-BREVE ANTOLOGÍA DEL CINE FANTÁSTICO PATRIO (doble ración de callos picantes y alubias con almejas)

Estamos ante el segundo advenimiento del fantástico en España. Jóvenes cineastas de cierta solvencia técnica y narrativa surgidos a raíz del "Abre los ojos" amenabariano: Balagueró, Fresnadillo, Paco Plaza... de acuerdo que están dando vidilla al género y a nuestra decaída industria del cine pero yo no me los trago. No pienso entrar en debate. Allá cada cual con sus gustos personales pero alguien debería decirle a las nuevas -y audiovisualmente cultivadas- generaciones de consumidores que, aunque pocas, existen otras fórmulas y propuestas de hacer cine en España. Títulos que en su día no obtuvieron una aprobación mayoritaria o pasaron casi desapercibidos, con el tiempo han quedado como intentos arriesgados de ofrecernos historias sugestivas y estimulantes. Películas que en muchos casos nos harían reencontrarnos con el añorado espíritu del viejo cine de género que tanto nos gusta. Por encima de los acabados deberían premiar las intenciones. En este espacio iremos poco a poco repasando ése "otro cine" fantástico, de terror, y ciencia ficción facturado en nuestro país.

Claro que en los últimos años hemos encontrado en nuestras carteleras ideas originales (como pudieron ser "Intacto" o "Cronocrímenes", por poner solo unos ejemplos), pero permítanme que me "olvide" de los últimos tiempos y centre mi búsqueda en títulos que nada tengan que ver con el optimista estado por el que está pasando el cine de género español. La minoría subterránea, aquella que gozó con films como ¿Quién puede matar a un niño? o Arrebato, sabrán que me propongo. Empecemos pues.

-TRAS EL CRISTAL (Spain, 1985) Dirección y guión de Agustí Villaronga. I.: Gunther Meisner, Marisa Paredes, David Sust y Gisela Echevarría. 105 m.

Villaronga es de esos directores que no reciben Goyas. Desde aquí le animamos a que siga así. Podrá gustar más o menos, pero no hay que negarle el valor de intentar hacer un cine sugerente y personal alejado del cine (y de la forma de entender cine) que se lleva en este país. Necesitamos autores como éste, que se atrevan a correr riesgos y propongan guiónes y títulos que se distancien de la sufrida y castigada corriente generalizada que existe en nuestro cine y que lleva casi siempre a contarnos las mismas ideas con distinto envoltorio. De ahí que no nos extrañe que Tras El Cristal séa tildado como "título fantástico de culto" allende nuestras fronteras y aquí sin enterarnos. No sería exagerado afirmar que el dubut cinematográfico del interesante Villaronga (del cual ya reseñamos su estupenda "Aro Tolbukhin" ) puede considerarse como una de las grandes obras del cine español.

Villaronga saca la idea de la trama del célebre Gilles de Rais, de su mundo decadente y enfermizo. Nos recrea una historia llena de morbo acorde con el mundo irreverente del autor. Traslada la época pasada del libro a la más reciente, industrial y desmadrada época nazi. Cuando Kaus, ex oficial nazi torturador de niños, sufre un accidente que le imposibilita continuar con sus sádicos gustos, un joven, Angelo, comienza a cuidar de él y le propone ser el brazo que continúe con sus maldades.

-MEMORIAS DE UN ANGEL CAÍDO. (1997) directores: Fernando Camara y David Alonso. I.: Santiago Ramos, Héctor Alterio, Emilio Gutierrez Cava, Jose Luis Lopez Vázquez, Juan Echanove.

Si echamos un vistazo a los actores , harto familiares, podría parecer que estámos ante otra típica españolada del momento. Craso error. Esta película perdurará entre nosotros como uno de los títulos de terror más gratos que se hayan hecho nunca en nuestro país. Y de paso confirmar que si hay una buena historia detrás, nuestros actores otorgarán credibilidad a sus personajes (en ésta cinta espectaculares todos). En Memorias de un ángel caído no hay influencia americana alguna (que tanto perjudicó/a a otros productos coetáneos). Superados los perjuícios, uno se da cuenta de que acaba de presenciar una admirable película de terror satánico. De ejemplar guión, guarda parentesco con la poco antes exitosa El Día de la Bestia" pero yo la encuentro mucho más inquietante y angustiosa que el film de Alex de la Iglesia (ya no digamos con todas aquellas superproducciones hollywoodienses apocalípticas del fin de siglo pasado:"$#F**#..."). Y lo más sorprendente resulta su carácter de opera prima, del tándem Cámara/Alonso, a los que hay que agradecerles el buen oficio de tenernos absorbidos con una historia como es debido. Un auténtico sorpresón. (Grácias Cobretti por tu magnífica recomendación)

Sinopsis: En una iglesia madrileña todos los feligreses que acuden a comulgar fallecen envenenados. Al tiempo que los sacerdotes comienzan a tener visiones, los fallecidos volverán a la vida. Se avecina un nuevo Apocalipsis que tendrá a Madrid como campo de batalla entre el Cielo y los Infiernos.

-EL RINCÓN DEL PINCHA: "Danzig II- Lucifuge"

A finales de los 80-principios de los 90 me atrapó el poder del oscuro enano musculoso. Siempre son buenos tiempos para ser joven, pero en aquellos momentos los amantes del riff poderoso y atronador disfrutábamos de la mejor época que jamás tuvieron dichos sonidos. En una edad, y momento, en la que grupos como Metallica, Slayer, Poison Idea, Antrax, Megadeath, Suicidal Tendences, Agnostic Front, Public Enemy, Body Count... y un sin fin de fenomenales bandas pasaban por sus mejores años. Grupos que desataban mi furia y mi rábia contenida desde el tocadiscos de mi habitación o el radiocasette de mi Opel Corsa City. No és que con los años haya calmado mi nivel de enfado con la sociedad, todo lo contrario. Descubrí que otros muchos sonidos también pueden causar el mismo efecto sedante. La música funciona como el catalizador de emociones más importante del universo, o así lo entiendo yo.

