo publicitario de la película, incluso más que el de la rubia actriz sueca.


GIANNA MARIA CANALE (1927-2009).-

Suculento manjar de dioses. Otra soberana fémina, bella, lasciva y misteriosa, arrojada al populacho romano en arqueológicos péplums disfrutables. Desde Corinto a Cartago legiones de bárbaros y patricios suplicarían latigazos por su pérfida hiel. La deslumbrante Miss Italia de 1947 fue esclava en los brazos cachas de Espartaco (Riccardo Freda, 1953) y repetiría franquicia en El Hijo de Espartaco (Sergio Corbucci, 1963). Conocidas son sus desventuras como plebeya emperatriz de Bizancio (Teodora...; Riccardo Freda, 1954); esclava cartaginesa (Esclavas de Cartago; Guido Brignone,1956); como malvada princesa Amira (La rebelión de los gladiadores; Vittorio Cottafavi, 1958)... Siempre atizando leña al personal y creando no pocos quebraderos de cabeza al Hercules y Maciste de turno (Steve Reeves y Gordon Scott, respectivamente) o al héroe en chanclas y taparrabos que tuviese la fortuna de cruzase en el camino de tan espartana hembra.


Continuará...

lunes, 16 de junio de 2014

EL ARTE DE LA FUGA (1). HOUDINI Y SUS OTRAS DOTES


Harry Houdini (1874-1928) ha pasado a la historia como el más grande escapista de todos los tiempos. El húngaro que se hacía atar de pies y manos con esposas, cuerdas, cadenas, candados o camisas de fuerza, colgado boca arriba o boca abajo de grúas o dentro de recipientes líquidos, siempre se las apañaba para escapar. Incluso las veces, que de esa guisa, lo lanzaban de un puente a las frías y profundas aguas de un río o bahía. O a las cataratas del Niágara. Capaz de aguantar la respiración durante varios minutos, Houdini arriesgaba su vida en cada número que ensayaba, todo con tal de ofrecer a su numerosa audiencia el mayor espectáculo de sus vidas. Teatrero por vocación, el magiar empezó curtiéndose como contorsionista y trapecista y se consolidó como mago de naipes antes de ambicionar logros más arriesgados, sorprendentes y exclusivos en el temerario negocio del escapismo, en esos trucos artísticos que tanta gloria le proporcionarían.
"El Bidón de Leche", "La Cámara de tortura China", "La Metamorfosis"... son algunos de los números maestros que hicieron grande al rey de la fuga. Gracias al éxito mundial de semejantes retos titánicos se llegaron a filmar series, documentales y películas en su honor: El Gran Houdini (1953); Cremaster (1999); El Truco Final (2006)... Existen igualmente numerosos libros sobre su persona, ensayos y biografías que aportan nutrida información al universo Houdini (La Caja de Houdini; Houdini el Rey de las Esposas; Como Hacer Bien el Mal....) y que nos descubren aspectos relevantes de su vida más allá de sus legendarios logros evasivos: su lucha y rechazo a todo lo que tuviese que ver con el espiritismo y los médium; su enemistad con el escritor Arthur Conan Doyle; su misteriosa muerte (tras fallecer, parece que de peritonitis, recibiría sepultura en el mismo ataúd en el que hacía su celebrado número del 'enterramiento vivo')... Y es en este punto donde uno descubre las múltiples y sorprendentes facetas de nuestro héroe huidizo. Porque además de retar a la muerte encerrado en baúles o urnas de cristal recolectando fama y dinero en medio mundo Houdini también fue un consumado actor, productor, director de cine, pionero de la aviación (sería de los primeros en sobrevolar Australia), agente secreto (sic.) y escritor de ¡9 libros! (amén de reunir una biblioteca personal con cerca de 10.000 volúmenes relacionados con la magia, el espiritualismo y la esotería). Uno de esos libros que escribió se titula "Traficantes de milagros y sus métodos. ( 1920)" (editado recientemente por Nórdica e ilustrado por Iban Barretenexea) y, de entre uno de tantos increíbles personajes a los que hace referencia Houdini en sus páginas, nos encontramos con el nombre de Ivan Ivanitz Chabert (1792- 1859), cuyas hazañas en el arte de la fuga relataremos en una segunda entrega a tumba abierta.


miércoles, 11 de junio de 2014

GALERIA DE ILUSTRES ROCKEROS. ¿Existe vida más allá de la ALICE COOPER BAND?