Veinte años después recuerdo el tremendo shock que me produjo escuchar un disco como LUCIFUGE. Todavía conservo orgulloso el que fuera segundo trabajo en solitario de Glen Danzig (tras su etapa post-Misfits y Samhain), con sus rayazos y todo. Hoy día el ególatra de enérgica voz va por su disco número 9, pero son sus tres primeros elepés Danzig (88), Danzig III "How the Gods Kill"(92) y sobretodo Danzig II- Lucifuge(90), los que me la ponen dura. El disco de principio a fin es una autentica pasada. Riffs afilados que devoras sin parar mientras no paras de menear tu cabeza alante y atrás. No son rápidos. Ni lentos. Digamos que son medios tiempos. De entre semejantes piezas de orfebrería destacaría "Girl", "Tired of Being Alive" y la titánica "I'm the One" que me pone la carne de gallina cada vez que la escucho. Tanto me hipnotizaba la voz de Glen que lo tenía por el mejor cantante que yo había escuchado hasta ese momento. Conocer que Danzig basaba su timbre de voz y manera de cantar aprendida de gente como Elvis, Jim Morrison y Roy Orbison fué lo que motivó que por él llegara a descubrir a esos grandes clásicos. Podría decir que gracias a Glen Danzig eduqué todavía más mis conocimientos musicales, algo por lo que le estaré eternamente agradecido.

-CÓMIC: "THE SANDMAN" (Neil Gaiman)

HOMBRES QUE NUNCA MUEREN E HIJOS NACIDOS EN EL MUNDO DE LOS SUEÑOS... Hoy toca hablar de un clásico del arte contemporáneo. Abstenerse asíduos al cómic de superheroes americano. Estámos ante una obra de proporciones mayúsculas, alejada de los coloridos universos de Superman, Spiderman y cía. THE SANDMAN, al igual que ocurre con las obras de su paisano Alan Moore, rompe con la idea que tienen muchos de que un comic no puede nunca considerarse o estar a la altura de las demás formas de literatura u otras formas artísticas. Neil Gaiman (antes de su estrellato como autor tras su novela "Coraline") logró crear un personaje -y saga- que con el tiempo se convertiría en un referente cultural. Una de las más solidas fábulas surgídas en los ultimos años. Con una imaginación deslumbrante y un caudal de recursos y referencias culturales (a Morfeo, Marco Polo, Shakespeare, el antiguo Egipto, de Borges...) conseguiría crear una cosmología propia, algo nuevo. Una historia faraónica de fantasía que retrata un Olimpo postmoderno. Una familia de dioses para el nuevo milenio. El centro de todo este mejunge de misticísmo lírico y revisionismo de qualité será Sandman, el Arenero, personaje del folklore anglosajón que propiciaba el sueño a los niños esparciendo en sus ojos arena. A partir de esta leyenda Gaiman crea su propio Dios del Sueño. Pasando por diferentes estilos y géneros, en las que a veces nuestro héroe es simplemente testígo de emotivas historias paralelas. Tramas que pasan desde el cuento gótico al terror psicológico, o de tonos postmodernos y socarrones a una sensibilidad culta y refinada. Cuentos para adultos. Donde el autor imagina lo que soñarían Octavio Augusto, una comunidad de vecinos o una ciudad entera. Todo cabe en la imaginación del rotundo novelista inglés. -Editorial Planeta reune toda la serie (desarrollada entre 1989 y 1996) en una exquisita encuadernación en tapa dura (con numerosos extras, estanpaciones en oro, cinta de lectura, etc.). El primer tomo -de un total de 7 que completarán la saga- recopila los dos primeros bloques argumentales del cómic que nos ocupa: "Preludios y nocturnos" (capítulos 1-8) y "La Casa de Muñecas" (capítulos 9-17). Ya está en marcha la original sinfonía (creo que ya van por el segundo volumen). Ahora toca rascarse los bolsillos para disfrutar y seguir soñando en viñetas, con tan fantástico cómic.

DESTINO: ALCATRAZ

El legendario islote ya existía como lugar de presidio y aislamiento en el siglo 19. Los índios nativos de la Bahía de San Francisco siempre creyeron que aquel era un lugar maldito. El faro y el fuerte que lo coronan fueron construidos durante la guerra de Secesión americana. La pequeña isla ya albergaba pués a presos confederados antes de convertirse en la famosa Isla del Diablo de la que tanto nos contaron desde el cine y las películas. También llamada La Roca, esta siniestra isla de apenas 9 hectáreas se convertiría en la primera cárcel de Máxima Seguridad de los EE.UU. A partir de 1934, año de su inauguración, esta cárcel federal estaría reservada a los presos más violentos y peligrosos de América. Podría decirse que Alcatraz era el último recurso. Si sus inquilinos (Capone fue uno de tantos) tenían fama de duros y peligrosos los agentes que les custodiaban eran asimismo los más duros del país; y cabría suponer que igual de peligrosos. Los prisioneros, afinados entre cuatro paredes de un metro y médio por 2'75, apenas tenían contacto los unos con los otros. El Alcaide era el amo y señor del castillo, el que lo decidía todo, si morías o vivías. Sin su consentimiento ni siquiera podían los familiares adceder -por ley- a visitar a sus presos una vez al més. Y al reo que se pasase de listo le estaría esperando la suitte más húmeda y mohosa del balneario: la Celda de aislamiento en el Bloque D. Temído "agujero" del que pocos regresaban cuerdos... si és que lograban salir.

Todo ese aire de máxima seguridad del que hizo gala Alcatraz durante años se vendría al garete cuando en 1963 tres presos lograron protagonizar la fuga más espectacular ocurrida en la isla. Fran Morris, Clarence Anglin y su hermano John Anglin (que de estar supuestamente vivos rondarían los 80 años) fueron los encargados de tal hazaña. No se sabe si perecieron en sus frías aguas o qué sucedió tras la fuga, pero su huída precipitaría poco después el cierre definitivo de Alcatraz como prisión. Se estima que a lo largo de sus 30 años de historia 64 hombres murieron tras las rejas y muros de cemento tratando de escapar, suicidados, torturados o enloquecidos (todavía hoy perduran las historias de fantasmas y apariciones). Huvo a su vez otros intentos anteriores de fugas o evasión (hasta 23); los informes oficiales hablan de 6 presos abatidos, 2 ahogados... Tal vez haya a su alrededor un secretismo y misterio acrecentado por las historias made in Hollywood que han convertido Alcatraz en un mito o leyenda urbana. Echémos un repaso a algunas de las películas -que primero me vienen a la mente- que un servidor a podido ver sobre tan conocida isla:

- FUGA DE ALCATRAZ. Don Siegel, 1979. El reencuentro entre Siegel y Eastwood tras varios años separados. Basada en los supuestos hechos reales sobre la sorprendente huída de Morris y los hermanos Anglin. El maestro Siegel reconstruye los preparativos y posterior fuga de lo que parecía una fortaleza contruída para evitar cualquier intento de evasión.

- EL HOMBRE DE ALCATRAZ. John Frankenheimer, 1962. La mejor historia, para mi gusto, de todas las pélis sobre tan cinematográfica isla-prisión. Otra historia basada en hechos reales. Como un hombre (sublime Burt Lancaster) se redime de dos asesinatos y una condena a cadena perpétua, adoptando un gorrión que capturó en su celda y convirtiéndose a partir de entonces en el mayor especialista mundial sobre ornitología. Aquí no hay fugas ni conato alguno de evasión. Solo vida y muerte entre rejas. Completan el gran reparto Edmond O'Brien, Karl Malden y el "kojak" Telly Savalas.

- A QUEMARROPA. John Boorman, 1967. Alcatraz más siniestra y ruinosa que nunca. Si bien la historia tan solo tiene a Alcatraz como punto de partida y final de tan loable film, la isla juega un papel primordial para entender los personajes y el aire claustrofóbico que el director de "Deliverance" tan bien sabía imprimir a sus películas.

- Luego estarían "LA ROCA"(1996), un bodrio de acción típico de su momento y al servicio de la estrella de turno (en este caso Sean Conery y Nicolas Cage)... y algún título más que vosotros haréis bien en recordarme. Para finalizar decir que la aceptable "Sutter Island" de Scorsese en algunos momentos me trajo a la memoria la isla maldita de Alcatraz. Aquella a cuales viejos proverbios indios aconsejaban no acercarse.

Hoy es un lugar y destino turístico que recibe miles de visitantes al año. De tan siniestro peñón, se han escrito libros y filmado decenas de películas y documentales. A nadie escapa que lugares preventivos como ése seguirán atrayéndonos misteriosamente. Y es que alcatrazes y guantánamos los hubo, los hay, y los habrá siempre.

-WILLIAM "SMOKEY" ROBINSON & THE MIRACLES

SUENA COMO UNA TÍA PERO ÉS UN TÍO...

Entre toda aquella gran explosión de maravillosas composiciones soul que nos proporcionaron la gente y músicos de Motown (Supremes, Vandellas, Temptations, Four Tops...), principalmente en la época de los 60, las de los MIRACLES de Smokey ROBINSON fueron de las más sobresalientes. Sonidos (aparentemente) de lo más sencillo. Impregnados de pureza y calidez. Canciones capazes de arrancarnos lágrimas de emoción, bien en temas lentos como el apoteósico "You Really got a Hold on Me" (1963) o remontarnos en vuelo con ritmos más rápidos como "Shop Arround"(1960); (si bien éste último fue un éxito grabado originalmente en el sello Tamba). Todo esto gracias a la exhuberante voz de su líder Robinson, que parecía inspirarse en la aguda gargante de Sam Cooke, otra de las consumadas voces del soul. Y es que el registro vocal de Smokey, arriesgado y sensual a partes iguales, llegaba donde los demás ni tan siquiera han soñado llegar (o intentado llegar).

Un grupo y compositor imprescindibles para entender la historia de la música soul... y del rock en general. Tan recomendables, por fascinantes, como lo puedan ser otras estrellas de su generación: Otis Redding, Marvin Gaye... o el citado Sam Cooke, por nombrar algunas de las voces más reconocibles.

Puro soul de turbulento trazado sentimental para entender mejor lo que se cuece. Rapiña cualquier recopilación del señor Willian "Smokey" Robinson que encuentres y descubrirás un glorioso oásis de mágia y sonido... O tán solo un espejismo de pureza, clarividencia, carne y alma. "I Second that emotion", "What so good about good bye", "Going to a go-go"... Todo un lujoso menú para saciar los paladares más exquisitos.

MONDO RESESO: (Nuevas aTumbaAbierta)

FANTAS-TERROR...

-Mientras Hollywood estrena decenas de pelis de terror al año -la gran mayoría bluffs que no aportan nada nuevo: La enésima de virus; la de zombis que faltaba; secuelas/precuelas de exitos relativos; u otra nueva versión americanizada del éxito de turno en el cine oriental o del creciente e interesante cine de terror europeo ("Dejame Entrar", "Alta Tensión"...), que dicho sea de paso pierden todo el encanto al pasar por el filtro hollywoodiense-... estamos ante una gran y magnífica noticia para todos los que amamos el cine de terror clásico de autor, y en general el buen cine, que tras 9 años de ausencia un maestro como John Carpenter estrene largometrage por fín. Y por partida doble: La ya filmada THE WARD con la guapetona Amber Heard y FANGLAND con la no menos dotada Hilary Swank, inspirada en la novela "Drácula" de Bran Stoker. El director de "La Cosa" es la luz al final del túnel. Mucho nos acordaremos de su talento cuando su pérdida séa algo irreparable.

-Y de un creador cásico saltamos a un joven realizador ya consagrado como autor moderno e importante revitalizador del séptimo arte: Christopher Nolan ("Memento", "El Caballero Oscuro"). Su "ORIGEN"(2010) está dando mucho que hablar. Se habla de un tecno thriller fantástico del nuevo milenio, al que los críticos ya colocan al nivel de Blade Runner o Matrix, faros guía de la historia de la Sci-Fi. Mientras, perdidos por ahí en medio alejados del éxito masivo del cine convencional, se encuentran directores interesantes como Vincenzo Natali ("Cube"(97), "Cypher"(02)) que sufren un mundo para sacar adelante sus arriesgadas propuestas independientes. Tras dos años dando tumbos buscando productora, al fin alguien se arriesgó (tenía que ser Guillermo del Toro otro fan fatal del género el que le hechara uuna mano)y se extrena con mucho retraso en nuestras pantallas SPLICE (2010). Con un Adrien Brody jugando a ser Diós mientras cual mad-doctor crea criaturas prohividas a lo "Novia de Frankenstein" vs. "La isla de las almas perdidas"(1932). Resumiendo, cuatro propuestas de género fantástico para salir del tédio los próximos meses.