"Mucha gente piensa que yo toqué la batería para Alice Cooper, el artista, y esa no es la verdad.
 Todos éramos miembros de una banda en la que el cantante era Vincent Furnier"
(Neil Smith)

Olvidados por la historia los antiguos camaradas de Vincent Furnier son noticia por primera vez en muchísimos años. Desde esta guarida cochambrosa queremos rescatar del abandono y el olvido más injusto a la formación original de aquella mítica banda liderada por Alice Cooper a principios de los 70. Neal Smith (bataca), Dennis Dunaway (bajista en la Alice Cooper Band), Glen Buxton y Michael Bruce (guitarristas) son los miembros fundadores de los que les hablamos. Durante el periodo 1971-1973 compusieron un puñado de discos relevantes que hoy son clásicos del rock (Killer; School's Out; Billion Dollar Babies..) por mucho que se empeñe Vicente "Mr. Nice Guy" Furnier en negar firma, valor y crédito al trabajo de estos tres señores. A excepción de Buxton (muerto en 1997) el resto de la banda original continua resistiendo, vivitos y coleando, en plena forma pese al paso de los años. Si el bueno de Alice Cooper decidiera reunir a sus viejos amigos hace mucho que hubiese recuperado el talante y la chispa perdida. Pero en vez de buscar el disco definitivo que le redima con el Rock&Roll lo único que parece preocupar a este señor es girar y girar en un "never ending tour" que resulta de lo más triste y monótono (eso, y preparar un esperado disco de versiones de Hendrix, Lennon, Morrison, Moon y algún que otro amigo de renombre fallecido hace tiempo). Allá él con sus decisiones, está en su derecho. La noticia, en todo caso, y tras haberse cumplido el cuarenta aniversario del disco y gira de Billion Dollar Babies (1973) sin atisbos de que la reunión soñada por todos los tumberos se lleve a cabo, pasa por resaltar el buen momento que atraviesan los antiguos compañeros (o al menos dos de éllos) de Mr. Furnier,que sin lugar a dudas están tocando su mejor rock en mucho tiempo.


  • NEAL SMITH. Hace meses que el veterano y genial batería de Ohio terminó de editar su segundo trabajo bajo el seudónimo de su álter ego Killsmith en territorio español, gracias a la colaboración del sello The Fish Factory. Si el primero, titulado Sexual Saviour (2008), sonaba excitantemente crudo y descerebrado, tanto que parecía haber sido grabado justo después de las sesiones de batería que compuso para el Beyond The Valley of 1984 de sus adorados Plasmatics, el más reciente Killsmith Two (2011), igual de furioso y descarnado, apuesta por un puro rock&roll de guitarras ruidosas y distorsionadas más allá de los esquemas del punk y el rock industrial plasmático que firmó en anteriores obras. Letras apocalípticas y ritmos turbadores para el nuevo milenio para demostrar que jamás debemos subestimar a un viejo perro rockero.
  • DENNIS DUNAWAY. Tampoco paró de girar y grabar en todos estos años. En los 80 formó parte de los Deadringer (con Neal Smith a la batería) y vagó entre diversos proyectos que no darían fruto alguno hasta que en 2007 Ian Hunter lo recuperó para la causa en su disco Shruken Heads. Ese mismo año lanzaría el primer trabajo en solitario de su carrera (Bones from the Yard), y al año siguiente la crítica recibiría entusiasmada el nacimiento de la superbanda Blue Coupe. El trío, que recientemente acaba de publicar un elegantísimo segundo disco ("Million Miles More, 2013), lo componen otros dos rockeros olvidados de pasado histórico: los hermanos Bouchard (Blue Oyster Cult), Andy y Joe (éste último ya fuera compañero de armas suyo en Deadringer). Bendito placer asistir al renacimiento de estos tres dinosaurios del rock y comprobar que el tesón y el talento dan sus merecidos frutos. Atentos a este grupo de abueletes.
  • MICHAEL BRUCE. De los tres killers el guitarrista es el que sigue más perdido y abandonado a su suerte. Se mudó de Arizona a México, y aunque sigue escribiendo canciones que merecen ser escuchadas su actitud da a entender que quiere desentenderse de todo y de todos. Su último disco en solitario "As Rock Rolls On" data de 1983 y pese haber lanzado algún Lp recopilando antiguas composiciones (la antología "Halo of Ice", por ejemplo) no publica nada nuevo desde hace años. El temazo "Well Hell Comes Home", incluido en el 26º álbum de Alice Cooper (Welcome 2 My Nightmare, 2011), es una de sus últimas composiciones y vislumbra a un genial músico que espera ser recuperado cuanto antes. Recemos por que llegue pronto ese día.