LECTURA...

-Terror del bueno. ¿Otro lider nazi inadaptado, con sentido del humor sarcástico, católico, suicida, intelectual, cruel, manipulador, esquizofrénico, asesino...? Sí. Pero éste, el señorito Goebbels, mano derecha de Hitler, bien podría obstentar el título de "El más hijoputa de todos". Un auténtico hijo de Satanás, del que podremos saber más sobre su vida privada leyendo la nueva biografía "GOEBBELS. Vida y Muerte", que un profesor de historia inglés ha tenido el (mal)gusto de escribir. Al final resulta que el jefe de propaganda nazi estaba enamorado en secreto de una judía. Así son las cosas del amor.

-Los que oyeran de las andanzas subversivas del escritor lisérgico Richard Brautigan (1935-1984), antes o después de pegarse un tiro en su casa (¡encontraron su cadáver un mes mas tarde!), sabrán que estamos ante un agitador como pocos. Este depresivo-paranoide clínico alcanzó el éxito en los 60 con su novela LA PESCA DE LA TRUCHA EN AMÉRICA, libro que como cabe suponer nada tiene que ver con pesca alguna. Inédita hasta hace nada en castellano (pese haber vendido 4 millones de ejemplares en el mundo), la novela es un bett-seller visionario perdido entre la marihuana, la literatura beatnik y el más ácido folk-rock de Dylan.

HOMENAJE...

-Desapareció a los 82 años el fenomenal dibujante y leyenda del cómic FRANK FRAZETTA. Otro ilustre neoyorquino hijo de emigrantes italianos nacido niño prodigio (como su paisano Scorsese por ejemplo). Con unas asombrosas condiciones para ilustrar todo tipo de personajes fantásticos, aventureros exóticos, seriales con aire retro, amén de caricaturas disparatadas y cualquier tipo de arte ilustrado fantasioso o heroico. Portadas en "La Sombra", "Doc Savage", "Tarzan", "Flash Gordon", "Battlestar Galactica"... y decenas de éllas más así lo atestiguan. Pero si hay un personaje con el que vincular el nombre de Frazetta éste es sin lugar a equívocos Conan El Barbaro. Sería el puño y la tinta de Frank la que acabaría definiendo visualmente al barbaro cimerio. Imposible olvidarse de portadas como la de "Conan el Bucanero"(71) o su primer entintado del heroe hibóreo en "Conan el Aventurero"(66). Él allanaría el camino a otro grandes artistas ilustradores del personaje de Robert E. Howard como Boris Vallejo o Buscema, por no hablar de su influencia en ilustradores de ciencia ficción. También haría carteles de películas como el de la divertidísima "El Vaile de los Vampiros" de Polanski, o de comedias protagonizadas por el gran Peter Sellers "¿Qué tal Pussycat?" o "Tras la pista del Zorro", entre otras muchas. Gracias maestro por despertar nuestra imaginación.

SONIDEROS...

-Como en este fanzine virtual nos morimos por el rock and roll, y por ende, por los viejos rockeros, celebrar que el "Killer" esté de vuelta. "Mean old man" es el título del nuevo album de estudio de Jerry Lee Lewis. El castigador de pianos y martirio de jovencitas se viste e Johnny Cash para grabar lo más country que haya tocado en su vida. Al igual que hiciera en su anterior y estupendo "Last man standing"(06) se ha rodeado de una camada de invitados de relumbrón: Clapton, Jagger, Ringo Star, Mavis Staples, Ron Wood, Slash, Keith Richards... y hasta el que fuera guitarrista de su querido archienemigo Elvis, el mítico James Burton. En septiembre lo degustaremos.

-Y para no abrumaros con nuevos combos (Batusis, Imperial State Electric, Soul Movers...), que para éso tenéis Myspace, quiero finalizar MONDO RESESO acordándome del que fuera miembro de los marcianos Funkadelic y Parliament, Garry Shider, que falleció victima del cáncer a los 56. Nadie se acuerda, pero éste negrata que salía a escena a cantar vestido unicamente con unos enormes pañales debutó en aquella pasada de disco que fué "Maggot Brain"(71). No estaría de más que te lo "bajaras", si és que ya no lo estás desempolvando...

UNA DE TERROR CLÁSICO: "LA CÁMARA DE LOS HORRORES"

-La Cámara De Los Horrores ("Chamber of Horrors"; USA. 1966) D.: Hy Averback.

Un maníaco psicópata, de nombre Jason, condenado a muerte, está presto a fugarse. Logrará evadirse tras haberse cortado la mano derecha, muñón que ocultará con un arsenal de objetos, facilitados por un misterioso hombre oriental, entre los que destacan un garfio y un hacha bien afilada. Su objetivo será vengarse de los tres tipos que lo traicionaron. Desea despedazarlos vivos para luego, de forma macabra, configurar una escultura hecha con sus miembros.

La película de Hy Averback (USA. 1920/1997), artesano director del montón, que tanto te rodaba una péli del detective Colombo como una de Doris Day ("Anoche cuando se apagó la luz", 1968), firma aquí un típico y tradicional film de terror. Que juega con los conocidos trucos guiñolescos de las viejas producciones de William Castle (en cierto momento del metraje surgirán de la pantalla unos flashes rojos, "el destello del miedo", y sonidos de una sirena, "la estridencia del horror", advirtiendo momentos de terror como previamente anunciaba la publicidad de la misma, Todo muy castlediano) mezclando en su trama las variantes del género monster-movies, películas sobre museos de cera (resonancias a la estupenda "Los Crímenes del Museo de Cera") y cierto aire pop de los años 60. En un escenario de "barrios del vicio" con farolillos rojos, bares y prostíbulos, carrozas fúnebres avanzando por calles solitarias cubiertas de niebla... y demás mobiliario del género a tratar. Toda la mezcla muy correcta, refinada y elegante. Y tal vez ésto último sea su único pero. Digamos que la cosa hubiese tenído un mejor acabado, de haber su director corrido un mayor riesgo. Y es que la historia que tenía entre manos Averback podía dar mucho más de sí. Sobretodo el personaje de Jason, interpretado magistralmente por Patric O'Neal (foto 2), que aún así és lo más relevante y original del guión. Aunque la péli nunca alcanza a dar lo que se propone, se disfruta con gusto.

Decir que curiosamente fue ideada como un episodio piloto de una serie para la televisión, basada en la citada "Los Crímenes del museo de cera"(Andre De Toth, 1953). Pero fue considerada "demasiado fuerte" para emitirse por T.V. y sus responsables decidieron alargarla y proyectarla en salas de cine.

ROCKERS. Rasta-exploitation

Desde Jamaica, al igual que aquella delicia de péli canábica titulada "The Harder They Come"(1972), es de donde proviene ROCKERS (Ted Bafaloukos, 1978). Si la primera ya nos mostraba la otra cara del negocio musical -el del reggae, su mayor fuente de exportación- emparentándola con las blaxploitation americanas, en cuanto sacaba a relucir al igual que aquellas todos los problemas económicos, raciales, sociales y culturales de la gente de color (solo habría que cambiar Brooklyn por Kingstown), Rockers insiste en más de lo mismo. Cine quinqui. Cine del, y para el guetto. Ambos títulos no son más que pretextos para aprovechar el tirón que la música jamaicana gozaba en aquellos momentos (las dos llevan por título el nombre de sendas canciones de Jimmy Cliff y Bunny Wailer respectivamente, amén de estar interpretados por los propios músicos y actores no profesionales), sí. Pero tienen clase. La clase chulesca, macarra y gamberra que tanto gusta de resaltar desde estas páginas. Y de paso, además de entretener y hacernos pasar un buen rato escuchando buena música, aprovechan para denunciar las condiciones y situaciones reales del submundo jamaicano. Que visto lo visto dejaba de ser, o distaba mucho, del paraíso que creíamos conocer. Seguramente (no dejamos de hablar de una película) la realidad difiera bastante de lo visto en Rockers -en éste sentido "The Harder..." era mucho más precisa, pienso yo- pero la esencia y el mensaje que ambas pretenden lanzar está ahí. Diríamos que flota en el aire... se puede fumar.

Jamaica está que arde...

Leroy "Horsemouth" Wallace, batería real del grupo Inner Circle, no quiere ser un esclavo del negocio, ni de la sociedad que él denomina Babilonia. Decide montárselo por si mísmo, vendiendo discos por su cuenta. Para éllo pide préstamos a sus amigos para poder comprarse una moto con la que repartir sus singles. Quiero encontrar su propio lugar y vivir según sus principios (los de la religión Rastafari). Pronto se le irán a hacer puñetas sus anhelos de hacer negocio. Le roban la moto y sus discos fiados. De hecho Leroy es demasiado legal. -En una escena intenta que un rasta (todas las frases de la péli terminan con ésa palabra: rasta, que viene a ser algo así como "hermano") le pille un single, éste le dice que no tiene dinero ni tocata en el que escucharlo, así que Leroy se lo acaba regalando y diciéndole que seguramente algún "hermano" tendrá un plato en el que pincharlo..- Con una filosofía así (que ni mucho menos contaría con el beneplácito de Ramoné ni la SGAE) Leroy deja claro sus principios: antepone la música a todo lo demás.

Nuestro León de Judha motorizado, de andar bailarín lisiado y ojos ensangrentados, se pasará media péli buscando su moto mangada. Descubrirá que unos mafiosos, que resultan ser los que mueven el percal del negocio musical, son los que andan detrás de ése y más robos. Y como ésta es una historia en el fondo feliz, nuestros colocados colegas tomarán venganza a golpe de reggae y... empañando la historia (por así decirlo) del eminente optimismo que esta rítmica y colorída música desprende.

Suena buen reggae (y subgéneros como el roots). De cabo a rabo los sonidos de Burning Spear, Peter Tosh, Lee Perry & the Upsetters, Gregory Issacs.... impregnan el film. Pero de entre todas las canciones de la película sobresale la tremenda "Sweet Sensation" de los Melodians. Música de raíces que viene a resaltar el grado de unión existente entre el blues, soul, jazz, ska, reggae... y todos esos sonidos importados desde el corazón de Africa. Un lazo que une a pueblos y razas...

¡¡¡Rula ese porro, rasta!!!

THE FACES: EL SUPERGRUPO

En los primeros años de los 70 -mi década dorada por excelencia, tanto del cine y de la música como del aire que se respiraba en muchos sentidos- triunfaban infinidad de grandes bandas en todos los estilos posibles de rock'n'roll. Los FACES fueron sin lugar a dudas uno de aquellos tantos mastodónticos e irrepetibles grupos en los que el talento de la música parecía no tener fin. En cada rincón del planeta, sobretodo en Gran Bretaña, dabas una patada a una piedra y debajo aparecía un supergrupo. De miembros de The Small Faces (Ronnie Lane, Ian McLagan y Kenny Jones) y Jeff Beck Group (Ron Wood y Rod Stewart) nacería una de ésas bandas de leyenda. SeI wish that I knew what I know nowwhen I was youngerI wish that I knew what I know nowwhen I was stronger mejante unión de genialidades -todos eran excelentes músicos y compositores- pronto les condujo a ser unos claros aspirantes al trono que por aquel entonces obstentaban los Rolling Stones. Cuando Keith Richards buscaba un sustituto para los Stones no dudó en tirarle los tejos a Ronnie Wood, mucho más agresivo y arriesgado como guitarrista que el rígido y disciplinado Mick Taylor. La mejora de los Stones no se hizo esperar, y todavía hoy lo disfrutan sus fans. Por el contrario con la marcha de Wood los FACES dejaron de existir. El listo de Richards mataba así dos pájaros de un tiro: revitalizaba su banda y devilitaba a la competencia. Jugada redonda. Había tensiones en los Faces entre Ron Wood y Rod Stewart, seguramente como las habría en cualquier otra banda de la historia, y seguramente la banda se habría separado de igual forma, pero eso no quita la realidad de aquel momento. los Faces en directo eran mucho más excitantes e incendiarios que los Rolling. Pilla cualquier video de la época y compruébalo.