jueves, 5 de junio de 2014

TUMBADISCOS: "Going Back Home"(2014), WILKO JOHNSON & ROGER DALTREY


 -El frenético guitarrista Wilko Johnson (Dr. Feelgood) sigue desafiando a la muerte. Cuando hace meses nos hicimos eco de la gravísima enfermedad diagnosticada a uno de los más grandes, fieros y electrizantes hachas de la historia del rock sonaba a despedida. Difícil no ponerse sentimental en estos casos. Entre tanto han pasado varios meses desde la fecha límite vaticinada por los médicos (el plazo vencía en octubre pasado) y Wilko parece dispuesto a disfrutar en plenitud el tiempo que le quede de vida. Pero así están las cosas. Dado los fatales pronósticos de los galenos este "Going back home" suena a testamento ceremonial, a despedida definitiva en lo más alto. Si el valiente músico ha decidido marcharse sin lágrima alguna y al pie del cañón, debemos celebrarlo. Con un fervor solo reservado a las grandes leyendas, a los luchadores indomables, a los héroes con corazón de rock'n'roll, ha decidido dar largas al Diablo y tocar tanto como su salud se lo permita. Cualquier otro bastardo en su lugar se hubiese venido abajo ante la inminencia de la muerte. Nuestro ídolo, no. Así, directo a la yugular, se despacha en poco más de media hora un repertorio rotundo en infalible: R&B áspero -escuela británica- para regalárselo a todos los tumberos, pero sobre todo, a sí mísmo.
Puesto que la deseada colaboración con Wayne Kramer -otro gallo del mismo corral- no produjo los resultados apetecidos tras las probaturas del pasado verano (su admiración por MC5 era bien conocida desde que un jovencísimo Wilko compartiera escenario en 1972 con los de Detroit), decidió meterse en el estudio con el que fuera otro de los explosivos modelos de su infancia. Hablamos claro está de Roger Daltrey, cantante terremoto de los Who. Centrándose en sus años mozos con Dr Feelgood, además de picotear en su obra en solitario, la pareja de monstruos rockeros atacan todos los temas a tumba abierta sonando poderosos, reales y efectivos. No se puede pedir más. Rock básico que mueve montañas. Cruda como el acero la voz fiera de Daltrey se pone al servicio de las canciones del guitarrista sin restarles el más mínimo protagonismo. La elección del veterano cantante no podría haber sido mejor.
Por muy oportunista que les suene este último baile de Sir Wilko Johnson es un disfrute de muerte, un disco de JUSTICIA, de elegantísima portada y emotivo título. Como si no hubiesen pasado cuarenta años desde Down by the Jetty, como si volvieran los tiempos del Marquee, como si el rugido de una telecaster frenase el avance del cáncer...


domingo, 1 de junio de 2014

ADIÓS A H. R. GIGER creador de monstruos biomecánicos



A Hans Giger (Chur, Suiza, 1940-2014) se le recordará como a uno de los más grandes visionarios de la raza humana. El creador del monstruo 'Alien', aerógrafo en mano, supo ilustrarnos un futuro erótico y perverso fusionándolo con lo orgánico  y lo artificial fruto de sus bellas pesadillas biomecánicas. La obra del genial y obsesivo artista suizo perdurará en nuestro ADN visual generación tras generación, por derecho propio, y por naturaleza misma. Y todo gracias a sus múltiples visiones, esculturas e ilustraciones nacidas tanto de bucear en  ideas freudianas como en su gusto por las armas de fuego (que coleccionaba, soldaba y reparaba), el sexo (le encantaba masturbarse durante las clases de instituto), la literatura de H.P.Lovecraft (¿les suena el Necromonicon?) y toda una amalgama ósea de cráneos, vértebras, penes erectos, parásitos revientapechos, signos del zodíaco y singulares formas sinuosas que dan forma a su obra, a sus pesadillas.
Descanse plácido y eterno en su silla Harkonen el jinete galáctico que tripuló las entrañas del Nostromo adentrándose en el espacio blanco-sideral de los sueños


miércoles, 28 de mayo de 2014

SNOWPIERCER. Distopía de un futuro verosímil y aterrador.