De sus cuatro inmaculados discos, a saber: First Step (70), Long Player (71), A Nod is as Good as a Wink...To a Blind Horse (71) y Ooh La La (73) me quedo con éste último. Para la gran mayoría "A Nod is as..." fue el cénit de la banda (en el encontramos la que tal vez sea su canción más exitosa, Stay with me). Pero para mi gusto creo que OOH LA LA es su trabajo más redondo. Puede afirmarse que hasta el más adcesible, dado que no hay un solo tema que supere los 3 minutos. Simple y llanamente ROCK'N'ROLL. Un Lp que me llega al alma. Un Lp de los que gusta pinchar de principio a fin. A veces ocurre que te encanta un disco pero siempre acabas saltándote algún tema. Con este disco no me pasa. Por alguna extraña razón -que probablemente tenga que ver con los sentimientos y emociones de cada uno en determinados momentos de su vida- pinchar el disco entero me produce un deleite mayor que el resto de Lps de la banda. "Cindy Incidentally" fue el tema que me abrió el universo Faces. Descubrir que el resto de temas de Ooh La La tenían la misma capacidad de seducción, uno tras otro, fue uno de esos placeres que perdurán lo que me reste de vida. "Deseo que supiera lo que sé ahora, cuando era más joven. Deseo que supiera lo que sé ahora, cuando era más fuerte... Ooh la la..."

New York Dolls, Black Crowes, Dogs D'Amour, Diamond Dogs... ¡hasta los Stones!... y más grupos habrá que le deban algo de su mágia a esta superbanda.

JUDY HOLLIDAY. Dulzura y encanto.

Judy Holliday fue la típica actriz encasillada en papeles de rubia tonta. Cuando pienso en élla me viene a la cabeza Melannie Griffith, que llegaría a interpretar el mismo papel que en su día interpretara la Holliday (un soso remake de la estupenda "Nacida Ayer"). Pero basta echar un vistazo a su corta carrera -apenas una docena de films- para darse cuenta que estábamos ante una portentosa actriz; amén de una portentosa mujer. Esta hembra nacida y enterrada en New York City (1921-1965) entraría en el "negocio" de la mano de Orson Welles como telefonista. Aunque sin lugar a dudas se encontraría más a gusto como cabaretista (durante los años 40 conseguiría trabajo en el cine gracias a ello, el más sonado: "Un día en Nueva York") que como encargada de pasarle las llamadas al director de Ciudadano Kane.

Sus mejores papeles vinieron de la mano del genial George Cukor. Cinco films codo con codo con el director que mejor supo sacarle partido. Desde "La Costilla de Adán"(49), en la que participaría en un pequeño papel, hasta los destacados títulos: "Nacida Ayer"(1950), acompañando al chico de oro por aquel entónces William Holden y por la que recibiría el Oscar a la mejor actriz robándoselo ni más ni menos que a Gloria Swanson y Bette Davis; "Chica para matrimonio"(52) y "La rubia fenómeno"(54), de corte parecido ambas, y en la que la podíamos disfrutar, ésta última, al lado de un jovencísimo e incipiente Jack Lemmon, actorazo con el que volvería a repetir ese mismo año en otra disparatada comedia de título onomatopéyico "Phffft!"(Mark Robson, 1954). La quinta película con Cukor, y primera en el tiempo, llevaba por nombre "Cita en los cielos"(44) y no deja de ser un título olvidable, tan sólo reseñable por ser la primera vez que ambos tuvieron el honor de conocerse y trabajar juntos. De no ser por éste señor, poco o nada nos sonaría el nombre de la judía neoyorquina. Una actriz tan desaprovechada como encantadora. Desgraciadamente un cáncer de garganta segaría su vida a la edad de 43 años. Una garganta de la que salía una vocecita "marca de la casa", singular y característica. De la que aconsejo toméis nota visionando en v.o.s. cualquier película suya arriba citada.

REPASANDO EL CINE AUSTRAL DE BRUCE BERESFORD

No me importa su último trabajo (The Contract). No me interesan sus premios de la Academia (Paseando a Miss Daisy). De Bruce Bersford (Sydney 1940) me interesan sus dos primeros trabajos en tierra australiana, antes de oir cantos de sirena provenientes de Hollywood. Aunque no está de más defender que su primer film americano, "Gracias y Favores" (Tender Mercies, 1983), es un excelente drama protagonizado por el gran Robert Duvall, título referencial de otra gran película sobre el mismo tema: "Corazón Salvaje"(2009). Al que habría que añadir otra excepción como la lírica "Black Robe"(El Manto Negro, 1991), ya comentada en cierta ocasión en alguna otra entrada con motivo de una lista de grandes películas del cine australiano (título, éste último, incluido, sin haber visto un servidor las dos primeras obras de Beresford). Dos claros ejemplos de lo mucho que ha cambiado el estilo y la forma de hacer cine, de un director, que iba para figura y a tenor de lo visto se nos ha quedado pequeño.

-ASALTO AL FURGÓN BLINDADO (Money Movers. 1978)

Nada de aspavientos. Nada de dramatismo melodramático. Nada de demagogia barata... Estamos ante un thriller extraordinario a todos los niveles. Seco. Un debut digno del más talentoso de los directores. La ópera prima del australiano es un denso, complejo y tirante ejercicio de cine con mayúsculas (Si no recuerdo mal Richard Fleischer rodó en 1950 un loable thriller con el mísmo título en castellano; y más recientemente parece ser que se estrenó un remake del cual no sé nada... ni quiero saber). El original guión, obra del propio Beresford, gira en torno, como su título en castellano indica (mucho más ocurrente suena el original, algo así como "los motores/movedores del dinero"), al atraco que planean, en el más absoluto secreto, tres empleados de la empresa Darcy. Los cuales ven complicado su plan, cuando por sorpresa un anónimo avisa a la empresa del inminente golpe. El final es merecedor de todos los elogios. Un impresionante estallido catártico de violencia y sangre, a lo Peckinpah de Grupo Salvaje...

-BREAKER MORANT (akí "Consejo de Guerra". 1980)

Si algo demuestra este film, además de lo bien que se movía Beresford por terrenos tan dispares como el thriller violento y el drama bélico, es lo comprometido que parecía estar el realizador australiano en denunciar la corrupción de nuestra sociedad en todos sus niveles. Una lástima que no siguiese por ése camino. Personalmente estámos ante una obra maestra. Puede verse como una película "anti" (anti-imperialista, anti-inconstitucional, anti-bélica...) pero sobretodo me quedo con la sensación de haber visto una gran obra de cine clásico de toda la vida. Con una historia muy parecida a aquella otra maravilla llamada "Senderos de Gloria". Del mismo modo que en el título de Kubrick está basado en un hecho real acaecído duranta la Primera Guerra Mundial, la péli de Beresford están basada en un suceso real ocurrido durante la Guerra Anglo-boer. Tres tenientes australianos bajo mando inglés serán juzgados, en éste otro caso, por supuestas irregularidades en el frente de batalla. Buenas interpretaciones, sobretodo la de Edward Woodward y, por encima de éste, la de Jack Thompson ("Feliz Navidad, Mr. Lawrence"). Me recuerda también al western americano: La época en que está ambientada la historia es la misma; hay tíros al galope; salen "indios", en este caso aborígenes; el precioso paisaje austral bien podría salir en un western de John Ford ("El Sargento Negro" por ejemplo)... y así hasta acabar elogiando detalles como la textura o la fotografía, que en otras películas serían simple anécdota pero aquí redondean una de por sí majestuosa película.

-SWITCHBLADE SISTERS.

Desde la polvorienta estantería reservada al cine pandillero y macarra del viejo videoclub de Tarantino, nos llega esta pasada de cinta. Cine gamberro para adolescentes, reserva del 75. Mierda de la buena.

Degustando SWITCHBLADE SISTERS (Jack Hill, 1975) como se merece (usa tu imaginación), uno disfruta de lo lindo . Estámos ante un cruce de varios films del género exploitation que tanto nos gusta (a los nostálgicos tumberos sobretodo). Referencias a títulos como "Carcel Caliente"(Caged Heat, 1974) de Johnatan Demme, "Más allá del Valle de las Muñecas" (Beyond the Valley of the Dolls, 1970) de Russ Meyer; o sin ir más lejos, del género blaxploitation como "Coffy"(73) o "Foxy Brown"(74) por nombrar dos de los anteriores films genéricos rodados por Jack Hill. Al que se le nota que aprendió el oficio trabajando para el gran Roger Corman, pues también hay mucho del director de "Mamá Sangrienta"(1970) en Switchblade Sisters (también conocida en España como "Las Navajeras" o por su título original USA "The Jezzebels"). La péli es la escusa perfecta para fans de "Curso 1894", "Los Amos de la Noche", "The Wanderers"... y demás quinquilladas setenteras. Recubierta de una estética Grease -de botellón-, no apta para estudiantes del OPUS.

El percal.

Los protas de esta cinta gamberra y suburbial son una panda de rudas jovencitas, carne de correccional, que se hacen llamar Las Deidades Desgraciadas. La llegada al barrio de la atractiva Maggie (Joanne Nail) hará cambiar, como siempre ocurre en estos casos, la rutina de la pandilla, en especial la de su guapa cabecilla Lance (Robbie Lee, foto izda.) con la que no tardará en unir fuerzas a la hora de enfrentarse a una pandilla de chicos por el control del negocio de la droga. Entre tanto cachondeo y tanto tópico, suena buena música soul ("Mujer de corazón oscuro" es el tema principal) al ritmo de sexo, navajas y desobediencia. Mucha desobediencia. Esto es cine para adolescentes años 70/80, y no la borralla de pélis politicamente correctas que se hacen hoy día para el público juvenil. Aquí hay violencia bizarra y chulería por un tubo. Sin más pretensión que entretener y divertir. Aunque sólo sea por un rato.

-EN BUSCA DEL CINE PERDIDO: SANGRE SABIA ("Wise Blood", John Huston. 1979)

El cine de JOHN HUSTON (1906/1987), desde su ópera prima "El Halcón Maltés(1941)" hasta su testamentaria "Dublineses"(1987), ha estado repleto de grandes obras maestras que no debería hacer falta recordar salvo que se sufra algún tipo de demencia senil ("La Jungla de Asfalto", "El Tesoro de Sierra Madre", "El Hombre que pudo reinar", "La Noche de la Iguana"...). También cosecharía fiascos, cierto, a ver quien es el listo que sobrevive íntegro a más de cinco décadas de curre en Hollywood.. Pero no estamos aquí para recordar sus mediocridades, sino para repasar uno de ésos tantos títulos "menores" que suelen olvidarse a la hora de ensalzar la filmografía de genios como Huston. Títulos que quedan ofuscados, a la sombra de sus grandes obras. Títulos que hay que tener en cuenta, y dejar en el lugar que se merecen. Una de ésas películas olvidadas del director de Moby Dick que recientemente he tenido el placer de descubrir lleva por título SANGRE SABIA (Wise Blood, 1979). Uno no entiende porqué películas como ésta no obtienen beneficios ni aceptación popular. Tal vez se deba a lo atormentado del relato. Tal vez se deba al pesimismo del que hace gala. Tal vez porque uno no sabe si reírse o quedarse horrorizado... En cualquier caso historias originales y arriesgadas como ésta, que se salen de la mediocridad reinante, son recelo para los inversores y acaban teniendo -vaya usted a saber porqué- poco atractivo para el público. Es una verdadera lástima que se desechen títulos del calibre de Wise Blood. A un servidor siempre le ha llamado la atención ése otro cine: El que te hace pensar, el que te tortura la inteligencia. Un cine más absurdo que perfecto. Un cine de espíritu rebelde. Un cine que, con cariño y respeto, retrate a personajes "perdedores" como se merecen. Un cine del que gustaba John Huston. Cuya reputación como hombre de mundo y director cinematográfico está fuera de toda sospecha.