Estamos ante una desbordante obra maestra del cine moderno y del cine de género de todos los tiempos. A ver, que no me líe, SNOWPIERCER (Seolgungnyeolcha; Corea del Sur, 2013) es ciencia ficción visionaria. Una alegórica película repleta de capas (cada vez que se cambia de vagón, "Rompenieves" parece una cinta distinta) capaz de provocar extrañeza, generar perplejidad  y asombrarnos con el más libre y anárquico vendaval de creatividad que se recuerde en mucho tiempo. Y es que así son los films y la idiosincrasia del cineasta surcoreano Bong Joon-ho (Memories of Murders; The Host). Proyectos de gran envergadura que pretenden confinar el cine de autor con el más puro entertainment, siempre dentro de los parámetros y códigos del cine de género, aunque mezclando en la coctelera sátira política y social, thriller, acción, comedia y reflexión filosófica en films en absoluto complacientes y cargados de riesgo.
En Snowpiercer se revelan todas las dotes y poderes artísticos característicos del joven director de Mother (2009). De entrada elige un espacio único -un tren que transporta a los últimos individuos que quedan en el mundo después de que el planeta se congelara devido a una hecatombe medioambiental- claustrofóbico, un microcosmos repleto de odio y tensión -en la parte delantera viajan las clases privilegiadas mientras que en la cola de la incombustible e imparable locomotora se hacinan en un solo vagón cientos de personas sometidas a la explotación dictatorial de la clase dirigente- del que aflora una fábula apocalíptica, un viaje con carácter simbólico (el tremendo personaje de Curtis, interpretado a lo grande por Chris Evans, parece un héroe sacado de la mitología griega), introspectivo y mental que obliga al espectador a resituarse en la historia a cada rato. Sentados en primera fila seremos testigos de la descomposición del ser humano y del destino distópico que le aguarda. La fuerza expresiva y el poder de las imágenes (decir que la peli es una adaptación muy muy libre de una novela gráfica francesa titulada "Trasperceneige") hacen el resto. De diez.


jueves, 22 de mayo de 2014

MONDO RESESO: Duelo en el frenopático, adiós al poeta maldito Leopoldo M. Panero.

No más Desencanto. No más graznidos de locura. No más lamentos brotando de las entrañas. No más dolor voluntario. No más paseos. No más visitas de extraños. No más versos turbadores. No más paquetes de Nobel. No más persecuciones de la CÍA.  No más tertulias majaretas en terrazas y jardines. No más sorbos efervescentes de cola-light. No más electroshocks ni poemas castrantes. No más interrupciones en platós de televisión para irse a mear la borrachera.... FIN a los Paneros vivos.
Con el sepelio del ciudadano madrileño LEOPOLDO MARÍA PANERO (1948-2014) este puñetero país entierra de raíz al más maldito de sus poetas, al último juguete roto de una saga familiar verazmente diseccionada en aquel impresionante documental titulado "El Desencanto"(Jaime Chávarri, 1976), film que con el paso del tiempo se ha convertido en autopsia oficial del franquismo y de su cultura. Con él sepultamos al grotesco demente que agrieta convencionalismos, al majara que creía decir la verdad y que era escuchado como si la dijera. Ni lo leían (ni leerán) los eruditos académicos de la lengua, ni los que le jaleaban como espectáculo de feria. Somos pocos los retruécanos que curados de espanto reivindicamos los versos y  fechorías públicas de tan ilustre perdedor, su malditismo. Quedar atrapado en la tela de araña de Leopoldo es tejer en el olvido, vivir el frenesí de la pre-Movida, torturarse en frenopáticas noches de exorcismo mental, llorar en las arpías garras de tu santa madre, palpar el vicioso desencanto y reír a rabiar. Marche en paz el sinigual poeta.

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