Esta historia está basada en la novela homónima de Flannery O'Connor. Huston sitúa la péli en Georgia. En élla nos narra, haciendo gala de un humor negro encomiable, la breve rebelión de un joven fanático religioso contra Jesucristo. La idea de "una iglesia sin Cristo" es lo que lleva a este joven a pregonar sus ideas a los cuatro vientos; entre un divagar teológico y una tortura interior que resulta digna del más tarado de los predicadores. Mención especial para el papel protagonista: un Brad Dourif magnético y desfasado. Haciendo gala de un talento tremebundo, casi siempre desaprovechado por la industria (David Lynch contó con él para Dune y Terciopelo Azul...). Éso es lo que tiene poseer un rostro singular... que te hace quedar encasillado en ciertos papeles a las primeras de cambio. Otro tanto se podría decir de otro de los "desconocidos" actores del reparto, el gran Harry Dean Staton, como bien sabréis uno de nuestros favoritos aquí en ATumbaAbierta.

Una grata sorpresa púes. Como también lo fueron en su día, para el que suscribe, películas como "Fat City, Ciudad Dorada"(1972) y "Bajo el Volcán" (1984) -de las que sin duda habría que hablar largo y tendido en otra ocasión-. Otras dos maravillas olvidadas de ayer y de hoy que nadie debería perderse.

-EL RINCÓN DEL PINCHADISCOS: "New Values"

Siempre fiel a los principios del auténtico rock, Iggy Pop es de esa clase de tipos de leyenda capaz de aglutinar, por sí solo y sin demasiada ayuda, un sin fin de calificativos. Radical y visceral desde sus inicios (fue punk antes que nadie), la Iguana ha sabido adaptarse a los tiempos de una forma pasmosa. Pasando por alto su etapa Stooges, imprescindible y esencial (la de antes no la de ahora), la carrera de Iggy en solitario ha compaginado obras maestras con trabajos endebles. Así son los monstruos... Uno de esos long play maestros (y malditos) de los que hablo -y que quiero reseñar desde mi rincón de fanático yonki pinchadiscos- lleva por título "New Values"(1979). Un disco brillante que vendería miserablemente. Grabado entre el arrollador "Lust for life"(77) y el malsano "Soldier"(80), las canciones de este discazo suenan a gloria. La impecable calidad sonora del disco, y el grado de innovación, no serían de resaltar si la voz desatada de Iggy, y el nervio de su aquí templada garganta, no impregnasen las composiciones de principio a fin. El que fuera su crepuscular guitarrista en aquella maravilla de "Raw Power", James Williamson (el de la dcha. en la foto), fue el encargado de producir (también compuso un tema) semejante alegato al buen gusto. Aunque grabado en California, fue durante su estancia en Berlín donde Iggy escribió los temas empapándose de los básicos Chuck Berry y Keith Richards. Asistimos desde la inicial "Tell me a Story", a ese estilo chulesco y vibrante que define a la perfección al génio de Michigan. La cálida "Dont Look the Down"; la hipnótica "The Endless Sea"; la tremenda "Girls"; la amarga "Angel"... Y más que ninguna otra: "I'm Bored", sin duda alguna otra de las grandes canciones de su, por otro lado, tremendo repertorio ("Lust for life", "The Passenger", "Candy", "Sister Midnight"...). Como curiosidad decir que para la gira de presentación en Europa Iggy utilizaría a la banda que grabó el disco. Entre varios de los desheredados de los que se suele rodear Iggy, estaban Jacke Clark (Ike&Tina Turner) que en las sesiones de grabación se ocupó del bajo, siendo sustituido en vivo por el Sex Pistols Glen Matlock (pasando aquél a la guitarra), y el bateria de Tangerine Drem Klaus Kruger. Disfrutadlo como se merece: ¡A todo volumen!... O cómo dirían los SpinalTap: ¡Al volumen 11!

-EL RINCÓN DEL PINCHADISCOS: "Exile On Main Street"

Damas y caballeros. Queridos tumberos... "Exile on Main St" (1972) es para el que suscribe el último gran disco grabado por Sus Majestades Satánicas. Estarían por venir grandes canciones, sí. Pero nunca un albúm tan inspirado y redondo como éste. Un disco que marcaría un antes y un después en la carrera de los Stones. Keith y Mick en estado de gracia. Iluminados. Colocados día y noche. Rodeados de un séquito babilónico en su mansión del sur de Francia. Liberados (tras abandonar Inglaterra por problemas con el fisco), lograrían rodear a todos los temas del disco de un aura mágica. Experimentaron como solo los grandes maestros saben hacerlo: buscando, y encontrando, la inspiración en los rincones de la música negra americana que tanto amaban. Retazos de viejo blues, country, gospel, soul... y por supuesto: el rock and roll de Chuck Berry. Más tarde se diría con razón que fueron los Rolling Stones quienes devolvieron la música negra a los americanos. Como siempre sucede en estos casos con los discos experimentales (llámense transgresores), la crítica, por naturaleza escéptica y siempre muy por detrás de la música y el arte de sus creadores, no tardaría en ponerlo a parir. Y es que semejante engendro sonoro corre en quince direcciones distintas que no puedes etiquetar. Pero ha sido el tiempo, siempre justo, el que lo ha puesto en el altar que se merece: Uno de los mejores Lps de rock'n'roll de todos los tiempos. Tiempos aquellos en los que se respiraba sin duda... un aire distinto. La grandiosa portada (doble disco en vinilo) ya auguraba que lo que te ibas a encontrar en su interior no sería algo convencional. Imposible resaltar un tema de otro. Hoy amo "Sweet Virginia", el mes que viene te diré que "Rip this Joint" me llega al alma, y así sucesivamente... pues cualquier composición que pinches será lujo para tus oídos.

-Como complemento a la escucha del legendario Lp stoniano, los que quieran saber más sobre el proceso de grabación del mísmo y sobre toda aquella época dorada del rock (los Stones eran algo así como el centro del Universo) recomendaros el reciente documental "Stones on Exilie"(2010). Una delicia impagable de documentos, música, imágenes de archivo, anecdotas y comentarios de todo aquel proceso creativo. Un único pero. Se hecha en falta información sobre aquella mítica sesión de fotos con la actriz Joan Crawford que a buen seguro se verá cubierta en el libro "Exile on Main Street" de los Rolling Stones, que tan deseoso estoy de leer, y que viene a redondear toda la información posible (papel, imágen y sonido) sobre una banda en su cumbre. Como para perdérselo.